Com o desenvolvimento da tecnologia
O que são Artes
Visuais?
As artes visuais são um conjunto de
manifestações artísticas como: pintura,
escultura, desenho, arquitetura,
artesanato, fotografia, cinema, design,
arte urbana, entre outros.
O conceito de arte visual está
relacionado ao ato de visualizar - “ver”
- por isso, integra as artes em que a
fruição, ou seja, a apreciação, acontece
por meio da visão.
Por sua importância e dimensão,
atualmente existe o curso superior em
“Artes Visuais”. Nele, o estudante sai
com o título de artista visual, que o
permite criar, avaliar e participar do
mercado cultural e artístico.
A arte urbana é um tipo de arte visual. Na imagem,
grafite de Eduardo Kobra
As Artes Visuais
Contemporaneidade
Importante destacar que o conceito de
arte foi se ampliando com o passar do
tempo.
No entanto, é certo que a arte é uma
manifestação humana essencial que
esteve sempre presente desde a
antiguidade, como a arte rupestre.
Assim, além do conceito, as temáticas,
técnicas e materiais foram se
ampliando e hoje é difícil identificar
como ela surge.
e dos computadores, a arte visual
também pode ser produzida por
ferramentas tecnológicas. Podemos
citar as artes gráficas, criadas por meio
de programas de computador
(softwares) denominada de web art.
A obra Cidade Espelhada, de Giselle Beiguelman é
um exemplo de web art que, por sua vez, faz parte
das artes visuais
As artes modernas e contemporâneas
foram responsáveis por ampliar ainda
mais o conceito de arte. Pois com elas a
ideia torna-se mais importante do que
o caráter estético e visual do objeto
artístico.
Atualmente, podemos encontrar
diversos tipos de artes visuais:
 vídeo-arte
 animações
 colagens
na  arte urbana
 instalações artísticas
 performances
 arte corporal (body art)
 apresentações de rua
 história em quadrinhos
 artes decorativas
 arte multimídia
 design gráfico, de produtor e de
moda.
 Atividade
1. Pesquise sobre colagem e produza a sua no espaço abaixo.
Modernismo
Laura Aidar
Arte-educadora e artista visual
O modernismo foi uma tendência
artístico-cultural ocorrida na primeira
metade do século XX.
Se manifestou em diversos campos das
artes, como a pintura, escultura,
arquitetura, literatura, dança e música.
No Brasil, a linguagem de maior
destaque dentro do movimento
modernista foi a literária e, assim como
as demais, tinha como objetivo
questionar e romper com tradições
passadas.
Origem do modernismo e contexto
histórico
O movimento moderno se iniciou na
primeira década do século XX, a
princípio na Europa, chegando
posteriormente ao Brasil por volta dos
anos 20.
Impulsionados por um contexto
histórico bastante conturbado, no qual
grandes transformações estavam em
curso, os artistas e intelectuais
modernos passaram a repensar a
maneira de produzir arte e literatura,
objetivando cada vez mais um
pensamento crítico.
Assim, a história do modernismo
acontece em um cenário de conquistas
tecnológicas, progresso da indústria,
aprofundamento do sistema capitalista
e das desigualdades, bem como
grandes eventos como a Primeira
Guerra Mundial, a Revolução Russa e o
surgimento de regimes totalitários.
Podemos dizer que a corrente
modernista perdurou até os anos 50,
após a Segunda Guerra Mundial.
Caraterísticas do
modernismo
As características que podemos notar
no modernismo de maneira geral estão
relacionadas à ruptura com os modelos
artísticos-literários vigentes e a busca
por inovação.
Dessa forma, os modernistas passam a
produzir obras transgressoras e com
maior liberdade criativa, sem seguir
necessariamente métricas e padrões.
Tanto na literatura como nas demais
vertentes artísticas, podemos elencar
como particularidades das obras
modernistas:
 Recusa aos moldes acadêmicos;
 Liberdade criativa e de
expressão;
 Valorização da experimentação;
 Busca pela aproximação da
linguagem popular;
 Espontaneidade e irreverência;
 Quebra de formalismos;
 Ironia e espírito cômico.
Modernismo no Brasil uma nova visão de mundo, baseada na
No Brasil, o movimento modernista se valorização de temas cotidianos e
consolidou com a Semana de Arte nacionais.
Moderna, ocorrida em 1922 no Theatro
Municipal, em São Paulo. O evento
contou com artistas de diversas áreas,
com representantes da literatura,
pintura, música e dança.

Di Cavalcanti foi o artista que produziu o cartaz e o

catálogo da Semana de Arte Moderna
A Semana de 22, como também é
chamada, é considerada um marco da
vertente no país, entretanto, obras com
características modernas já estavam
sendo produzidas anteriormente. O
momento ficou conhecido
como Primeira Fase do
Modernismo brasileiro.
Os artistas buscavam inspiração na arte
que acontecia na Europa (as chamadas
vanguardas europeias) para produzir
trabalhos com caráter inovador e ao
mesmo tempo nacional.
Também é importante destacar que a
realidade brasileira nesse período
impulsionou o surgimento da arte e
literatura moderna nacional. O
contexto social por aqui era bastante
delicado, com a grande insatisfação
popular por conta da crescente alta dos
preços, gerando manifestações e
paralisações de trabalhadores.
Assim, a intelectualidade brasileira
passa a criar trabalhos com o intuito de
questionar os tradicionalismos e propor
A tela Abaporu, de Tarsila do Amaral, é um ícone do
modernismo brasileiro
Modernismo literário
brasileiro
O modernismo literário foi uma
vertente bastante forte no Brasil, sendo
que a Segunda Fase modernista no país
foi marcada pela produção da
literatura, com destaque para a prosa e
poesia.
Os escritores passam a usar as palavras
de maneira mais flexível, abusando de
versos livres, linguagem sarcástica e
cômica e renúncia à métrica e à rima.
Alguns dos escritores de maior
destaque no período são: Oswald de
Andrade, Mario de Andrade, Manuel
Bandeira, Carlos Drummond de
Andrade, Cecília Meireles, Rachel de
Queiroz.
A partir de 1945, surge um novo
momento na literatura do país, com a
Terceira Fase do Modernismo, na qual
os escritores buscavam integrar
novamente recursos formais com
características intimistas, regionalistas
e urbanas. Os representantes dessa
fase são considerados também como
“neoparnasianos”.

Modernismo nas artes

Nas artes visuais, a tendência também
se deu de maneira significativa,
sobretudo na Europa. Lá ocorreram as
primeiras expressões modernas, e
fazem parte delas:

 Expressionismo;
 Fauvismo;
 Cubismo;
 Abstracionismo;
 Futurismo;
 Dadaísmo;
 Surrealismo;
 Concretismo.

A dança (1910) é uma tela de Henri Matisse e faz

parte do fauvismo
Todas essas vertentes tiveram em
comum a busca pela inovação, seja
através da arbitrariedade no uso das
cores, a deformação e geometrização
das formas, a abstração das figuras ou a
busca pelo absurdo.

Essas foram as maneiras encontradas

para expor e questionar o caráter
ilógico e incoerente da sociedade
naquele momento.
 Kirchner, Hekel, Schmidt-Rottluf (1926),
de Kirchner. À direita, detalhe
A primeira vez que o termo surgiu foi
Expressionismo em 1911, na revista Der Sturm (A
Tempestade). O periódico alemão era o
veículo de comunicação mais
Laura Aidar importante do movimento.

Arte-educadora e artista visual Outro grupo com grandes tendências

expressionistas foi o Der Blaue
Expressionismo é o nome de uma Reiter (O cavaleiro azul), formado em
vanguarda artística europeia do início 1911 por Franz Marc (1880-1916) e
do século XX. Wassily Kandinsky (1866-1944).

Esse movimento artístico está entre os Edvard Munch é considerado o

primeiros representantes das precursor do Expressionismo, tendo
vanguardas históricas e talvez, o influenciado essa corrente artística com
primeiro a focar em aspectos suas obras impactantes e cheias de
subjetivos, valorizando a expressão carga emocional.
emocional do ser humano.
Sua obra mais importante é O
Origem do Expressionismo Grito (1893). Ela representa uma das
telas mais emblemáticas do movimento
Devemos destacar que o
expressionista.
Expressionismo não possui uma
localização geográfica definida e sua
duração é imprecisa.

Entretanto, o consenso é de que tenha

surgido na Alemanha em meados de
1905. Nesse ano se deu a criação do
grupo Die Brücke (A Ponte), pelos
artistas Ernst Kirchner (1880-1938),
Erich Heckel (1883-1970) e Karl
Schmidt-Rottluff (1884-1976), entre
outros. Por isso, essa corrente é
também chamada de Expressionismo
alemão. A tela O Grito (1893) de Edvard Munch.
À direita, detalhe da obra
Outro artista essencial para o
surgimento da vertente foi o holandês
Vincent Van Gogh, integrante do pós-
impressionismo.

Ele foi um homem que viveu

intensamente a arte e transmitia em
suas obras os sentimentos de maneira
dramática e sem preocupar-se tanto
Um grupo de artistas: Otto Muller,
com os efeitos técnicos da iluminação
em suas composições. Uma de suas
grandes obras é A Noite
Estrelada (1889).
O Expressionismo constituiu-se como
um campo multidisciplinar
interdisciplinar ao entrecruzar os
saberes de várias áreas do universo das
artes.
Este movimento cativou os círculos
artísticos e intelectuais alemães
durante as duas primeiras décadas do
século XX.
Surgiu como uma reação ao positivismo
do movimento impressionista, que
visava exibir obras com um caráter
mais técnico acerca das percepções e
estudos de luzes e cores, sem dar
importância à subjetividade e
complexidade humanas.
 contraste e intensidade
cromática;
 valorização do universo
psicológico, sobretudo de
sentimentos densos, como a
e angústia e solidão;
 dinamismo e vigor;
 técnica abrupta e "violenta" na
pintura, com grossas camadas
de tinta;
 valorização de temas sombrios,
trágicos.
Estilo Expressionista
Já que compreende a deformidade do
mundo real, o Expressionismo
encontrou uma forma subjetiva para
representar a natureza e o ser humano.
A proposta do movimento despreza a
perspectiva e a luz, pois o que importa
mais para esses artistas é a maneira
como se sente o mundo.

É frequente a temática da miséria,

Características do solidão e loucura, pois é um reflexo do
Expressionismo espírito da época. Por outro lado, o
Com uma visão trágica do ser humano, Expressionismo defendia a liberdade
muito por conta do contexto histórico individual por meio da subjetividade e
da Primeira Guerra Mundial, o do irracionalismo.
Expressionismo, como o próprio nome Os temas abordados foram por vezes
sugere, busca ser uma expressão dos considerados depravados e
sentimentos e das emoções. subversivos, e buscavam conduzir o
espectador à introspecção.
Assim, os artistas exageram e
distorcem os temas em seu processo de É interessante notar como no
catarse, revelando, sobretudo, o lado Expressionismo a objetividade da
pessimista da vida. imagem se opõe ao subjetivismo da
expressão.
Esta escola utilizou a arte enquanto
forma de refletir a angústia Ou seja, o caráter objetivo é afastado
existencialista do indivíduo alienado, da obra por meio da linha e da cor
fruto da sociedade moderna, usadas de maneira emotiva, em formas
industrializada. retorcidas e agressivas.
Dessa forma, podemos destacar como
importantes características desse
movimento:

Expressionismo no Brasil
À direita, A boba (1915-16), Anita
Malfatti. À esquerda, Retirantes (1944),
de Portinari
No Brasil, Cândido Portinari (1903-
1962) destacou-se no estilo
expressionista. O artista representou
intensamente em suas obras as
mazelas do povo nordestino.
Além dele, Anita Malfatti (1889-1964),
que na Alemanha teve contato com
artistas do Expressionismo, também foi
fortemente influenciada por essa
corrente.
Outros nomes que beberam da fonte
foram Oswaldo Goeldi (1895-1961),
Lasar Segall (1891-1957) e,
posteriormente, Flávio de Carvalho
(1899-1973) e Iberê Camargo (1914-
1994).
Principais artistas do
Expressionismo
Selecionamos alguns dos principais
representantes da arte expressionista e
do pós-impressionismo (que foram os
grandes inspiradores e precursores do
Expressionismo). Veja:
 Marc Chagall (1887-1985)
 Paul Klee (1879-1940)
 Wassily Kandinsky (1866-1944)
 Amedeo Modigliani (1884-1920)
 Egon Schiele (1890-1918)
 Edvard Munch (1863-1944)
 José Orozco (1883-1949)
 Constant Permeke (1886-1952)
 Cândido Portinari (1903-1962)
 Anita Malfatti (1889-1964)
 Diego Rivera (1886-1957)
 Georges Rouault (1871-1958)
 Chaim Soutine (1893-1943)
 David Siqueiros (1896-1974)
 Vincent Van Gogh (1853-1890)
Arte Expressionista
Com dito anteriormente, o
Expressionismo foi um estilo artístico
utilizado por diversas categorias da
arte, expresso na arquitetura,
escultura, pintura, literatura e música.
Arquitetura Expressionista
Vista exterior e interior da Torre
Einstein Potsdam (1921), de Erich
Mendelsohn
A arquitetura expressionista
empreendeu o uso de novos materiais.
Com isso, ampliou as possibilidades de
fabricação em larga escala de materiais
de construção como o tijolo, o aço ou o
vidro.
 Mãe com os filhos (1927 - 1937), da
artista Käthe Kollwitz
A escultura expressionista variou muito
segundo cada artista, os quais tiveram
em comum apenas a temática da
distorção das formas.

Escultura Expressionista

Literatura Expressionista

Pintura Expressionista

Mulher reclinada com meias verdes

(1917), de Egon Schiele
A pintura expressionista deu grande
ênfase nas cores como forma de criar
efeito de dinamismo e o
sentimentalismo fruto de suas emoções
e sentimentos mais profundos.

Kasimir Edschmid (1890-1966) foi um

escritor expressionista alemão
Na literatura expressionista, a guerra, a
cidade, o medo, a loucura, o amor e a
perda da identidade serão uma forma
de retratar em palavras a sociedade
burguesa da sua época.
Além do militarismo, a alienação do caracterizações exageradas, os filmes
indivíduo e a repressão familiar, moral desse período enfatizavam conflitos
e religiosa. psicológicos das personagens.

Deixou-se de realizar esse tipo de

cinema com o surgimento do nazismo
na Alemanha, que partir de então
apenas teve produções de propaganda
do governo e entretenimento.

Música Expressionista Atividade

1. Pesquise obras dos artistas

expressionistas abaixo
relacionados, escolha as mais
conhecidas, imprima e cole-as
junto de seus respectivos autores.

Edvard Munch

Arnold Schoenberg (1874-1951) foi um

compositor austríaco expressionista
A música expressionista primava pela
separação da música de qualquer
fenômeno externo. Refletia o seu
estado anímico do compositor, alheio
Cândido Portinari
das regras e convenções acadêmicas.

Cinema Expressionista

Diego Rivera

O gabinete do Dr. Caligari (1920), de

Robert Wiene, é um ícone do cinema
expressionista alemão
No cinema, as produções traziam um
universo pessimista e dramático. Com Vicent Van Gogh
cenários fantasmagóricos, atuações e
2. De acordo com as características do expressionismo, crie um desenho baseado nos
acontecimentos recentes de guerra entre países europeus. Tente retratar, bem como os
artistas que você acompanhou, a solidão, tristeza e sofrimento causados por estes
acontecimentos.
3. Após o estudo do expressionismo, faça a sua análise da obra de Edvard Munch
chamada o Grito.
 Nesse momento, os artistas que
compunham o movimento, fizeram a
primeira aparição pública no "Salão de
Outono", em Paris. No ano seguinte,
em 1906, organizaram uma exposição
no "Salão dos Independentes".

Foi justamente nessa ocasião que o

grupo recebeu o
nome les fauves, expressão francesa
que significa “as feras”.

Os artistas foram chamados de "feras",

ou "selvagens", pelo renomado crítico
de arte Louis Vauxcelles (1870-1943),
quando ele tentou descrever a
Fauvismo sensação causada ao observar uma
única obra clássica cercada por pinturas
O Fauvismo (ou Fovismo) foi um fauvistas.
movimento artístico heterogêneo
associado à pintura e teve sua origem A arte fauvista busca levar o ser
na França no início do século XX. Essa humano ao seu estado natural por
tendência foi desenvolvida entre os meio de uma estética primitivista, tal
anos de 1905 e 1907. qual o estado de pureza das criações
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infantis. Essas características também
A principal característica desse
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estão presentes na chamada Arte Naif.
movimento foi a utilização da cor pura,
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sem misturas, de modo a delimitar, dar Os artistas deste movimento não se
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volume, relevo e perspectiva às obras. preocupavam com os aspectos da
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composição na pintura, mas sim com as
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História do Fauvismo qualidades expressivas que
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interpretação pessoal poderia causar.
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Sem medo de questionar os cânones
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tradicionais, esse estilo de pintura
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constituiu-se como uma arte do
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equilíbrio, da pureza, da glorificação
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dos instintos e das sensações vitais. Isso
tudo, constituído pelas impressões
A dança (1909), de Henri Matisse, é uma obra com
visuais impetuosas dos artistas em suas
características fauvistas telas.

Além disso, o Fauvismo evitou os temas

O Fauvismo teve início ainda no ano de
1901, na França. Porém, ele só foi
reconhecido como uma corrente
artística em 1905.
mais deprimentes. Também relegou ao
segundo plano aspectos como a forma
e conteúdo. Além disso, buscava
representar assuntos leves e alegres,
sem conotação política ou crítica.
Principais Características do Principais Artistas e Obras do
Fauvismo Fauvismo
Dentre as características mais O Fauvismo não foi uma corrente
marcantes do movimento fauvista, artística coesa e organizada, mas reunia
destacam-se: artistas que compartilharam
características comuns nas pinturas
 utilização de cores puras; durante aquele período.
 emprego arbitrário da cor;
 simplificação das formas; Dentre os nomes que influenciaram o
 não compromisso com a movimento estão Van Gogh (1853-
representação fiel à realidade; 1890) e Paul Gauguin (1848-1903).
 influência da arte primitivista;
 influência da arte pós- Com suas pinceladas fortes, cores
impressionista. vibrantes e emotivas, ou mesmo com o
primitivismo sintetizador da natureza,
ambos contribuíram para essa vertente
da arte.

No entanto, os principais artistas

fauvistas foram:

Henri Matisse (1869-1954)

A siesta (1892-94), de Paul Gauguin. O artista

foi uma das inspirações para o movimento
fauvista

Havia a predominância do uso de cores Retrato da Madame Matisse (1905), de

fortes e vibrantes (roxo, verde, Matisse. À direita, detalhe da expressão da
amarelo, azul e vermelho), utilizadas de mulher com uma risca verde central
modo arbitrário e sem correspondência Paul Cézanne (1839-1906)
com o real.

Estas cores, sempre em seu estado

puro, simplificavam as formas. Assim,
elas delimitavam e modelavam o
volume, por meio de uma gradação
fraca ou inexistentes de matizes de cor.

Outro aspecto importante são as

pinceladas largas e espontâneas, com
as quais os artistas fauvistas
delimitavam os planos e criavam
Natureza morta com suporte de flor (1905), de
sensação de profundidade. Paul Cézanne
Georges Braque (1882-1963)
Costa do mar amarela (1906), de
Georges Braque.
Albert Marquet (1875-1947)
A praia de Fecamp (1906), de Albert
Marquet
Atividade
1. Produza um desenho com base nas
características do Fauvismo, tendo como
referência a obra “Costa do Mar Amarela”
de Georges Braque.
2. Explique por que o nome Fauvismo foi
atribuído a esta forma de pintar.
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 3. Dentre os artistas do Fauvismo, qual deles
mais lhe agradou e qual a obra mais lhe
chamou atenção? Explique.
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Releitura
Releitura não é simplesmente uma cópia,
nem plágio, muito menos uma falsificação.
Consiste, sim, na criação de uma nova
obra, realizada a partir de outra feita
anteriormente, acrescentando nessa nova
produção um toque pessoal e uma nova
maneira de ver e sentir. Significa fazer um
trabalho com uma visão diferente daquela
que o artista que a criou utilizou. As
possibilidades são muito variadas, você
pode encontrar, por exemplo, uma obra,
famosa ou não, e desejar fazer uma
interpretação dela. Ou seja, se for uma
pintura você poderá fazer a sua pintura
com elementos que o autor utilizou na
original, mas, de acordo com a sua
concepção do tema.
Existem algumas e importantes diferenças
entre copiar uma obra e fazer a releitura
de uma obra.
Releituras de obras de artes, sejam
famosas ou não, é PERMITIDO e ensinado
nas Escolas de Belas Artes. Não existiu um
só gênio do passado que não tenha feito
Releitura.
Picasso declarou: “Fazer uma boa releitura
é divino, pintar porcaria é para cretino”.
Evidente que você tem que assinar, não
precisa constar que é Releitura em lugar
algum, mas é elegante que se mencione
ser uma releitura. No entanto, ao registrar
sua obra, fazer exposição ou catalogar, é
ético colocar a origem da releitura, citando
o autor anterior, isto é ser um ORIGINAL,
pois criar neste planeta é impossível
(Lavoisier).
Toda RELEITURA é uma nova obra,
portanto do autor da mesma e claro, pode
ser vendida. Uma releitura NÃO é uma
reprodução.
Tantas são as versões de Monalisa, e todas,
são esplêndidas, ricas em detalhes e
admiradas por todos, inclusive, pelo nosso
querido Romero Britto, que com todo o seu
talento, um dia teve a vontade e a
curiosidade de vestir a Monalisa no seu
jeito e estilo e o fez de uma forma única,
magnífica. Não podemos esquecer,
também, o sucesso da Mônica Lisa, de
Maurício de Sousa.
Mas a pintura não é a única forma de arte
que pode ter uma releitura, é possível fazer
isso com poesias, músicas, textos. Por
exemplo, alguns diretores de teatro e
cinema fazem releituras de roteiros
consagrados para a nossa realidade. Um
bom exemplo é a história de “Romeu e
Julieta”, de shakespeare, que já recebeu
diversas releituras.

Atividade

1. Agora é sua vez. Usando o que você aprendeu sobre releitura, produza uma obra baseada
em algum autor do Fauvismo. Você pode usar tinta ou canetinhas hidrocor.
Artes Visuais: fotografia “desenhar com luz e contraste”. O seu
surgimento, no século XIX, impactou o
fotografia, palavra derivada da língua grega meio da arte e liberou os artistas da função
e que em seu sentido literal significa de documentação visual da realidade, o
que fortaleceu os artistas modernos em Fotografia Aérea:
suas disputas com o meio artístico
acadêmico.

A fotografia aérea é um tipo de

Entretanto, durante muito tempo a
fotografia não foi reconhecida como uma
forma de arte por se entender que a
produção da imagem fotográfica era uma
ação destituída de sensibilidade,
interpretação da realidade, intenção
estética e expressão de subjetividade.
Atualmente, essa é uma discussão
superada graças a artistas como Man Ray,
um integrante das vanguardas modernistas
do dadaísmo e do surrealismo. Com suas
experimentações fotográficas, ele produziu
poéticas visuais que ganharam assento na
história da arte.
fotografia que vem ganhando cada vez
mais adeptos. Ainda mais com os
drones, hoje em dia muitos estão se
aperfeiçoando nesse estilo de
fotografia. Enquanto o nosso voo
decola, nós amamos fotografar a
paisagem ou os belos cenários da
cidade que estamos sobrevoando.
Portanto, as imagens que são captadas
a partir de cima são conhecidas como
“fotografia aérea”. O fotógrafo e
globoflexista francês Gaspar Félix
Tournachon fez a primeira fotografia
aérea em 1858.
Fez experimentos durante três anos
antes de poder produzir a fotografia.
Havia capturado o povo francês “Petit-
Becêtre” a partir de um balão de ar
quente a 80 metros de altura.

Na arte contemporânea proliferam artistas

que fazem uso da fotografia analógica e
digital, colorida e em preto e branco, assim
como a utilizam em processos híbridos,
conjugando-a com outras linguagens Fotografia de Arquitetura:
artísticas. Exposições de fotografia em
galerias de arte, museus e centros culturais
são eventos comuns no mundo da arte
atual.

Tipos de fotografia

Capturar uma maneira, forma ou cor
interessante da estrutura pode ser
visualmente atraente. Portanto, as
imagens de prédios, casas, construções
são tipos de fotografia interessantes.
Podemos incluir interiores
exteriores de edifícios e até mesmo um
elemento interessante do projeto. Os
dois aspectos desafiadores para os
fotógrafos ao fotografar edifícios são:
Iluminação e distorção de imagem.
Para captar a fachada de um edifício, se
dispõe de luz natural e deve se
aproveitá-la ao máximo para realçar o
seu aspecto glamouroso.
Quando há linhas horizontais e verticais
do edifício, as imagens aparecem
distorcidas. Apenas com
equipamento certo e os ângulos retos
você pode evitar esse problema.
Fotografia Cândida (fotografia
natural):
Este é um tipo muito popular de
fotografia. Os momentos capturados
espontaneamente à medida que
acontecem são conhecidos como a
fotografia direta.
Os sujeitos não são conscientes do
fotógrafo, por isso parecem estar muito
relaxados. A fotografia de casamentos é
um exemplo perfeito desse estilo de
fotografia.
Um conselho: use um zoom de longo
alcance para capturar momentos de
espontaneidade. Isso ajudará as
pessoas a estarem mais relaxadas e
naturais, já que não se darão conta de
que você está fotografando.
Fotografia Documental:
ou
As imagens manuais que fazem parte
o de um ensaio fotográfico incluem-se
nesse tipo de fotografia. Trata-se de
um tema ou uma história em particular
que um fotógrafo quer destacar.
Todas são imagens objetivas e podem
ser sobre uma guerra, questões sociais,
ciência, etc.,
Quando estiver fazendo uma crônica de
eventos significativos, como, por
exemplo, a vida de uma celebridade ou
de um esportista, planeje passar algum
tempo com a pessoa, converse,
conheça, ouça e capte o que é natural.
Tente capturar os detalhes e deixe com
que suas fotos “relatam” uma história.
Não tente fotografar algo que não faz
parte do contexto.
Fotografia de Moda:
Tipicamente usado para vender alguma
coisa, esse é um dos tipos de
fotografia que atraem os clientes pelo
glamour dos produtos.
Por esse motivo, geralmente são muito
criativos e visualmente muito
interessantes e podem ser capturadas
em qualquer lugar, como um estudo,
um apartamento, um prédio em ruínas
ou em qualquer lugar ao ar livre.
Um fotógrafo de moda sempre deve se
preparar com antecedência. Nesse
gênero de fotografia, a localização, a
iluminação, a maquiagem, os estilistas
e a modelo desempenham um papel
muito importante. No entanto,
também deve estar aberto a ideias e
sugestões, já que exige muito trabalho
em equipe.
Fotografia de Alimentos:
Hoje em dia, muitas pessoas
compartilham imagens de comida
servida em um restaurante, ou até
mesmo aquela sobremesa linda que
estamos degustando.
Assim, esse tipo de fotografia é
utilizada por restaurantes, sites ou
blogueiros para atrair os clientes para
tentar vender seus produtos.
Um conselho: Um dos fatores mais
importantes na fotografia de alimentos
é o uso da luz natural. Lembre-se
sempre de desligar o flash. É
fundamental nesse estilo de fotografia.
Portanto, quando utiliza o flash, são
capturados muitos elementos não
desejados. Por exemplo, sua comida
pode parecer gordurosa e as cores reais
são distorcidas.
Fotografia de Paisagens:
Este é um dos tipos de fotografia mais
populares, já que pode retratar um
cenário, ou até mesmo pode mostrar
um impacto da mudança ambiental.
Todos nós gostamos de capturar uma
bela paisagem quando a vemos. No
entanto, precisamos esperar a luz
correta para capturar esse momento
único e perfeito.
Além disso, ao fotografar uma
paisagem, se você quiser uma imagem
mais nítida, utilize um tripé que vai
ajudá-lo a eliminar os movimentos de
câmera.
O uso de uma velocidade longa do
obturador, pode proporcionar uma foto
perfeita. Por exemplo, se você está
capturando as ondas, vai se
transformar em um branco suave e as
nuvens em movimento se tornarão
fracas.
Fotografia de Exposição Noturna:
É uma ótima maneira de capturar como
o mundo se transforma depois de
escurecer. No entanto, esses tipos de
fotografia requerem um bom
conhecimento de como usamos a luz, a
velocidade do obturador e a abertura.
Esse tipo de foto é interessante, já que
o espectador pode ver alguns aspectos
incomuns que não podem ser vistos a
olho nu.
Para tirar tais fotografias, é importante
que você se sinta confortável com o
modo manual da sua câmera, e que
ajuste as configurações corretamente.
Fotojornalismo (Jornalismo
fotográfico):
Esses tipos de fotografia são
semelhantes ao gênero documental. A
única diferença aqui é que um
fotógrafo captura eventos ao vivo, à
medida que acontecem e informa o
mundo sobre eles.
Exemplos deste estilo de fotografia são
o que vemos todos os dias em jornais,
revistas, etc.
O fotojornalismo não se trata de filmar
eventos inesperados, mas de capturar
momentos inesperados em eventos
que estão planejados.
É um jornalismo sério e uma pessoa
precisa ter planejado bem para estar no
lugar certo e no momento certo.
Fotografia Conceitual e Belas Artes:
É um dos tipos de fotografia onde as
imagens por si só contam uma história.
Quanto à fotografia conceitual e de
belas artes, podemos criar a nossa
própria ficção com personagens em um
ambiente inventado.
No entanto, o fotógrafo precisa ter uma
visão de como será a sua imagem, já
que esse gênero se trata de uma
emoção, uma ideia ou uma mensagem.
O fotógrafo tenta transmitir uma
mensagem através da sua imagem.
Foto Retrato:
 evento esportivo (jogos de futebol por
exemplo).
Um conselho: Use sempre um ISO alto.
Aumentar o ISO da sua câmera permite
disparar a uma velocidade do
obturador mais rápida.
Isso lhe permitirá obter uma foto
perfeita. Tente ser original e conseguirá
algo diferente usando diferentes
ângulos.

Capturar os estados de ânimo e as Fotografia de Rua:

expressões das pessoas é um desafio
intrigante para os fotógrafos. Podem
ser imagens de perto, retratos do
corpo, etc.,
Normalmente o rosto é o foco
nesse tipo de fotografia. Ao fazer um
retrato, o fotógrafo deve se assegurar
de que o rosto do sujeito esteja nítido e
focado, especialmente os olhos. A pose
também deve ser levada em conta.
Para capturar as expressões naturais de
uma pessoa, o fotógrafo deve ajudar a Capturar a vida comum e cotidiana em
animar o seu estado de espírito, espaços públicos ou da vida à medida
fazendo algumas piadas para que ocorre é conhecida como
descontrair. fotografia de rua. É muito semelhante
ao da fotografia cândida, mas o
fotógrafo documenta o espaço público
Fotografia Esportiva:
exatamente como o vê.
Um fotógrafo de rua não deve limitar-
se a olhar para os lugares turísticos
mais populares, mas que deve
experimentar algumas cenas da vida
real, juntamente com algumas imagens
dos bastidores.
Devem estar atentos a todos os
pequenos aspectos que estão a sua
volta. Ao perceber que se desenvolve
um acontecimento não deixe de
Essa categoria implica em aproximar-se capturar o momento.
de ação em um ambiente muito rápido
e cheio de ação. Ao fotografar eventos Fotografia de Guerra:
esportivos as imagens são tiradas com
lentes muito longas.
Podemos perceber isso quando
assistimos os fotógrafos durante um

Podemos dizer que esse é um dos tipos
de fotografia muito triste. A captura de
imagens de conflitos em áreas atingidas
pela guerra entra nesse gênero
fotográfico.
Os fotógrafos de guerra costumam
colocar sua vida em perigo para cobrir
o evento o que normalmente é muito
bem pago. A fotografia de guerra pode
também documentar as sequelas de
uma guerra.
Um fotógrafo de guerra sempre deve
simplificar seu kit de fotografia, já que
não deve se preocupar com a mudança
de objetivos, etc.,
O transporte de equipamentos pesados
também é complicado. Podem haver
circunstâncias onde ter menos
equipamentos é mais seguro.
Fotografia da Vida Selvagem:
Fotografar a vida selvagem talvez seja
um dos tipos de fotografia mais
desafiadores, já que pode ser difícil
capturar animais em seu habitat
natural. Por isso, para esse estilo é
imprescindível conhecimentos técnicos
adequados e deve ser planejado
antecipadamente.
Na fotografia da vida selvagem, você
precisa estar absolutamente adaptado
com as configurações da sua câmera.
Assim, se você não for rápido o
suficiente poderá deixar escapar a foto
perfeita.
QUAIS SÃO AS
CARACTERÍSTICAS DA
FOTOGRAFIA ARTÍSTICA?
As principais características da fotografia
artística são:
 é criada pela mente de um
fotógrafo, não de uma encomenda
ou projeto;
 é tirada de diferentes ângulos;
 pode abraçar recursos digitais com
filtros e efeitos diferentes para
transformar a cena;
 não tem fins comerciais, um fato
que não a impede de ser
comerciável;
 dá margem a diferentes
interpretações;
 tem forte senso estético;
 os fotógrafos desse estilo são
considerados artistas.
“A fotografia é a literatura do olhar” –
Remy Donnadieu
Atividade
1. Escolha um os temas abordados
e, com a câmera do seu
smartphone, produza fotos.
Para deixar seu trabalho ainda
mais interessante, pesquise
técnicas de fotografia na
internet e use-as em suas fotos.
2. Em grupo, organize uma
exposição de suas fotografias
podendo ser de forma impressa
 ou uma montagem em vídeo.
Crie um link para que outros Principais características do
alunos possam ver a exposição
abstracionismo
em uma rede social.
As principais características da arte
abstrata são:

 Arte não representacional;

 Ausência de objetos
reconhecíveis;
 Arte subjetiva;
 Oposição ao modelo
renascentista e à arte
figurativa;
 Valorização de formas, cores,
linhas e texturas.

Abstracionismo Origem do abstracionismo

O Abstracionismo, ou arte abstrata, é
um estilo artístico moderno das artes
visuais que prioriza as formas abstratas
em detrimento das figuras que
representam algo da nossa própria
realidade.
Dessa forma, podemos dizer que esse
tipo de arte é uma obra “não
representacional”, ao contrário da arte
figurativa, expressa por meio de figuras
que retratam a natureza.
O pintor russo Wassily Kandinsky é
considerado o precursor da arte
abstrata com suas obras Primeira
Aquarela Abstrata (1910) e a
série Improvisações (1909-14).
A origem da arte abstrata está
intimamente relacionada com as
vanguardas artísticas europeias do final
do século XIX, a também chamada arte
moderna.
Tais vanguardas representaram
movimentos de ruptura artística,
sobretudo em relação aos moldes
renascentistas, tradicionalistas e
academicistas. Esses moldes eram
pautados no modelo da arte greco-
romana, onde o conceito de “belo” é
sua principal caraterística.
Movimentos como o surrealismo,
cubismo, dadaísmo, expressionismo e
futurismo buscaram o rompimento
com os antigos valores estéticos.

A partir desse contexto, surge

posteriormente o que foi intitulado
"abstracionismo", sendo que o artista
que iniciou esse movimento foi o russo
Wassily Kandisnky. Esse pintor estava
interessado em estudar os efeitos da
cor e da criação aliada à música.

Caracterizada pela “não

Primeira Aquarela Abstrata (1910), do russo Wassily representação”, essa vertente buscou
Kandinsky
apresentar um novo estilo de arte, em
que as formas, cores, linhas e texturas
eram os objetos de pesquisa dos
artistas.
Abstracionismo no Brasil
A proposta das vanguardas despertou e
inaugurou novas formas estéticas, as
quais atravessaram fronteiras, de
maneira que no Brasil influenciaram a
estética modernista dos anos 20.
Superfície Modulada (1958), de Lygia Clarck
Mais tarde, as vanguardas inspiraram
outras correntes da arte nacional, como
a arte abstrata, que passou a ser
produzida no país em torno da década
de 40.
Dentre os maiores representantes da
arte abstrata no Brasil estão:
 Alfredo Volpi (1896-1988)
 Ivan Serpa (1923-1973)
 Cícero Dias (1907-2003)
 Luiz Sacilotto (1924-2003)
 Antônio Bandeira (1922-1967)
 Manabu Mabe (1924-1997)
 Tomie Ohtake (1913-2015)
 Lygia Clark (1920-1988)
 Hélio Oiticica (1937-1980)
 Iberê Camargo (1914-1994)
Vertentes do abstracionismo
Segundo suas características formais,
existem duas vertentes do
abstracionismo, a saber:
Abstracionismo expressivo
Composição VIII (1923), de Kandinsky
Também chamado de "Abstracionismo
Informal ou Lírico", essa vertente foi
influenciada
pelo expressionismo e fauvismo. Suas
principais características são:
 Sentimentalismo;
 Valorização da intuição;
 Liberdade artística.
O maior representante dessa vertente
foi, sem dúvida, o artista russo,
Kandinsky.
Abstracionismo geométrico

Composição em vermelho, amarelo, azul
preto (1921), de Piet Mondrian
Influenciada pelo cubismo e
o futurismo, essa vertente está pautada
na geometria das formas e no
racionalismo.
Os elementos que caracterizam esse
estilo artístico são:
 Kasimir Malevich (1879-1935):
pintor ucraniano
 Robert Delaunay (1885-1941):
artista francês
 Hans Hartung (1904-1989):
pintor alemão
 Pierre Soulages (1919): pintor e
escultor francês
 Jean Fautrier (1898-1964):
pintor e escultor francês
 Jean Dubuffet (1901-1985):
pintor francês
 Antoni Tàpies (1923-2012):
pintor catalão
e  Jackson Pollock (1912-1956): pintor
estadunidense
Curiosidade sobre o abstracionismo
Ainda que o abstracionismo tenha
surgido com esse nome no século XX, a
arte abstrata já existia desde a pré-
história e antiguidade.

 Racionalidade;
 Valorização de reflexão
intelectual;
 Organização e uso de formas
geométricas;

O maior representante dessa tendência

foi o pintor holandês Piet Mondrian.

Principais artistas da arte

abstrata
Os maiores representantes do
abstracionismo no mundo foram:

 Wassily Kandinsky (1866-1944):

artista plástico russo
 Piet Mondrian (1872-1944):
pintor holandês
 Paul Klee (1879-1940): artista
suíço
 Willem de Kooning (1904-1997):
pintor holandês
Foto de índia Kadiwéu em 1872
Diversas culturas antigas realizavam
desenhos e pinturas que exibiam linhas,
formas e cores de maneira não
figurativa.
Exemplo disso é a arte do povo
indígena Kadiwéu, localizado no Mato
Grosso do Sul, no Brasil. Eles realizavam
pinturas corporais belíssimas com
padrões abstratos.

Atividade

1. Com Base no abstracionismo Geométrico, crie um desenho utilizando todo o espaço

abaixo. Lembre-se de colorir com tinta ou giz de cera.
Cubismo
O cubismo foi uma vanguarda artística
europeia marcada pelo uso de formas
geométricas. Surgido no início do
século XX na França, esse novo estilo
rompeu com os modelos estéticos que
só valorizavam a perfeição das formas.
Esse movimento pode ser considerado
o primeiro a se caracterizar pela
incorporação do imaginário urbano
industrial em suas obras. Abrangeu
sobretudo as artes plásticas
influenciou a literatura.
Origem do Cubismo
O marco para o surgimento do cubismo
foi em 1907, com a tela Les Demoiselles
d'Avignon (As damas d'Avignon), do
pintor espanhol Pablo Picasso.
Essa obra apresenta influências visíveis
das esculturas africanas e das pinturas
do pós-impressionista francês Paul
Cézanne.
Ao lado de Picasso, o pintor e escultor
francês Georges Braque também foi
fundador do movimento cubista.
Principais Características do
Cubismo
Com o cubismo teremos um
tratamento geométrico das formas da
natureza.
Assim, elas passam a ser representadas
pelos objetos em todos os seus ângulos
no mesmo plano, constituindo
uma figura em três dimensões.
Predominam as linhas retas, modeladas
basicamente por cubos e cilindros,
dada a geometrização das formas e
volumes.
Essa técnica que renuncia à trabalhos
perspectiva, assim como ao "claro-
escuro", causa uma sensação
de pintura escultórica.
No plano conceitual, o cubismo pode
ser considerado como uma arte que
privilegia o exercício mental como
maneira de expressão das ideias.
Ao romper com a
perspectiva consagrada das linhas de
contorno, a natureza passa a ser
retratada simplificadamente.
Isso permite maior abstração sobre os
atributos estéticos da obra, ao mesmo
tempo em que recusa a ideia de arte
e enquanto pura imitação da natureza.
Sobre isso, Georges Braque afirmou:
Não se imita aquilo que se quer criar.
Vale citar que este estilo abandona
distinções entre forma e fundo ou
qualquer noção de profundidade.
Os temas como naturezas mortas
urbanas e retratos são utilizados pelos
pintores cubistas como recursos para
experimentar e criar baseados nas
particularidades dessa vertente.
Fases do Cubismo
O cubismo é dividido em três fases:
Fase Cezannista ou Cezaniana (1907 a
1909)
Autorretrato (1907) de Pablo Picasso
Também chamada de fase pré-analítica,
o nome já indica que esse período foi
caracterizado pela influência dos
do artista plástico
francês Paul Cézanne.
Nessa fase, os artistas começaram suas
experiências com as simplificações das
formas e mais tarde passaram a
representar as figuras dispostas em um
mesmo plano.
Era como se estivessem abertas na tela,
vistas de frente pelo público.
Fase Analítica ou Hermética (1909 a
1912)

À esquerda, O poeta (1911), de Picasso.
direita, Violino e Castiçal (1910), de Braque.
A fase analítica caracterizou-se pela cor
moderada, acentuando-se tons de
marrons, pretos, cinzas e ocres. Tal
escolha das cores se deu, pois, o mais
importante era a exibição do tema
fragmentado, disposto em todos os
ângulos possíveis.
Esse esfacelamento das formas chegou
a níveis tão elevados que, ao final, as
figuras acabaram por se tornarem
irreconhecíveis.
Fase do Cubismo Sintético (1911)
À esquerda, Homem no Café (1914), de Juan Gris. À
direita, Mulher com Violão (1908), de Braque
O cubismo sintético caracterizou-se
pelas cores mais fortes e um retorno ao
figurativo, na medida em que buscou
tornar as figuras reconhecíveis
novamente, mas sem voltar a um
tratamento realista.
Nessa fase, passa-se a empreender o
método de colagem, fixando objetos
reais na tela, como pedaços de
madeira, vidro e metal.
Além disso, introduziram recortes de
jornais com palavras e números. Esses
recursos eram utilizados a fim de
extrapolar os limites das sensações
visuais que a pintura insinua,
explorando os sentidos do tato
também.
Cubismo no Brasil
À
À esquerda, São Paulo (1924), de Tarsila do Amaral.
À direita, Pietà (1966), de Rego Monteiro
No Brasil, somente após a Semana de
Arte Moderna de 1922 é que o
movimento cubista irá ganhar força.
Ainda que os artistas brasileiros não
tenham se entregado às características
exclusivamente cubistas, é possível
perceber influências claras dessa
vertente.
A artista Tarsila do Amaral foi umas
personalidades que utilizou
características cubistas em suas telas.
Nelas, notamos a influência dessa
vanguarda europeia pelo uso das
formas geométricas.
Ainda nas artes plásticas, vale ressaltar
os trabalhos de outros artistas
brasileiros: Anita Malfatti, Rego
Monteiro e Di Cavalcanti.
Já a literatura cubista no Brasil teve
como destaque as obras dos escritores:
Oswald de Andrade, Raul Boop e Érico
Veríssimo. Note que a literatura cubista
teve como foco a "destruição da
sintaxe", pondo fim à linearidade.
Principais Pintores Cubistas
Os maiores representantes da pintura ___________________________________
cubista foram: ___________________________________
___________________________________
 Pablo Picasso (1881-1973) ___________________________________
 Georges Braque (1882-1963) ___________________________________
 Juan Gris (1887-1927) ___________________________________
 Fernand Léger (1881-1955)
___________________________________
 Diego Rivera (1886-1957)
___________________________________
Principais Escultores Cubistas
___________________________________
Os maiores representantes da escultura
___________________________________
cubista foram:
___________________________________
 Raymond Duchamp-Villon (1873- ___________________________________
1918) ___________________________________
 Constantin Brancusi (1876-1957)
Principais Escritores Cubistas
Os principais escritores com influência
do cubismo foram:

 Guillaume Apollinaire (1880-1918)

 Jean Cocteau (1889-1963)
 Oswald de Andrade (1890-1954)
 Érico Veríssimo (1905-1975)
 Raul Bopp (1898-1984)

Atividade
1. Em grupos de quatro alunos, produzam
uma obra cubista em cartolina. Vocês
devem escolher um tema e umas das
fazes do cubismo. Após concluído seu
trabalho, apresente-o para seus colegas
de classe.
2. Pesquise os principais artistas
brasileiros influenciados pelo cubismo e
cole imagens de suas principais obras.
Anita Malfati
Di Cavalcante
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 Constantin Brancusi

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3. O cubismo se fez presente também na

escultura. Pesquise as principais obras dos
escultores cubistas e cole imagens de suas
principais obras.

Raymond Duchamp-Villon

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Dadaísmo
O Dadaísmo, ou simplesmente “Dadá”,
foi um movimento artístico
pertencente às vanguardas europeias
do século XX, cujo lema era: "a
destruição também é criação".
Foi considerado o movimento
propulsor das ideias surrealistas e tinha
um caráter ilógico, anti-racionalista e
de protesto.
Isso porque, através da ironia, buscava
questionar a arte e, sobretudo, seu
contexto histórico, com a ocorrência da
Primeira Guerra Mundial.
Características do Dadaísmo
Podemos destacar algumas
características do movimento dadaísta,
a saber:
 Rompimento com os modelos
tradicionais e clássicos;
 Espírito vanguardista e de
protesto;
 Espontaneidade, improvisação e
irreverência artística;
 Anarquismo e niilismo;
 Busca do caos e desordem;
 Teor ilógico e irracional;
 Caráter irônico, radical,
destrutivo, agressivo
pessimista;
 Aversão à guerra e aos valores
burgueses;
 Rejeição ao nacionalismo e ao
materialismo;
 Crítica ao consumismo e ao
capitalismo.
 época e criticar a arte tradicionalista, a
Origem do Movimento
Dadaísta
Tristan Tzara, o maior articulador do
movimento dadaísta
Em 1916, os artistas e agitadores
culturais Hugo Ball, Emmy Hennings,
Marcel Janco, Richard Huelsenbeck,
Tristan Tzara, Sophie Tauber-Arp e Jean
Arp fundam o Cabaret Voltaire.
O espaço foi feito com o intuito de ser
um lugar para manifestações políticas e
artísticas em Zurique, na Suiça. Lá, um
grupo de artistas refugiados com
tendências anarquistas, dentre
escritores, pintores e poetas, reuniram-
se para inaugurar uma nova
manifestação de arte.
É nesse contexto que o poeta romeno
Tristan Tzara (1896-1963) cria o
movimento Dadaísta, em meados da
primeira guerra mundial, junto aos
e artistas Hugo Ball (1886-1927) e Hans
Arp (1886-1966).
Essa proposta de arte era irreverente e
espontânea, pautada na
irracionalidade, na ironia, na liberdade,
no absurdo e no pessimismo. O intuito
principal era de chocar a burguesia da
guerra e o sistema.
Foi assim que aleatoriamente foi
escolhido o termo "dadaísmo". Os
artistas reunidos resolveram escolher
um termo num dicionário que, de certa
maneira, já indicava o caráter ilógico do
movimento que surgia. Do francês, o
termo “dadá” significa "cavalo de
madeira".
Intervenção de manequim pendurado
no teto na Primeira Feira Internacional
Dadá, 1920
Nesse sentido, o dadaísmo é
considerado um movimento
antiartístico, uma vez que questiona a
arte e busca o caótico e a imperfeição.
"Eu redijo um manifesto e não quero
nada, eu digo, portanto, certas coisas e
sou por princípios contra manifestos
(...). Eu redijo este manifesto para
mostrar que é possível fazer as ações
opostas simultaneamente, numa única
fresca respiração; sou contra a ação
pela contínua contradição, pela
afirmação também, eu não sou nem
pró nem contra e não explico por que
odeio o bom-senso. A obra de arte não
deve ser a beleza em si mesma, porque
a beleza está morta." (Tristan Tzara)
Dadaísmo no Brasil
O dadaísmo, assim como outras
vanguardas artísticas europeias,
influenciou o movimento modernista
que surgia no Brasil, sobretudo após
a Semana de Arte Moderna.
Na literatura, podemos notar essa
influência em algumas manifestações
dos escritores Mário de Andrade
e Manuel Bandeira. Além deles,
destaca-se o "teatro de experiência" de
Flávio de Carvalho e as pinturas de
Ismael Nery.
Veja abaixo um poema de Mário de
Andrade, com influência dadaísta:
Ode ao burguês
Eu insulto o burguês! O burguês-níquel,
o burguês-burguês!
A digestão bem feita de São Paulo!
O homem-curva! o homem-nádegas!
O homem que sendo francês, brasileiro,
italiano,
é sempre um cauteloso pouco-a-pouco!
(...)
Dadaísmo na Literatura
Note que o movimento dadaísta se
difundiu nas artes plásticas e também
na literatura. Os poetas dadaístas
cultivavam a disposição aleatória das
palavras.
Dessa forma, era notória a falta de
lógica e irracionalidade, próprias do
dadaísmo. Ocorria assim, a banalização
das rimas e da construção poética.
Segundo Tristan Tzara, ao enfatizar a
importância da sonoridade das palavras
em detrimento de seu significado, para
fazer um poema dadaísta é necessário:
“Pegue um jornal. Pegue a tesoura.
Escolha no jornal um artigo do
tamanho que você deseja dar a seu
poema. Recorte o artigo. Recorte em
seguida com atenção algumas palavras
que formam esse artigo e meta-as num
saco. Agite suavemente. Tire em
seguida cada pedaço um após o outro.
Copie conscienciosamente na ordem
em que elas são tiradas do saco. O
poema se parecerá com você. E ei-lo
um escritor infinitamente original e de
uma sensibilidade graciosa, ainda que
incompreendido do público”.
Artistas Dadaístas
 Duchamp foi um dos expoentes do
Dadá. À esquerda, posa com Roda de
Bicicleta. À direita, Fonte
Alguns artistas plásticos e poetas que
participaram do movimento dadaísta
foram:

 Tristan Tzara: poeta romeno;

 Marcel Duchamp: poeta, pintor
e escultor francês;
 Hans Arp: poeta e pintor
alemão;
 Francis Picabia: poeta e pintor
francês;
 Max Ernst: pintor alemão;
 Raoul Hausmann: poeta e
artista plástico austríaco;
 Hugo Ball: poeta e filósofo
alemão;
 Richard Huelsenbeck: escritor e
psicanalista alemão;
 Sophie Täuber: artista plástica
suíça.
Atividade
1. Após os estudos sobre o Dadaísmo,
junte-se a mais dois amigos e elabores
uma escultura Dadaísta ou uma poesia
dadaísta. Se preferir pode fazer os dois
e ao conclui-los, apresente-os a turma.
2. Pesquise um pouco mais sobre os
artistas Dadaístas e suas principais
obras, escolha um deles e, use o espaço
abaixo para colocar as imagens que
achar necessário. Fale sobre o artista
escolhido.
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Futurismo
O Futurismo representou um
movimento literário e artístico que
tinha como principal característica a
valorização da tecnologia e velocidade.
Essa corrente faz parte das vanguardas
artísticas europeias que despontaram
no início do século XX. Influenciou a
literatura, a pintura, a escultura, a
música e outras vertentes das artes.
Origem do Futurismo
O Futurismo teve intensa relação com a
literatura, surgindo a partir
do Manifesto Futurista, idealizado pelo
escritor e poeta italiano Filippo
Tommaso Marinetti.
Retrato do poeta Filippo Marinetti, idealizador do
futurismo
Ele publicou em 20 de fevereiro de
1909, no jornal "Le Figaro", uma nota
um tanto quanto polêmica dando início
ao movimento.
"Nós destruiremos os museus,
bibliotecas, academias de todo tipo,
lutaremos contra o moralismo,
feminismo, toda covardice oportunista
ou utilitária.
Nós cantaremos as grandes multidões
excitadas pelo trabalho, pelo prazer, e
pelo tumulto; nós cantaremos a canção
das marés de revolução, multicoloridas
e polifónicas nas modernas capitais;
nós cantaremos o vibrante fervor
noturno de arsenais e estaleiros em
chamas com violentas luas elétricas;
estações de trem cobiçosas que
devoram serpentes emplumadas de
fumaça; fábricas pendem em nuvens
por linhas tortas de suas fumaças;
pontes que transpõem rios, como
ginastas gigantes, lampejando no sol
com um brilho de facas; navios a vapor
aventureiros que fungam o horizonte;
locomotivas de peito largo cujas rodas
atravessam os trilhos como o casco de
enormes cavalos de aço freados por
tubulações; e o voo macio de aviões
cujos propulsores tagarelam no vento
como faixas e parecem aplaudir como
um público entusiasmado."
(trecho do Manifesto Futurista)
O movimento futurista predominou
principalmente na França e na Itália,
onde os artistas se identificavam com o
fascismo.
Tendo diversos membros do grupo
aderido ao partido fascista, ele se
enfraqueceu após a Primeira Guerra
Mundial, apesar de ter sido retomado
no dadaísmo.
Principais características do
futurismo
Podemos destacar como principais
características do movimento futurista:
 valorização da velocidade e
dinamismo;
 exaltação à tecnologia;
 ligação ideológica com o
fascismo;
 ruptura com o passado;
 utilização da publicidade e
tipografias;
 tendência a justificar a violência
através do militarismo.
Estava evidente no Futurismo a
valorização da industrialização e da
tecnologia enquanto progresso técnico.
Além disso, os parâmetros se baseavam
no futuro, na velocidade, na vida
moderna, na violência (militarismo) e Para eles, o que mais importava era a
ruptura com a arte do passado. representação do movimento e a
rejeição a todo tipo de imobilidade.

Veja quem foram os maiores

representantes e algumas obras de
destaque.

Giacomo Balla (1871-1958)

Dinamismo de um cão na coleira (1912), de Giacomo

Balla, destaca o movimento das patas de um cão

Outro fator conhecido é a utilização da

publicidade como principal meio de
comunicação. Isso, especialmente pelo Velocidade do Automóvel (1913), de Giacomo Balla
enaltecimento da tipografia desse
período, em textos que exploravam o
lúdico, a linguagem vernácula e uso
Umberto Boccioni (1882-1916)
de onomatopeias.

Em suas criações, os futuristas

buscavam expressar o movimento real,
assinalando a velocidade exposta pelas
figuras em movimento no espaço.

Assim, a pintura futurista influenciada

pelo cubismo e pelo abstracionismo,
tinha a pretensão de dinamismo. Ao Carga dos Lanceiros (1915) de Umberto Boccioni
captar a forma plástica, a velocidade
era descrita pelos objetos no espaço. Luigi Russolo (1883-1947)
As inspirações pelas cores e efeitos de
luz do pós-impressionismo, assim como
nas técnicas das composições cubistas,
são evidentes.

Principais Artistas e Obras

Em 1910, alguns artistas decidiram
elaborar um manifesto futurista
dedicado principalmente à pintura. O Dinamismo de um Automóvel (1913), de Luigi
Russolo
Esse novo documento foi assinado por
Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Enrico Prampolini (1894-1956)
Russolo, Giacomo Balla e Gino Severini.

Retrato de Marinetti (1925) de Enrico Prampolini. À
esquerda, atente para o uso da tipografia, com letra
A
Nikolay Diulgheroff (1901-1982)
Paisagem marinha (1933), de Nikolay Diulgheroff
Carlo Carrá (1881-1966)
O Cavaleiro Vermelho (1913) de Carlo Carrá
Fortunato Depero (1892-1960)
Arranha-céus e túneis (1930) de Fortunato Depero
Futurismo no Brasil
No Brasil, artistas modernistas
como Anita Malfatti (1889-1964)
e Oswald de Andrade (1890-1954)
tiveram grandes influencias do
Futurismo, chegando a contatarem
diretamente Marinetti.
Podemos notar estas influências
na Semana de Arte Moderna de 22.
Destacam-se a rejeição ao passado, o
Tculto do futuro, a aversão às
reproduções e o cultivo da pureza
original.
Entretanto, posteriormente, os artistas
brasileiros reformularam o conceito de
futurismo no país.
1. Inspirando-se no futurismo, utilize o espaço abaixo para fazer uma produção autoral que
expresse a velocidade, tal como os artistas estudados. Use as figuras acima no texto como
referência para sua produção artística.
Surrealismo
O surrealismo foi uma das vanguardas
artísticas europeias que surgiu em Paris
no início do século XX.
Esse movimento originou-se em reação
ao racionalismo e ao materialismo da
sociedade ocidental.
A arte surrealista não se restringiu à
pintura, de modo que também
influenciou outras manifestações
artísticas: a escultura, a literatura, o
teatro e o cinema.
Origem do Surrealismo
Grupo de artistas surrealistas nos anos 30: da
esquerda para a direita: Tristan Tzara, Paul Éluard,
André Breton, Hans Arp, Salvador Dali, Yves Tanguy,
Max Ernst, René Crevel e Man Ray
Na Europa, o período entre as duas
guerras (1918-1939) ficou conhecido
como "os anos loucos". Assim, a
incerteza sobre a predominância da paz
levou ao desejo de "viver apenas o
presente".
Foi nesse período de insatisfação,
desequilíbrio e contradições, que
surgiram diversos movimentos
artísticos voltados para uma nova
interpretação e expressão da realidade.
Esses movimentos ficaram conhecidos
como "vanguardas europeias". O
Surrealismo foi uma dessas correntes e
teve como precedente indispensável o
Dadaísmo e a pintura metafísica de
Giorgio de Chirico (1888-1978).
Obra Praça d'Itália (1913), de Giorgio de Chirico, é
uma pintura metafísica, precursora do surrealismo
André Breton (1896-1966), escritor
francês e ex-participante do Dadaísmo,
rompeu com o líder do movimento
dadaísta Tristan Tzara.
Com isso, lançou em Paris, em 1924,
o Manifesto Surrealista, que trouxe
para o mundo um novo modo de
encarar a arte. Segundo ele, o termo
consiste em:
SURREALISMO, s.m. Automatismo
psíquico puro pelo qual se propõe
exprimir, seja verbalmente, seja por
escrito, seja de qualquer outra maneira,
o funcionamento real do pensamento.
Ditado do pensamento, na ausência de
todo controle exercido pela razão, fora
de toda preocupação estética ou moral.
No manifesto, os princípios surrealistas
são apresentados, entre eles a isenção
da lógica e a adoração de uma
realidade superior, chamada
"maravilhosa".
Nesse mesmo ano, circula o primeiro
número da revista A Revolução
Surrealista, que reunia todos os meios
de expressão artística, com ostensiva
exclusão da música.

Principais características do
surrealismo
De forma simplificada, podemos listar
as seguintes características dessa
vertente artística:
 pensamento livre;
 expressividade espontânea;
 influência das teorias da
psicanálise;
 criação de uma "realidade
paralela";
 criação de cenas irreais;
 valorização do inconsciente.
O surrealismo propõe a valorização da
fantasia, da loucura e a utilização da
reação automática. Nessa perspectiva,
o artista deve deixar-se levar pelo
impulso, registrando tudo o que lhe
vier à mente, sem se preocupar com a
lógica.
Os artistas surrealistas tinham como
objetivo usar o potencial do
subconsciente e dos sonhos como fonte
para a criação de imagens fantásticas.
Assim, as artes plásticas e a literatura
eram vistas como um meio de
expressar a fusão dos sonhos e da
realidade em um tipo de realidade
absoluta, uma "surrealidade".
Na mesma época, o estudo da
psicanálise estava em desenvolvimento
- sobretudo por Sigmund Freud - o que
veio a influenciar significativamente o
surrealismo.
Rumos do Surrealismo
Na pintura, o Surrealismo tomou duas
direções: a pintura
surrealista figurativa e a abstrata.
Em ambas, adaptou as técnicas
de escrita automática dos poetas
surrealistas. O intuito era liberar a
mente do controle consciente e
produzir um fluxo de ideias do
subconsciente. Essas obras eram
abstratas ou figurativas.
Em outra perspectiva, o surrealismo
baseou-se em reconstruções
elaboradas e meticulosas de um mundo
de sonho, onde objetos eram colocados
em uma justaposição inesperada.
Principais Artistas e Obras do
Surrealismo
O surrealismo teve alguns nomes de
destaque, entre eles:
1. Max Ernst
A Roda da Luz (1925), obra de Max Ernst utilizando a
técnica frottage
Em 1925, o pintor alemão Max Ernst
(1891-1976) - antes dadaísta - inventou
a técnica frottage, palavra que em
francês significa "friccionar".
Nesse método, o artista fricciona o lápis
(ou outro material) em um papel sobre
uma superfície texturizada. Assim,
imagens surgiam e eram usadas como
apareciam, ou serviam como base para
um novo desenho.

Epifania (1940), de Max Ernst. Aqui a técnica
empregada é a decalcomania
O artista usou também a decalcomania,
em que se coloca a tinta em superfícies
como vidro ou metal e pressiona-se
sobre um apoio de tela ou de papel. As
formas resultantes eram então
trabalhadas criativamente.
2. Joan Miró
Carnaval de Arlequim (1924-25), de Joan Miró
O pintor espanhol Joan Miró (1893-
1983), em sua obra "Carnaval do
Arlequim" (1924-25), cruzou a fronteira
entre a observação do "modelo
externo" e símbolos que fluíam do
subconsciente.
Embora baseado em desenhos feitos
em estado de alucinação, sua
composição é altamente organizada
através da intervenção do controle
consciente.
Um artista que sofreu certa influência
de Miró foi o norte-americano Jackson
Pollock (1912-56).
3. René Magritte
A tela A traição das imagens (1929), de Magritte, é
uma de suas obras mais famosas
O pintor belga René Magritte (1898-
1967) rejeitou a suposta
espontaneidade do automatismo por
considerá-la falsa.
Passou a trabalhar com imagens que, à
primeira vista, pareciam convencionais,
mas às quais dava um caráter bizarro
por sobreposições.
4. Salvador Dalí
A persistência da memória (1931), do pintor
espanhol Salvador Dali
Nascido na Espanha, o pintor Salvador
Dalí (1904-1989) tornou-se um membro
oficial do grupo surrealista e deu a ele
um novo ímpeto com seu método de
atividade paranoica. Ele certamente é o
artista mais lembrado quando se fala
de surrealismo.
Dalí interessava-se por condições
mentais anormais e, em particular, por
alucinações. Suas estranhas imagens
eram retratadas de modo que se
assemelhavam à fotografia em cores.

Surrealismo no Brasil

À esquerda, a tela Desejo de Amor (1932), de Ismael

Nery. À direita, Abaporu (1928), de Tarsila do Amaral
No Brasil, o Surrealismo exerceu
considerável influência sobre o
movimento Modernista. O escritor
Oswald de Andrade foi um dos maiores
expoentes.

Em seu Manifesto Antropófago, no

romance Serafim Ponte Grande e nas
peças O Homem e o Cavalo e a Morta,
podemos notar elementos que se
relacionam com as técnicas de criação
surrealista.

Além da literatura, essa vertente

artística exerceu influência também nos
artistas plásticos: Tarsila do Amaral,
Ismael Nery e Cícero Dias.

Atividade
1. Em grupo de até quatro alunos,
criem uma obra surrealista em uma
cartolina e tinas guache.
2. No espaço ao lado, crie uma
releitura da obra “O Ibaporu” de
Tarsila do Amaral. Nas linhas
abaixo, fale sobre sua inspiração
para fazer sua obra, no que
pensou, contexto ou outros fatores
que o incentivaram a produzi-la
desta forma.
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 escritor Oswald de Andrade e o
artista plástico Di Cavalcanti.
Semana de Arte
Moderna
A Semana de Arte Moderna foi
uma manifestação artístico-
cultural que ocorreu no Theatro
Municipal de São Paulo entre os
dias 13 a 18 de fevereiro de 1922.
Catálogo e cartaz da Semana de Arte Moderna,
O evento reuniu diversas produzidos pelo artista Di Cavalcanti
apresentações de dança, música,
recital de poesias, exposição de Características da Semana
obras - pintura e escultura - e de Arte Moderna
palestras. Uma vez que o intuito desses
artistas era chocar o público e
Os artistas envolvidos propunham
trazer à tona outras maneiras de
uma nova visão de arte, a partir de
sentir, ver e fruir a arte, as
uma estética inovadora inspirada
características desse momento
nas vanguardas europeias.
foram:
Juntos, eles buscavam uma
 Ausência de formalismo;
renovação social e artística no
 Ruptura com academicismo
país, evidenciada na "Semana de
e tradicionalismo;
22".
 Crítica ao modelo
O evento chocou parte da parnasiano;
população e trouxe à tona uma  Influência das vanguardas
nova visão sobre os processos artísticas
artísticos, bem como a europeias (futurismo,
apresentação de uma arte “mais cubismo, dadaísmo,
brasileira”. surrealismo,
expressionismo);
Houve um rompimento com a arte  Valorização da identidade e
acadêmica, contribuindo para cultura brasileira;
uma mudança estética e para o  Fusão de influências
Movimento Modernista no Brasil. externas aos elementos
brasileiros;
Mário de Andrade foi uma das
 Experimentações estéticas;
figuras centrais e principal
 Liberdade de expressão;
articulador da Semana de Arte
 Aproximação da linguagem
Moderna de 22. Ele esteve ao lado
oral, com utilização da
de outros organizadores: o
 linguagem coloquial e
vulgar;
 Temáticas nacionalistas e
cotidianas.
A Semana de 1922: Resumo
Em 1922, quando a Independência
do país completava cem anos, o
Brasil passava por diversas
modificações sociais, políticas e
econômicas (advento da
industrialização, fim da Primeira
Guerra Mundial).
Surge então a necessidade de
recorrer a uma nova estética, e daí
nasce a "Semana de Arte
Moderna".
Ela esteve composta por artistas,
escritores, músicos e pintores que
buscavam inovações. O intuito era
criar uma maneira de romper com
os parâmetros que vigoravam nas
artes em geral.
A maioria dos artistas era
descendente das oligarquias
cafeeiras de São Paulo, que junto
aos fazendeiros de Minas,
formavam uma política que ficou
conhecida como “Café com Leite”.
Esse fator foi determinante para a
realização do evento, uma vez que
foi respaldado pelo governo de
Washington Luís, na época
governador do Estado de São
Paulo.
Além disso, a maioria dos artistas -
que tinha possibilidades
financeiras para viajar e estudar
na Europa - trouxe para o país
diversas tendências artísticas.
Assim foi se formando o
movimento modernista no Brasil.
Com isso, São Paulo demonstrava
(em confronto com o Rio de
Janeiro) novos horizontes e uma
figura de protagonismo na cena
cultural brasileira.
Para Di Cavalcante, a semana de
arte:
Seria uma semana de escândalos
literários e artísticos, de meter os
estribos na barriga da
burguesiazinha paulista.
Foi assim que durante três dias
(13, 15 e 17 de fevereiro) essa
manifestação artística, política e
cultural reuniu jovens artistas
irreverentes e contestadores.
O evento foi inaugurado pela
palestra do escritor Graça Aranha:
“A emoção estética da Arte
Moderna”; seguido de
apresentações musicais e
exposições artísticas. O evento
estava cheio e foi uma noite
relativamente tranquila.
No segundo dia, houve
apresentação musical, palestra do
escritor e artista plástico Menotti
del Picchia, e a leitura do poema
“Os Sapos” de Manuel Bandeira.
Ronald de Carvalho fez a leitura,
pois Bandeira encontrava-se em
uma crise de tuberculose. Nesse
poema, a crítica à poesia
parnasiana era severa, o que
causou indignação do público,
muitas vaias, sons de latidos e  Plínio Salgado (1895-1975)
relinchos.  Anita Malfatti (1889-1964)
 Menotti Del Picchia (1892-
Por fim, no terceiro dia, o teatro 1988)
estava mais vazio. Houve uma  Ronald de Carvalho (1893-
apresentação musical com 1935)
mistura de instrumentos, exibida  Guilherme de Almeida
pelo carioca Villa Lobos. (1890-1969)
 Sérgio Milliet (1898-1966)
Nesse dia, o músico subiu ao
 Heitor Villa-Lobos (1887-
palco vestindo casaca e calçando
1959)
em um pé sapato e no outro um
 Tácito de Almeida (1889-
chinelo. O público vaiou pensando
1940)
que se tratasse de uma atitude
 Di Cavalcanti (1897- 1976)
afrontosa, mas depois foi
 Guiomar Novaes (1894-
explicado que o artista estava com
1979)
um calo no pé.
 Zina Aita (1900-1967)
Principais Artistas Repercussão da Semana de
22
A crítica ao movimento foi severa,
as pessoas ficaram
desconfortáveis com tais
apresentações e não conseguiram
compreender a nova proposta de
arte. Os artistas envolvidos
chegaram a ser comparados aos
doentes mentais e loucos.
Comissão Organizadora da Semana de Arte Moderna.
Da esquerda para a direita: Manuel Bandeira é o
segundo e Mário de Andrade, o terceiro; Oswald de Com isso, ficou claro que faltava
Andrade aparece em primeiro plano. uma preparação da população
para a recepção de tais modelos
artísticos.
Alguns artistas que participaram
da Semana de Arte Moderna de Monteiro Lobato foi um dos
1922: escritores que atacou com
veemência as ações da Semana de
 Mário de Andrade (1893-
22.
1945)
 Oswald de Andrade (1890- Anteriormente, ele já havia
1954) publicado um artigo criticando as
 Graça Aranha (1868-1931) obras de Anita Malfatti, em uma
 Victor Brecheret (1894- exposição da pintora realizada em
1955) 1917.
Há duas espécies de artistas. Uma
composta dos que vêem
normalmente as coisas (..) A outra
espécie é formada pelos que vêem
anormalmente a natureza e
interpretam-na à luz de teorias
efêmeras, sob a sugestão estrábica
de escolas rebeldes, surgidas cá e lá
como furúnculos da cultura
excessiva. (...) Embora eles se dêem
como novos, precursores de uma
arte a vir, nada é mais velho do que
a arte anormal ou teratológica:
nasceu com a paranóia e com a
mistificação(...) Essas
considerações são provocadas pela
exposição da senhora Malfatti onde
se notam acentuadíssimas
tendências para uma atitude
estética forçada no sentido das
extravagâncias de Picasso e
companhia.

Atividade

Em grupos de até 5 alunos, façam

uma exposição sobre a vida e obra
dos principais artistas da semana da
arte moderna no Brasil mediante a
um sorteio feito pelo professor.
Cada equipe deve pesquisar e
dividir o tema podendo usar
recursos visuais e áudio visuais
para o bom desenvolvimento de
sua explicação, podendo ser cartaz,
vídeos, áudios, Powerpoints ou
outros. Cada equipe terá de 10 a 15
minutos para sua apresentação.

Artistas:

 Anita Malfatti
 Tarsila do Amaral
 Mario de Andrade
 Oswald de Andrade
 Menotti del Picchia
História do Cinema
Lanterna Mágica

Juliana Bezerra

Professora de História
No dia 28 de dezembro de 1895, os
irmãos franceses Auguste e Louis
Lumière, realizaram a primeira
exibição pública cinematográfica.
No entanto, a criação do cinema foi
resultado do esforço de vários Uma apresentação doméstica de
inventores que trabalhavam para lanterna mágica para crianças
conseguir registrar imagens em Inventada no século XVII, tratava-se de
movimento. uma câmara escura que projetava,
através de lentes e luz, desenhos
Origem do Cinema pintados à mão em vidros. Um narrador
Conseguir imagens em movimento foi se encarregava de contar a estória e
algo perseguido desde a Antiguidade. algumas vezes havia acompanhamento
As sombras sempre exerceram fascínio musical.
nos seres humanos, o que rendeu A lanterna mágica se tornou uma
inclusive a criação do teatro de grande atração em feiras urbanas, mas
sombras. também foi usada no ambiente
Com o advento da fotografia foi acadêmico.
possível fixar a imagem numa
Praxinoscópio
superfície, seja ela papel, placa de
metal ou vidro. Desta maneira, não
podemos entender a história do cinema
sem compreender a história da
fotografia.

A própria etimologia da palavra cinema

explica isso. Afinal, "cinema" é a
abreviação de cinematógrafo. "Cine",
vem do grego e significa movimento e o
sufixo "ágrafo", aqui significa, gravar.
Assim, temos o movimento gravado.
Por isso, diversos inventores, de países
como França e Estados Unidos,
desenvolviam aparelhos para captar e
projetar imagens em movimento.
Vejamos algumas dessas máquinas:
No praxinoscópio cada imagem deveria ser
desenhada cuidadosamente para dar a ilusão de
movimento
Construído em 1877 pelo francês
Charles Émile Reynaud (1844-1918), o
praxinoscópio consistia num aparelho
de formato circular no qual as imagens
iam se sucedendo e davam a sensação
que estavam se movendo.
Inicialmente restrito ao ambiente
doméstico, Reynaud conseguiria em
1888 aumentar o tamanho de sua
máquina. Isto permitiu projetar os
desenhos para plateias maiores e estas
performances ficaram conhecidas como
"teatro ótico".
Estas projeções alcançaram um enorme
sucesso no final do século XIX. De fato,
o praxinoscópio só foi superado pelo
cinematógrafo dos irmãos Lumière.
Cinetoscópio
Um homem assiste filmes no cinetoscópio, que se
encontra aberto e é possível ver os rolos de filmes
Lançado, em 1894, na fábrica
comandada por Thomas Edison (1847-
1931) nos Estados Unidos, o
cinetoscópio era uma máquina
individual onde se assistia filmes de
curta duração
O invento só foi possível porque Edison
criou uma película de celuloide capaz
de guardar as imagens e assim, projetá-
las através das lentes.
Cinematógrafo
O cinematógrafo criado pelos irmãos
Lumière foi patenteado em 13 de
fevereiro de 1895
Os irmãos Auguste Lumière (1862-
1954) e Louis Lumière (1864-1948),
apaixonados por inventos e fotografia,
desenvolveram o cinematógrafo. Ao
contrário dos outros aparelhos, este
permitia gravar e projetar as imagens
tornando a atividade mais prática.
Ambos estavam a par das descobertas
de Thomas Edison e fizeram pequenas
alterações nos fotogramas para evitar
problemas legais.
Desta maneira, o invento dos irmãos
franceses superou os concorrentes e
transformou-se no aparelho preferido
daqueles que desejavam registrar
imagens em movimento.
Primeira Exibição
Cinematográfica
Os irmãos Lumière eram filhos de um
fabricante de materiais fotográficos,
cuja fábrica estava localizada na cidade
Lyon, França.
Pesquisaram e aperfeiçoaram as
primeiras câmeras fotográficas
contribuindo para o surgimento da
fotografia colorida. Através do
cinematógrafo, começaram a realizar
seus primeiros filmes que consistiam
em captar imagens com o aparelho
parado.
Em 28 de dezembro de 1895, em Paris,
no "Grand Café", foi realizada a
primeira projeção cinematográfica tal
qual conhecemos. Assim, numa sala
escura, foram projetados dez filmes de
curta duração como "A chegada do
trem à estação de La Ciotat" ou "A
saída dos operários da fábrica".
No entanto, os próprios irmãos Lumière
não prosseguiram sua carreira pelo
cinema. Louis ainda inventaria o
fotorama e se dedicaria à ciência,
enquanto Auguste continuaria seus
estudos de bioquímica e fisiologia.
Cinema Narrativo
O cinema era visto apenas para fins
documentais e para registrar através de
uma câmara estática algo que estava
acontecendo diante da lente. Seria o
que se chama de "teatro filmado".
No entanto, dois pioneiros vão utilizar
as câmaras para contar estórias, criar
técnicas e narrativas que somente
seriam possíveis com este aparelho.
Destacamos dois precursores do
cinema narrativo: Alice Guy-Blaché e
Georges Méliès.
Alice Guy-Blaché
A cineasta Alice Guy foi a primeira
pessoa a conseguir viver do cinema
A primeira pessoa a explorar a via
narrativa do cinema foi a francesa Alice
Guy-Blaché (1873-1968). Autora de
quase mil obras, ela fez o primeiro
filme baseado num conto popular, "A
fada dos repolhos" (1896).
Alice Guy trabalhava como secretária
na fábrica e produtora de cinema
Gaumont, quando os irmãos Lumière
foram fazer uma demonstração do seu
recente invento.
Encantada com o aparelho, Alice Guy
começou a experimentar filmar com
dupla exposição, atrasar ou apressar a
velocidade da câmara a fim de
conseguir efeitos interessantes para
narrar suas estórias. Ela ainda seria a
primeira a usar cores e som nos seus
filmes.
Casou-se com Hebert Blaché, em 1907,
que trabalhava como operador de
câmara. Ambos se mudaram para os
Estados Unidos três anos depois e ali
Alice Guy criou sua própria produtora e
construiu estúdios para filmar suas
obras. Após se divorciar em 1920, volta
para a França, mas não consegue
retomar sua carreira de diretora.
Alice Guy rodou mais de mil filmes do
qual apenas 350 sobreviveram, incluído
sua monumental "A Vida de Cristo", de
1906, que contou com 300 figurantes.
Completamente apagada da história do
cinema, Alice Guy-Blaché faleceu em
1968. Agora, os historiadores voltam a
dar-lhe o lugar que ela merece.
Georges Méliès
Georges Mélliès e o famoso cartaz de
seu filme "Viagem à Lua"
Por outro lado, o mágico e ator francês
Georges Méliès também trabalharia no
desenvolvimento da linguagem
cinematográfica introduzindo cortes,
sobrexposição e zoom.
Nascido em Paris, em 1861, Georges
Méliès comandava seu próprio teatro
na capital francesa e foi convidado
pelos irmãos Lumière para assistir a
exibição do "cinematógrafo" em 1895.
Méliès queria usar o aparelho nos seus
espetáculos, mas os irmãos não o
venderam. De qualquer maneira, ele
comprou uma máquina semelhante e
começou a escrever roteiros e atuar.
Aperfeiçoou os truques próprios do
teatro e do ilusionismo para o cinema e
assim alcançou grande sucesso.
Seu maior êxito foi a o flime "Viagem à
Lua", de 1902, onde adaptou a célebre
obra de Júlio Verne para o cinema. Por
suas inovações, Méliès é reconhecido
como o "pai dos efeitos especiais".
Curiosidades
 O primeiro cinema do mundo
foi o Éden Théâtre, na cidade
de La Ciotat, França, onde os
irmãos Lumière costumavam
passar as férias e fizeram uma
projeção de seus filmes para
convidados.
 Seis meses após a exibição em
Paris, em 8 de julho de 1896, é
realizada a primeira exibição de
filmes no Brasil, no Rio de
Janeiro.
Op Art
Escrito por Daniela Diana
Professora licenciada em Letras
A “Op Art” ou “Optical Art” (Arte
Ótica) foi um movimento artístico
que atingiu seu auge na década de
60 nos Estados Unidos.
Em Nova York, ocorreu a primeira
exposição no Museu de Arte
Moderna (MOMA) intitulada
“The Responsive Eye” (O Olho que
Responde), em 1965.
Baseado em recursos visuais,
sobretudo na ilusão de ótica, esse
movimento que expressa a
mutabilidade do mundo e suas
ilimitadas possibilidades, é
fundamentado no mote “menos
expressão e mais visualização”.
Ele foi considerado uma variação
do expressionismo abstrato,
sendo seu precursor o artista
húngaro Victor Vasarely, na
década de 30.
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Design Op Art

Principais
Alexander Calder (1898-1976
Características
As características do movimento ____________________________________
Op Art são: ____________________________________
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 Tridimensionalidade ____________________________________
 Efeitos óticos e visuais ____________________________________
 Movimento e contraste de ____________________________________
cores ____________________________________
 Tons vibrantes
(principalmente preto e
branco)
 Formas geométricas e
linhas
 Observador participante
 Estilo abstrato

Atividade
1. Faça uma pesquisa sobre os
artistas os artistas do Op Art
e suas principais obras: Luiz Sacilotto (1924-2003)

Victor Vasarely (1908-1997) ___________________________________

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Pop Art
Pop Art é um movimento artístico que
se caracteriza pela reprodução de
temas relacionados ao consumo,
publicidade e estilo de vida americano
(american way of life).
O termo em inglês significa "arte
popular" e surgiu durante a década de
1950, na Inglaterra. A expressão foi
criada pelo crítico Lawrence Alloway
durante encontros de um grupo de
artistas, o "Grupo Independente".
Depois, espalhou-se durante os anos de
1960, atingindo seu auge em Nova
York.
A pop art não deve ser considerada um
fenômeno de cultura popular (apesar
de estar muito interligada a ela), mas
uma interpretação de seus artistas da
cultura dita popular e de massas.
Este fenômeno baseou-se, em grande
medida, na estética da cultura de
massas, a mesma criticada pela Escola
de Frankfurt.
O movimento influenciou muito o
grafismo e os desenhos relacionados à
moda.
Características da pop art
 Aproximação da arte com a vida
cotidiana;
 Utilização de cores intensas e
vibrantes;
 Reproduções de peças
publicitárias;
 Inspiração na cultura de massa;
 Uso da serigrafia;
 Imitação da estética industrial;
 Reproduções em série do
mesmo tema;
 Uso da imagem de celebridades;
 Inspiração no universo das
histórias em quadrinhos.
In the Car, de Roy Lichtenstein, é um óleo sobre tela
de 1963. Junto com Andy Warhol, esse artista é
destaque na pop art
Os artistas dessa corrente trabalhavam
com cores vivas, inusitadas e usadas na
publicidade. Eles escolhiam as imagens
e os símbolos populares como material
de criação.
Esses símbolos eram ironizados para
fazer uma crítica ao excesso de
consumo da sociedade capitalista. Isso
porque o capitalismo é muito
incentivado pela publicidade, cinema e
etc.
Entretanto, de certa forma, a pop arte
se alimentava e se confundia com
essa indústria cultural.
Apesar de se diferenciarem, os artistas,
de modo geral, mantinham as
temáticas, os desenhos simplificados e
as cores saturadas.

A Pop Art buscava evidenciar a crise da

arte do século XX através de um
retorno à arte figurativa. Fazia um bom
contraponto ao expressionismo
abstrato e à complexidade da arte
moderna. Marilyn Monroe (1962), Andy Warhol.
A primeira série de imagens mostra a
Ela recusa a separação entre arte e diva colorida, e a segunda em preto e
vida. Por isso a arte pop é capaz de se branco é como se sugerisse sua morte
ligar ao seu público a partir de signos e
símbolos tirados da cultura de massa e 2. Triple Elvis (1963)
da vida cotidiana.

Isso ocorreu quando os artistas

utilizaram na arte a linguagem do
design comercial. Com isso, diminuíram
as diferenças que separavam arte
erudita da arte popular.

Obras de Andy Warhol

Andy Warhol tornou-se o
Triple Elvis (1963), de Warhol, retrata o ídolo da
representante mais conhecido da Pop música Elvis Presley
Art no Mundo. 3. Coca cola (1963)
Warhol também representou a
Ficou famoso por retratar ídolos da
impessoalidade do objeto ao reproduzir
música popular e do cinema,
as garrafas de Coca-Cola e as latas de
evidenciando o quanto estas figuras
sopa Campbell.
são impessoais e vazias. São exemplos
Marilyn Monroe, Michael Jackson e
Elvis Presley.

1. Marilyn Monroe (1962)

A primeira representação
de Marilyn foi feita logo após o
falecimento da diva, em 1962. Depois
foi reproduzida novamente em outras
cores e formatos.

Coca cola (1963), de Andy Warhol. A

pop art busca referências diretas na
publicidade
4. Sopa Campbell (1962)
Com a obra Sopa Campbell (1963), as
vendas do produto aumentaram muito
nos EUA.
Outros artistas da Pop Art
O Independent Group (IG), estabelecido
em Londres em 1952, é considerado o
precursor do movimento de Pop Art.
Fizeram parte:
Não há vagas (1965), Rubens Gerchman, é uma
crítica social
Os principais nomes da pop art
brasileira são:
 Antonio Dias (1944)
 Rubens Gerchman (1942-2008)
 Claudio Tozzi (1944)

 Eduardo Luigi Paolozzi (1924- O artista contemporâneo Romero

2005) Britto utiliza hoje em dia a estética da
 Richard Hamilton (1922-2011) pop art para produzir suas obras.
 Peter Blake (1932) Entretanto, ele não possui caráter
crítico.
Já nos Estados Unidos, os artistas
produziram de modo isolado até 1963.
A partir daí, suas obras passaram a ser
reunidas e expostas em galerias de
arte. Os seus principais artistas são:

 Andy Warhol (1928-1987) Atividade

 Roy Lichtenstein (1923-1997)
1. Em grupos de 3 alunos, após uma
 Claes Oldenburg (1929)
breve pesquisa, produzam uma
 James Rosenquist (1933-2017)
releitura de uma das obras de Romero
 Tom Wesselmann (1931-2004)
Brito e apresenta-a a turma.
 Wayne Thiebaud (1920)
 Jasper Johns (1930)
2. No espaço abaixo, faça uma colagem
Pop Art no Brasil no estilo Pop Art com embalagem de
No Brasil, a Pop Art surgiu em outro produtos, e recortes de revistas ou
contexto histórico. Aqui, estava em jornais. Junto a esses materiais você
curso a ditadura militar e os artistas pode adicionar desenhos e coloridos.
utilizaram a estética pop para se Use todo o espaço da folha seguinte.
comunicar com as massas e, assim
fazer críticas ao sistema.

Arte Urbana
A Arte Urbana (street art, em inglês) é
um tipo de arte encontrada nos
espaços urbanos. Manifesta-se por
meio de intervenções, performances,
grafite, teatro, dentre outras.
Essas ações artísticas ocorrem em
ambientes públicos e interagem
diretamente com os indivíduos.
Geralmente, usam como suporte os
grandes centros urbanos, onde há
intensa circulação de pessoas e
diversidade cultural.
Dessa forma, os cidadãos acabam se
deparando com a arte sem precisar ir
até centros culturais.
Na prática, a arte urbana representa o
encontro da vida com a arte, pois essa
união se dá naturalmente enquanto o
ser humano vive e se desloca pela
cidade.
Escadaria Selaron, Rio de Janeiro,
Brasil. Obra de Jorge Selaron
inaugurada em 2013
Origem da Arte
Urbana
Esse tipo de expressão artística está
espalhada por todo o mundo. Surgiu
nos Estados Unidos, na década de 70, e
tem um caráter dinâmico e passageiro.
Então normalmente é associada à
fotografia, que permite seu registro
duradouro.
Exemplo de arte urbana quando
começou a despontar nos EUA
No entanto, estudiosos afirmam que
essa arte remete a períodos da
antiguidade. Os povos gregos e
romanos já transmitiam mensagens
pelas ruas da cidade através de
desenhos. Além disso, havia muitos
artistas nos centros urbanos que se
expressavam pela música, teatro e
dança.
A arte urbana propõe justamente sair
dos lugares ditos “consagrados”,
aqueles destinados a exposições e
apresentações artísticas - como os
teatros, cinemas, bibliotecas e museus -
para evidenciar a arte cotidiana,
espalhada pelas ruas.
Os temas utilizados pelos artistas de
rua são bem diversos. No
entanto, muitos trabalhos estão
ligados a críticas sociais, políticas e
econômicas.
É importante analisar o crescimento da
arte urbana nos últimos tempos e a
forma que passa a ser vista como um
“valor cultural” muito significativo para
as minorias que anseiam em se
comunicar.
Assim, essas manifestações populares
permitem o encontro das pessoas com
a arte independente. Ainda assim,
alguns artistas de rua conseguiram um
lugar de destaque e reconhecimento
mundial pela mídia, indústria e diversos
meios de comunicação de massa.

Arte Urbana no Brasil
No Brasil, a arte de rua aparece na
década de 70, mais precisamente com
as obras de grafite nas paredes da
cidade de São Paulo. Curiosamente
surgiu numa época conturbada da
história do país, com a Ditadura Militar.
O artista Alex Vallauri foi um dos
precursores da arte urbana no Brasil
No início, essa era uma arte
marginalizada e de certa forma ainda
sofre preconceitos, dependendo do
local onde é produzida e do indivíduo
que a realiza, sendo mais reprimida
entre a população negra e pobre.
Entretanto, alguns artistas conseguiram
posição de destaque no mercado da
arte.
Ainda que a produção do artista de rua
não seja reconhecida por muitos, é
necessário destacar a importância e
relevância desse trabalho para a
sociedade.
Vale lembrar que muitos problemas são
enfrentados pelos artistas de rua, tal
qual a proibição de manifestações
artísticas em locais públicos. O que
contraria o artigo 5 º da Constituição do
nosso país, que diz que todo cidadão é
livre para se manifestar artisticamente:
“Art. 5º Todos são iguais perante a lei,
sem distinção de qualquer natureza,
garantindo-se aos brasileiros e aos
estrangeiros residentes no País a
inviolabilidade do direito à vida, à
liberdade, à igualdade, à segurança e à
propriedade, nos termos seguintes:
IV - é livre a manifestação do
pensamento, sendo vedado o
anonimato;
IX - é livre a expressão da atividade
intelectual, artística, científica e de
comunicação, independentemente de
censura ou licença;”
Sobre esse tema, algumas leis foram
introduzidas nas cidades brasileiras
com o objetivo de tornar a rua livre,
para que assim os artistas possam
trabalhar e apresentar seus trabalhos.
Em 19 de julho de 2011, o Decreto Nº
52.504 regulamentou o exercício
artístico nas vias públicas da cidade de
São Paulo, e a Lei Nº 10.277/11, através
do Decreto Nº 14.589, regulamentou
essas manifestações na capital de
Minas Gerais, Belo Horizonte.
Exemplos de Arte
Urbana
Diversas técnicas são utilizadas pelos
artistas de rua, embora a intervenção
“grafite” seja a mais conhecida. Segue
abaixo alguns exemplos de arte urbana.
Grafite
Grafite do artista de rua Paulo Ito,
presente nas ruas de São Paulo
Grafites são desenhos estilizados feitos
geralmente com tinta sprays nas
paredes de edifícios, túneis e ruas.
Há muitas técnicas de grafite e Arte em adesivos (Sticker Art)
atualmente os trabalhos em 3d
chamam a atenção dos críticos e das
pessoas que circulam pela cidade.

Stencil

A arte em adesivo costuma ser muito

O famoso artista de rua Banksy é
adepto da técnica do stencil
Parecido com o grafite, o stencil - em
português estêncil - utiliza a técnica de
recortar um papel rígido e usá-lo como
molde. A tinta empregada geralmente é
o spray, usada para fixar as ilustrações
e desenhos nas ruas, postes e paredes.
colada em placas de rua
Sticker art é o termo em inglês para a
arte em adesivos. Esse tipo de
manifestação utiliza a aplicação de
adesivos pela cidade.
É uma forma rápida e discreta de
intervenção no cenário urbano.
Cartazes "lambe-lambe"

Esse é um método mais prático no

momento de se fazer as intervenções.

Poemas Urbanos

Exemplos de cartazes artísticos colados

nas ruas das cidades
Os cartazes são um tipo de intervenção
urbana muito comum.

Também chamados de "cartazes

lambe-lambe", eles são papéis
impressos ou produzidos manualmente
que são fixados com cola pelas ruas das
Poema do escritor urbano Giovani Baffô
cidades em postes, praças, muros ou
Poemas urbanos são qualquer
edifícios.
manifestação literária que surge no
ambiente urbano, seja nos bancos,
paredes, postes.

É uma forma interessante de levar a

linguagem literária para os locais de
grande circulação de pessoas.
Estátuas Vivas Instalações Artísticas

I
Exemplos de estátuas vivas. Os artistas nstalação do artista espanhol Francisco
permanecem a maior parte do tempo Pájaro nas ruas de Barcelona, Espanha
imóveis São inúmeros os tipos de instalações
As estátuas vivas são muito artísticas como exemplos de arte de
encontradas nas grandes cidades como rua.
forma de entretenimento turístico.
Podem ser produzidas utilizando
Realizam um importante trabalho com objetos de materiais distintos e têm o
o corpo. Permanecem estáticas durante intuito de provocar uma mudança no
longos períodos e em certos momentos cenário já existente.
realizam pequenos movimentos.
Geralmente, os artistas estão pintados
e caracterizados.
Atividade
Apresentações de Rua Em equipes de 5 alunos, reproduzam
uma obra com base em uma das artes
urbanas apresentadas. Tal produção
deve conter uma explicação e a
amostra da obra para os colegas de
classe. Cada equipe terá 15 minutos
para sua apresentação.

Apresentação circense realizada em

praça
Essas apresentações de rua podem ser
de caráter teatral, musical, circense
(malabaristas, palhaços, etc.), sendo
trabalhos solos ou em grupos.

Costumam atrair muitas pessoas para

apreciar o trabalho dos artistas.