IDEIAS QUADRADAS

Fotografia de rua
Imagens da coleção do MoCP para uso em sala de aula. Esse conjunto de imagens corresponde a um guia curricular que pode ser
encontrado em http://www.mocp.org/education/resources-for-educators.php Esses recursos foram criados com o apoio especial da Terra
Foundation for American Art.
Lee Friedlander
Princeton, 1969
Lee Friedlander
Washington DC, 1973
Lee Friedlander
Chicago, 2003
Lee Friedlander
Washington DC, 1999
Lee Friedlander
Cidade de Nova York, 1964
Robert Frank
Cidade de Nova Iorque, 1955
Robert Frank
São Francisco, 1956
Robert Frank
Comício Político, 1956
Roy DeCarava
Homem na Janela, 1978
Roy DeCarava
Dançarinos, 1956
Garry Winogrand
Coney Island, Nova York, Nova York, de Quinze fotografias portfolio, 1952
Garry Winogrand
Estátua da Liberdade, de Portfolios de quinze fotografias io, 1971
Garry Winogrand
sem título do portfólio "As mulheres são bonitas", Portfólio 1981
Garry Winogrand
Feira Mundial, Nova Iorque, 1964, do portfólio "As mulheres são lindas"
Garry Winogrand
Zoológico do Central Park, Nova York, Nova York, 1967, do Quinze fotografias portfólio
Gary Winogrand
Los Angeles, Califórnia, 1969, do portfólio de quinze fotografias
Garry Winogrand
Zoológico do Central Park, Nova York, 1964, do Quinze fotografias portfólio
Mary Ellen Mark
Calcuta, 1980
Mary Ellen Mark
Cinco rapazes com armas, 1988
Mary Ellen Mark
Amanda e sua prima Amy, Valdene, Carolina do Norte, 1990
Stephen Marc, 53 rd e Aberdeen, do projeto "Changing
Chicago", 1987
Stephen Marc
63. rd e King Drive, do projeto "Changing Chicago", 1987.
Stephen Marc
sem título, do projeto “Changing Chicago”, 1987
Stephen Marc
sem título, do projeto “Changing Chicago”, 1983
Antonio Perez
Um grupo de primeira comunhão passa pela reitoria de St. Michaels a caminho da igreja, em 1º de maio de 1987, a partir do "Changing
Chicago Project"
Antonio Perez
Michael e Maryann Shiffer a bordo de um ônibus que os levará à estação de trem
Do projeto "Changing Chicago", 1987
Antonio Perez
Uma criança e seu tio participam do Memorial Anual de Veteranos do Vietnã do Sudeste, enquanto seguram uma foto de um membro
da família, Joseph Quiroz, do lado de fora da paróquia de Nossa Senhora da Guadalupe. Quiroz morreu ao servir seu país no Vietnã,
setembro de 2000
Antonio Perez
Um jovem vaqueiro executa truques de corda de rodeio enquanto marcha para o oeste em Cermak, durante o desfile anual de Cinco
de Mayo, maio de 1996
Antonio Perez
Um homem vestido de Charro no cavalo aguarda sua comida para viagem antes do início do desfile anual de Cinco
de Mayo em Cermak, Chicago, em setembro de 2000
Jay Wolke Sem título, do Mudando Chicago projeto, 1987
Jay Wolke
sem título, do Mudando o projeto de Chicago, 1987
Lee Friedlander
(Americano, n. 1934)

A visão única de Lee Friedlander ressalta a bidimensionalidade do plano da imagem e o potencial das fotografias de conter níveis variados de
reflexão, opacidade e transparência. Como as fotografias de Atget, as imagens das vitrines de Friedlander evocam uma certa ambiguidade, uma
oscilação entre a realidade refletida e a realidade, que convida à inspeção do espaço e do significado da imagem. Respostas semelhantes são
encorajadas pelas fotografias de rua de Friedlander, nas quais sombras de figuras (geralmente o próprio Friedlander) e outros assuntos se
sobrepõem à imagem fotográfica. O contorno projetado do corpo de Friedlander, como dentro da moldura da imagem, implica a noção de que o
fotógrafo pode estar atrás da câmera e na frente dela. Interpretado ainda,

Washington DC é uma imagem do Friedlander O monumento americano projeto executado no estilo planar pelo qual ele é conhecido. Colocada na fotografia
plana, há uma janela de carro, um espelho lateral e uma avenida que se estende à distância, dividindo o espaço da moldura. O monumento americano o projeto
documenta como os memoriais indescritíveis nos Estados Unidos são dobrados em paisagens em mudança. Como o contexto e o ambiente desses objetos
mudaram ao longo do tempo, muitos não mantiveram seu significado ou significado inicial. Friedlander detalha os motivos e símbolos da memória pública que
passam despercebidos. Seu estilo não compromete a marginalidade de cada placa ou estátua; em vez disso, chama a atenção para o novo ambiente que se
desenvolveu em torno desses objetos. No Phoenix, 1975, por exemplo, o assunto não é prontamente aparente; o monumento está situado discretamente,
camuflado por uma árvore e cactos. Fotografando placas e estátuas dedicadas a diversas figuras militares, poetas, estadistas, nativos americanos e puritanos,
Friedlander colecionou milhares de imagens desses marcadores solitários e silenciosos, como se pode vislumbrar enquanto caminha ou dirige.

Lee Friedlander nasceu em 1934 em Aberdeen, Washington. Ele começou a fotografar em 1948 por causa de um "fascínio pelo equipamento", em suas
palavras. Mais tarde, ele frequentou a Art Center School em Los Angeles para se tornar um fotógrafo profissional, mas logo saiu. Ele se mudou para Nova
York em 1956 e começou a trabalhar como freelancer. Ao procurar trabalhos em revistas, ele finalmente conheceu um grupo de fotógrafos que mudariam sua
vida: Robert Frank, Diane Arbus, Garry Winogrand, Louis Faurer, Louis Faurer, Helen Levitt, Richard Avedon e Walker Evans. Friedlander recebeu uma bolsa
da John Simon Guggenheim Memorial Foundation e uma bolsa da National Endowment for the Arts Fellowship. Seu trabalho foi amplamente exibido e está
incluído nas coleções do Museu de Arte de Baltimore; Museu de Belas Artes, Boston; Centro de Fotografia Criativa, Universidade do Arizona, Tucson; Galeria
de Arte Corcoran, Washington, DC; Museu de Belas Artes, Houston; Museu de Arte Moderna, Nova York; e o Smithsonian Institution, Washington, DC, entre
outras coleções internacionais. O Museu de Fotografia Contemporânea exibiu sua série No trabalho e Paus e pedras em 2005. Além disso, Friedlander é
creditado por preservar o trabalho do fotógrafo de Nova Orleans EJ Bellocq.
Robert Frank
(Americano, b. Suíça 1924)

As fotografias de Robert Frank da América na década de 1950 exemplificam as críticas de um estranho aos fenômenos sociais que pontuam a América do pós-guerra. O fotógrafo nascido na Suíça
atravessou os EUA com a ajuda de uma bolsa John Simon Guggenheim Memorial, concedida em 1955, como parte de seu projeto. Os americanos, uma coleção de fotografias publicadas em forma de livro
em 1959. Talvez como resultado de seu status de não-nativo, as observações fotográficas de Frank não assumam nada e deixem claras questões de espaço público, relações raciais e cultura do
consumidor. Suas imagens divulgam momentos em que várias facções da população exibem seu ódio ou desconforto secreto um pelo outro. Outras fotografias retratam a atmosfera de consumismo
crescente nos Estados Unidos, capturando a alienação de cidadãos apanhados ou deixados de fora da cultura do consumidor. Escusado será dizer que a dinâmica revelada nas fotografias de Frank era
perturbadora para o seu público em casa e no exterior.

As fotografias de Frank não tiveram efeito unificador. No São Francisco suspeita e agressão velada estão claramente escritas nos rostos do casal que Frank fotografou. A composição levemente
distorcida se presta ao programa geral de tensão e conflito na imagem e a composição é preenchida e justificada na disparidade percebida, e não na relação harmoniosa, entre seus sujeitos. Embora
críticas, as fotografias de Frank não deixam de ter humor. Em uma de suas imagens de marca registrada, Comício Político, Chicago, 1956, ele selecionou um congressista sem rosto em vez de direcionar
sua câmera para os candidatos no pódio. A composição não permite escapar do puxão da garganta da tuba, um buraco no centro da estrutura e, entendida simbolicamente, evoca mais diversão do que
condenação. Esta imagem icônica destaca o estilo de isolamento pelo qual Frank se tornou conhecido. Os pequenos detalhes, a estamenha patriótica e um adesivo de campanha para Adlai Stevenson,
ajudam a localizar o espectador em um evento político. Embora o espectador seja orientado a olhar para a figura isolada e sem rosto contra uma parede, as referências políticas convidam a uma
interpretação mais ampla da imagem.

O consumismo americano é um tema comum que permeia o trabalho de Robert Frank. Ele abordou o relacionamento entre os americanos e seu ambiente consumista desenfreado, tirando fotos de
pessoas enquanto faziam compras ou passeavam pelas lojas, capturando expressões embaraçosas ou desajeitadas. Estes foram associados a uma aparente apreensão e alienação dos produtos e
locais da nova cultura. No Cidade de Nova Iorque, uma mulher parece perdida na parafernália de um ambiente consumista. Seu ambiente, uma mistura de iluminação artificial e informações borradas,
contribuem para a sensação caótica de uma cultura em rápida transformação.

Nascido em Zurique em 1924, Robert Frank emigrou da Suíça em 1947 aos 22 anos e trabalhou em Nova York com considerável sucesso comercial. Em busca de algo mais, no entanto, ele viajou de
Nova York para a América do Sul, Paris, Espanha, Londres e País de Gales, e trabalhou em uma variedade de projetos ambiciosos. Em 1953, ele voltou para os Estados Unidos e embarcou na agora
épica série Os americanos. A estética instantânea de Frank, utilizando forma borrada, filme granulado e uma perspectiva titulada, revolucionou e moldou o curso da fotografia moderna. Após a
publicação de Os americanos, no entanto, Frank sentiu que havia esgotado as possibilidades de se expressar com a fotografia e começou a fazer filmes. Seu trabalho neste meio varia desde o
experimental Pull My Daisy para Cocksucker Blues, o controverso documentário da turnê americana dos Rolling Stones em 1972 e uma série de auto-estudos emocionais - Conversas em Vermont, Life
Dances On, e Melhorias Home. A monografia dele Mudar foi publicado em 1994 pela SCALO, em conjunto com uma exposição itinerante organizada pela National Gallery of Art, Washington, DC, onde
seu arquivo está agora armazenado.
Roy DeCarava
(Americano, n. 1919)

Roy Rudolph DeCarava nasceu no Harlem de Nova York, em 9 de dezembro de 1919. De 1938 a 1940, estudou pintura no Cooper Union Institute, de 1940 a 1942, pintura e gravura com
Elton Fax, no Harlem Art Center, e desenho e pintura com Charles White, na George Washington Carver Art School, em 1944. Ele comprou uma câmera (em 1946) para documentar seu
trabalho na gravura, mas em 1949 a fotografia em si era seu único foco artístico. Ele se estabeleceu como um fotógrafo de rua do pós-guerra da vida cotidiana, especificamente da vida
afro-americana em Nova York. DeCarava não foi o primeiro fotógrafo a filmar o Harlem, mas seu compromisso em interpretá-lo em termos artísticos o diferencia da história do documentário
social ali estabelecido.

Sua primeira exposição de fotografia foi em 1950, na Galeria Quarenta e Quarta Rua, de Mark Pepper. Havia 160 gravuras em exposição, e Edward Steichen comprou três para a coleção do Museu de Arte
Moderna. Lá Homor Page, um estudante de Steiglitz, fez amizade com DeCarava e começou a discutir a técnica da câmara escura com ele. Logo depois, DeCarava começou a experimentar uma faixa de tons
mais escura. Seus estudos sobre o mundo do jazz de Nova York, iniciados alguns anos depois, desenvolveram ainda mais sua propensão para a impressão escura. Enquanto os tons profundos em suas fotos às
vezes empurram o limite da legibilidade, tanto os negros verdadeiros quanto os verdadeiros brancos são raros.

Em 1952, DeCarava tornou-se o primeiro destinatário afro-americano da John Simon Guggenheim Memorial Fellowship. O ano da irmandade foi notavelmente proveitoso, produzindo impressões
tão importantes quanto Alimentação noturna. Inicialmente rejeitadas pelos editores, as fotografias do projeto foram finalmente publicadas com a ajuda de Langston Hughes em 1955, como O doce
Flypaper da vida. Pouco tempo depois, DeCarava abriu uma das primeiras galerias em Nova York dedicadas à fotografia, A Photographer's Gallery, que apresentaria exposições de Bernice
Abbott, Harry Callahan e Minor White nos dois anos em que esteve aberta. Ao mesmo tempo, ele iniciou uma série de músicos de jazz que o ocupariam por uma década.

Em uma série de entrevistas gravadas com Sherry Turner DeCarava (publicada em Roy DeCarava), Roy Decarava tinha muito a dizer sobre sua peça de 1956 Dançarinos, uptown 'club
dance', Nova York:

Esta fotografia foi tirada em uma dança de um clube social no 110 º St. Manor na Quinta Avenida. É sobre o intervalo em que eles tinham entretenimento e o entretenimento eram dois dançarinos que dançavam ao jazz. É disso que se trata esta imagem; é

sobre esses dois dançarinos que representam um terrível tormento para mim, pois sinto uma grande ambiguidade em relação à imagem por causa deles. É porque eles são, de certa forma, personagens distorcidos. Na verdade, eles são dois dançarinos

negros que dançam à maneira de uma geração mais velha de artistas de vaudeville negros. O problema vem porque as figuras deles me lembram muito a experiência real dos negros na necessidade deles, mas eles mesmos em uma posição embaraçosa

diante do homem, para o homem; humilhar-se para sobreviver, para se dar bem. De certa forma, esses números parecem resumir essa realidade. E, no entanto, há algo nas figuras que não é sobre isso; algo nas figuras que é muito criativo, que é muito real

e muito negro no melhor sentido da palavra. Portanto, há essa dualidade nesta ambiguidade na fotografia com a qual acho muito difícil conviver. Eu sempre tenho que tomar uma decisão em um caso como este - é bom ou ruim? Devo dizer que, apesar de

despertar algumas das minhas sensibilidades e me lembrar coisas das quais eu preferiria não ser lembrado, ainda é uma boa imagem. De fato, é bom apenas por causa dessas coisas e apesar delas. A imagem funciona. Eu sempre tenho que tomar uma

decisão em um caso como este - é bom ou ruim? Devo dizer que, apesar de despertar algumas das minhas sensibilidades e me lembrar coisas das quais eu preferiria não ser lembrado, ainda é uma boa imagem. De fato, é bom apenas por causa dessas

coisas e apesar delas. A imagem funciona. Eu sempre tenho que tomar uma decisão em um caso como este - é bom ou ruim? Devo dizer que, apesar de despertar algumas das minhas sensibilidades e me lembrar coisas das quais eu preferiria não ser

lembrado, ainda é uma boa imagem. De fato, é bom apenas por causa dessas coisas e apesar delas. A imagem funciona.
Winogrand, Garry
( Americano, 1928-1984)

Nascido em Nova York, Garry Winogrand ficou conhecido por sua fotografia de rua misturando estilos de documentário e fotojornalista e congelando seus assuntos em momentos espontâneos e
bizarros. Winogrand normalmente usava uma lente grande angular montada em uma câmera Leica de 35 mm e fotografava prolificamente, deixando 2.500 rolos de filmagem, mas não revelados, e
300.000 imagens não editadas após sua morte. O horizonte inclinado e a sensação de caos em suas imagens desmentem suas composições cuidadosas preocupadas em capturar detalhes e energia
da superfície. Winogrand acreditava que o ato de enquadrar e fotografar algo a transformou. Suas imagens são frequentemente conflituosas e tiram momentos do contexto, posicionando Winogrand
como um observador externo de gestos e ações humanas.

Entre os assuntos favoritos de Winogrand estavam as mulheres, e ele se descrevia como "compulsivamente interessado em mulheres" e "fotografado compulsivamente". Grande parte
das imagens de Winogrand na coleção do MoCP faz parte do As mulheres são lindas
portfolio (1981), que foi publicado inicialmente como monografia em 1975. Para a monografia, John Szarkowski, curador de fotografia do Museu de Arte Moderna de Nova York na época,
selecionou 85 imagens com mulheres de centenas de fotografias de Winogrand. O livro resultante oferece uma coleção aleatória de mulheres apanhadas na rua, em parques, entrando em
carros, em festas, marchando em desfiles, nadando em lagoas, etc. As imagens capturam não apenas a atração de Winogrand pelas mulheres que ele fotografou, mas também a estilos,
atividades, gestos e energias pertencentes ao gênero nas décadas de 1960 e 1970, uma era de transição durante o feminismo de segunda onda e a revolução sexual. Na monografia e no
portfólio, Winogrand escreveu: “Sempre que vejo uma mulher atraente, faço o possível para fotografá-la.

Garry Winogrand nasceu em 1928 em Nova York. Ele estudou pintura no City College de Nova York; pintura e fotografia na Universidade de Columbia; e fotojornalismo com Alexey Brodovitch
na The New School for Social Research. Foi fotojornalista freelancer ao longo das décadas de 1950 e 1960, para publicações como Vida, Desporto Ilustrado, e Fortuna. Ele ensinou brevemente
no Instituto de Design do Instituto de Tecnologia de Illinois em Chicago (1971-1972) e na Universidade do Texas em Austin (1973-1978). Winogrand recebeu bolsas de estudos Guggenheim
em 1964, 1969 e 1979, e uma bolsa de estudos do National Endowment for the Arts em 1975. As monografias incluem Os animais ( 1968,

2004); As mulheres são lindas ( 1975); Relações públicas ( 1977, 2004); Fotografias de arquivo: The Fort Worth Fat Stock Show and Rodeo ( 1980);
Winogrand: ilustrações do mundo real ( 1988, 2003); O Homem na Multidão: As Ruas Inquietas de Garry Winogrand ( 1999); O jogo da fotografia ( 2001); e Chegadas e Partidas: Fotos do
Aeroporto ( 2009). O arquivo de Winogrand reside no Centro de Fotografia Criativa da Universidade do Arizona, Tucson.

As fotografias de Winogrand foram exibidas no Museu de Arte Moderna de Nova York em inúmeras ocasiões, incluindo: Família do Homem ( 1955);
Cinco fotógrafos independentes: Heyman, Krause, Liebling, White e Winogrand ( 1963); Novos documentos ( com Diane Arbus e Lee Friedlander,
1967); Garry Winogrand: Os animais ( 1969-1970); Relações públicas ( solo, 1977); e Garry Winogrand ( 1988). Muitas dessas exposições foram organizadas por John Szarkowski, curador de
fotografia no MoMA, 1962-1991. A retrospectiva de 1988 viajou para o Art Institute of Chicago; a Galeria de Arte da Universidade Carnegie Mellon, Pittsburgh; o Museu de Arte
Contemporânea, Los Angeles; a Galeria de Arte Archer M. Huntington, Universidade do Texas, Austin; e o Centro de Fotografia Criativa, Universidade do Arizona, Tucson.
Mary Ellen Mark
(Americano, n. 1940)

Mary Ellen Mark é uma das poucas fotógrafas contemporâneas que conseguem trabalhar nos domínios da arte, do documentário social e do fotojornalismo sem comprometer a
integridade de nenhuma delas. Nos últimos 35 anos, em 14 livros e centenas de publicações da mídia, ela gravou prostitutas, rodeios, circos, crianças de rua, instalações de saúde
mental, produção de filmes - a lista é longa e variada. Sabendo muito bem que fotografar pessoas radicalmente diferentes da fotógrafa pode se tornar exploradora, ela desenvolveu
uma reputação de preocupação humanitária. Como ela diz: "Na maioria dos casos, se eu não conte a história deles, ninguém o contaria". Na verdade, ela está seriamente
interessada em "suas histórias" e usa a fotografia como um instrumento para expandir nossa compreensão de suas preocupações, não um fim formal exclusivo em si.

Educada na Universidade da Pensilvânia (BFA, 1962 e MA, 1964), Mary Ellen Mark também recebeu diplomas honorários do Kenyon College, Ohio; Columbia College Chicago; o
Centro de Estudos Criativos, Detroit; e a Universidade da Pensilvânia. Suas obras foram amplamente exibidas, mais recentemente na Manchester Art Gallery; o Museu de Arte
Moderna de Jacksonville; e o Museu de Fotografia Contemporânea. Além disso, as fotografias de Mark estão nas coleções permanentes da Galeria de Arte da Universidade de Yale,
New Haven, Connecticut; o Museu de Fotografia da Califórnia, Riverside; e o Museu de Arte de Baltimore, Maryland, entre muitos outros. Mark recebeu três bolsas do National
Endowment for the Arts e uma bolsa de estudos John Simon Guggenheim Memorial.
Stephen Marc
(Americano, n.1954)

Ao longo de seu trabalho, Stephen Marc investigou as formas de expressão individual - em estilo, em gesto, em ação - que se desenvolvem dentro de uma determinada comunidade. Em seu
primeiro livro, Urban Notions (1983), Marc declara sua intenção de capturar os “gestos, símbolos e códigos” do ambiente urbano negro. Nesta imagem sem título, o pavimento se torna uma
tela para as marcas familiares da peça na cidade.

Marc se voltou para uma exploração de autorretratos de montagem digital que combinam motivos africanos e retratos de família na série Soul Searching. Além disso, ele está pesquisando,
documentando e combinando imagens da ferrovia subterrânea. Seu trabalho está incluído nas coleções da Bibliothèque Nationale, Paris; o Museu de Fotografia da Califórnia, Riverside; Museu
do Campo de História Natural, Chicago; O Museu de Belas Artes, Houston; e o Museu Nacional de Arte Americana, Washington, DC. Mark nasceu em Rantoul, Illinois em 1954 e frequentou o
Pomona College, Claremont, Califórnia (BA, 1976) e a Escola de Arte Tyler, Temple University, Filadélfia (MFA, 1978). Depois de ensinar fotografia por vinte anos no Columbia College
Chicago, Marc se mudou para o Arizona em 1998 para ensinar na Arizona State University, em Tempe.
Antonio Perez
( Americano, b. 1963)

Esta área é minha casa desde o nascimento e tem uma rica história familiar e ética no trabalho. Através das minhas fotografias, espero mostrar seus muitos tesouros escondidos, ver
nas expressões do povo. - Antonio Perez, 1988

Procissão de Comunhão, South Chicago, 82nd e South Shore Drive foi feita na 8200 South Shore Drive durante a procissão anual da Primeira Comunhão de São
Miguel, em que as crianças caminham de sua escola secundária para a igreja para a missa de comunhão (a menos de um quarteirão de distância). É um bairro e um
evento que Perez fotografou em várias ocasiões. Esta imagem não é apenas um documento de um momento específico, mas como as freiras deixaram o St. Michael's,
tornou-se um registro da história da instituição. De uma das janelas das casas ao fundo, outro fotógrafo treina sua câmera na mesma procissão.

Antonio Perez nasceu em Chicago, Illinois em 1963. É bacharel em fotojornalismo pelo Columbia College Chicago (1985) e trabalha como fotógrafo de equipe em tempo
integral no Chicago Tribune. Suas fotografias foram exibidas no Art Institute of Chicago, no Chicago Cultural Center, no Smithsonian Institution e na Wright Gallery da UCLA.
Eles também apareceram no People, The New York Times, Chicago Magazine e Chicago Tribune Magazine. Seu trabalho também pode ser encontrado nas coleções do Art
Institute of Chicago e da Chicago Historical Society.

-- Kendra Greene

Mudando Chicago. Chicago: University of Illinois Press, 1989.

Jay Wolke
(Americano, n. 1954)

Jay Wolke embarcou em seu primeiro projeto fotográfico de larga escala em 1981, intitulado Along the Divide (1981-1985). As fotografias coloridas desta série giram em torno da
Dan Ryan Expressway, uma rodovia com várias faixas e tráfego intenso que atravessa partes densamente povoadas de Chicago. Por sua própria descrição, Wolke decidiu examinar
o Dan Ryan como uma "expressão maciça do léxico urbano". Suas fotografias não são apenas sobre a construção monolítica em si, mas também o ecossistema de elementos
humanos e industriais que se formaram em torno dela e em resposta a ela.

O projeto Dan Ryan Expressway foi um empreendimento essencial na carreira profissional de Wolke, abrindo caminho para sua abordagem rigorosa a outros projetos de grande escala nos
anos subseqüentes. Em 1987, Wolke participou do Changing Chicago Project, um dos maiores projetos de fotografia documental já organizados em uma cidade americana. Por sua
contribuição, Wolke fotografou a atividade da Maxwell Street, o famoso mercado ao ar livre da cidade. O mercado começou em meados do século XIX, quando o bairro emergiu como um
porto de entrada para as populações imigrantes. Foi destruído na década de 1960, no entanto, para dar lugar à Dan Ryan Expressway e, finalmente, assumiu uma forma diferente com
uma nova geração de carros de passeio, vendedores e traficantes quando Wolke o fotografou.

Em meados da década de 1990, Wolke concluiu um estudo fotográfico, intitulado All Around the House (1993-1997), sobre os eventos e rituais comunitários de diversas
comunidades de judeus americanos. "Desde o início", afirma Wolke, "esse projeto fotográfico era uma proposição generalista, retratando deliberadamente demonstrações complexas
dos valores judaicos tradicionais, enquanto filtravam a tela da cultura americana".

Em seu próximo projeto, Wolke voltou seu foco para Mezzogirono, a região sul da Itália, que tem uma longa história de colonização e guerra. Arquitetura de
demissão (1999-2009) investiga como a paisagem se torna um conjunto elaborado de estruturas físicas, sociais e políticas.

Jay Wolke concluiu um BFA na Universidade de Washington, St. Louis (1976) e um Mestrado em Fotografia no Institute of Design, Illinois Institute of Technology em
Chicago (1980).
O projeto Changing Chicago

Em 1987, no quinquagésimo aniversário do estabelecimento do projeto documental da Farm Security Administration, Chicago, Jack Jaffe, patrocinou
um projeto chamado Changing Chicago, no qual ele contratou 33 fotógrafos para capturar as pessoas e os locais da vida urbana cotidiana em
Chicago. a cidade. Em seu ensaio no livro Changing Chicago, a historiadora Naomi Rosenblum elucida a diferença entre projetos como o FSA, que
pretendia inspirar mudanças e reformas sociais, e o Changing Chicago, que honra tradições passadas, mas visa um objetivo mais amplo. O projeto
não tinha missão específica de mudança social. Sua premissa era mais aberta e deixava temas e assuntos específicos até os fotógrafos individuais.
Os artistas foram simplesmente encarregados de retratar o tecido urbano e o cotidiano da cidade, sejam aspectos positivos ou negativos.