COLÉGIO CRISTO REDENTOR

Professor: Claudlene
Aluno: Alana Maria Braga Mendonça

DIÁRIO DE BORDO REFERENTE AO ITINERÁRIO

APROVA ARTES

ARAPIRACA
JUNHO/2023
 ÍNDICE
Introdução.......................................................................................................................pág: 3.

Registros.........................................................................................................................pág: 4.

Considerações...............................................................................................................pág: 13.
 1- INTRODUÇÃO

O presente Diário de bordo é um instrumento de avaliação do itinerário formativo Aprova

Artes e traz em seu bojo os objetivos e detalhamento da aula do referido Itinerário, assim
como anexo das atividades desenvolvidas durante o 2° bimestre de 2023. Sendo assim este
diário de bordo é de suma importância para o processo avaliativo.
 2- REGISTRO DE AULAS

2.1 Tema: Expressionismo

Objetivo: Expressionismo nas artes é transmitir as emoções, as experiências e

as visões subjetivas dos artistas, desafiando a realidade convencional e criando
uma experiência visual e emocional intensa e impactante para o espectador.

Detalhamento: O expressionismo é um movimento artístico que emergiu no

início do século XX, principalmente nas áreas da pintura, escultura, literatura,
cinema, teatro e música. Foi uma reação ao impressionismo e buscava expressar
emoções intensas e subjetivas por meio de formas distorcidas, cores vibrantes e
pinceladas exageradas.

Características do expressionismo nas artes incluem:

1. Subjetividade e emoção: O expressionismo se concentra nas emoções e

estados de espírito do artista, muitas vezes retratando experiências emocionais
intensas, como medo, angústia, alienação e desespero.

2. Distorsão e exagero: As formas e figuras são frequentemente distorcidas ou

exageradas para enfatizar a expressão emocional. Linhas curvas e gestuais, cores
intensas e contrastes marcantes são usados para criar uma sensação de tensão e
drama.

3. Simbolismo e alegoria: O expressionismo muitas vezes utiliza símbolos e

alegorias para transmitir mensagens e significados mais profundos. Esses símbolos
podem representar emoções, conflitos sociais ou questões existenciais.

4. Rejeição da realidade objetiva: Os artistas expressionistas não se

preocupavam em retratar a realidade de maneira precisa. Ao invés disso, eles
buscavam expressar a realidade interior e subjetiva, desafiando convenções e
representando o mundo de acordo com suas percepções individuais.

5. Crítica social e política: Muitos artistas expressionistas expressaram

críticas sociais e políticas em suas obras, refletindo as mudanças e tensões da
sociedade da época. Eles exploraram temas como a alienação do indivíduo na
sociedade industrializada, as consequências da guerra e as desigualdades sociais.
Alguns artistas expressionistas proeminentes incluem Edvard Munch, Wassily
Kandinsky, Ernst Ludwig Kirchner, Egon Schiele e Franz Marc. O expressionismo
deixou um impacto duradouro nas artes visuais, influenciando movimentos
posteriores, como o abstracionismo e o surrealismo, e continua a ser uma forma de
expressão artística poderosa até os dias de hoje.
2.2 Tema: Arte Degenerada

Objetivo: O objetivo do regime nazista ao rotular a arte como "degenerada" era

promover uma visão restrita e controlada da cultura, eliminando as influências
artísticas que não se alinhavam com a ideologia política e social do partido.

Detalhamento: A "arte degenerada" é um termo usado pelo regime nazista

durante a Segunda Guerra Mundial para desacreditar e perseguir formas de arte
consideradas contrárias aos valores nazistas. O termo em si é altamente pejorativo
e foi usado para se referir a uma ampla gama de estilos artísticos modernos,
incluindo o expressionismo, o cubismo, o dadaísmo, o surrealismo e outras formas
de arte não conformes com a estética e ideologia nazista.

A exposição "Entartete Kunst" (Arte Degenerada), organizada em 1937, em

Munique, foi um evento importante nessa campanha contra a arte moderna. A
exposição apresentava obras de arte consideradas "degeneradas" pelos nazistas,
e o objetivo era ridicularizar e desacreditar os artistas e seus trabalhos. As obras de
arte foram exibidas de forma caótica, com comentários depreciativos e distorcidos
sobre os artistas e suas intenções.

A propaganda nazista retratava a "arte degenerada" como uma ameaça à

sociedade alemã, associando-a à decadência, imoralidade e corrupção. Os artistas
considerados "degenerados" foram perseguidos, suas obras confiscadas e muitas
delas foram destruídas.

No entanto, é importante destacar que o termo "arte degenerada" é altamente

subjetivo e não tem embasamento artístico ou cultural legítimo. A perseguição e
difamação da "arte degenerada" pelos nazistas foram movimentos de censura e
controle da liberdade de expressão, buscando impor uma estética e ideologia
específicas.

Após a Segunda Guerra Mundial, a arte considerada "degenerada" foi reavaliada e

reconhecida por sua importância histórica e artística. Hoje, esses movimentos
artísticos são estudados e apreciados como parte da história da arte moderna,
representando uma expressão criativa e inovadora em seu tempo.
2.3 Tema: Abstracionismo

Objetivo: O objetivo do abstracionismo nas artes é explorar uma linguagem

visual não figurativa, utilizando-se de formas, cores e composições abstratas para
criar uma experiência estética e emocionalmente envolvente.

Detalhamento: O abstracionismo é um movimento artístico que emergiu no

início do século XX, caracterizado pela representação abstrata de formas e cores,
distanciando-se da representação figurativa tradicional. Os artistas abstracionistas
buscavam se libertar das limitações da representação realista e explorar a
linguagem visual de forma mais subjetiva e não representativa.

Existem duas principais correntes do abstracionismo:

1. Abstracionismo Geométrico: Também conhecido como abstração

geométrica, esse estilo busca a simplificação e a ordem na representação abstrata.
Utiliza formas geométricas, linhas retas e cores planas para criar composições
equilibradas e estruturadas. Artistas como Piet Mondrian, Theo van Doesburg e
Kazimir Malevich foram pioneiros nesse estilo.

2. Abstracionismo Lírico: Também chamado de abstração lírica ou

expressionista abstrato, esse estilo se concentra mais na expressão emocional e na
espontaneidade. É caracterizado por pinceladas gestuais, formas orgânicas e uso
expressivo da cor. Artistas como Wassily Kandinsky, Joan Miró e Mark Rothko foram
importantes representantes dessa corrente.

Além dessas correntes, o abstracionismo também abrange uma variedade de

estilos e abordagens individuais, cada um com suas próprias características
distintas. A abstração permite aos artistas explorar a composição, a cor, a forma e
a textura de maneira livre, criando uma linguagem visual que transcende a
representação literal.

O abstracionismo teve um impacto significativo no desenvolvimento da arte

moderna e contemporânea. Rompendo com as tradições acadêmicas, abriu
caminho para novas formas de expressão artística, influenciando movimentos
subsequentes, como o expressionismo abstrato, o minimalismo e o op art.

Ao eliminar a necessidade de representação figurativa, o abstracionismo oferece

aos espectadores uma experiência visual mais aberta à interpretação individual.
2.4 Tema: Surrealismo

Objetivo: O objetivo do surrealismo nas artes é explorar o mundo do

inconsciente, do irracional e do imaginário por meio de imagens e formas que
desafiam a lógica e a realidade objetiva.

Detalhamento: O surrealismo é um movimento artístico e literário que surgiu

na década de 1920, com forte influência das ideias psicanalíticas de Sigmund
Freud. Foi uma reação ao racionalismo e à lógica objetiva, buscando explorar o
inconsciente, os sonhos e a imaginação como fontes de inspiração artística.

Características do surrealismo nas artes incluem:

1. Representação do inconsciente: Os artistas surrealistas buscavam

representar elementos e imagens que surgem do inconsciente, explorando o
mundo dos sonhos, da fantasia e do subconsciente. Suas obras muitas vezes
apresentam elementos desconexos e não lógicos, combinando elementos
aparentemente contraditórios em uma única imagem.

2. Automatismo e escrita automática: Os artistas surrealistas valorizavam

o processo criativo espontâneo e sem controle consciente. Usavam técnicas como
o automatismo, em que deixavam a mão ou a mente agir livremente, sem
intervenção racional. A escrita automática era uma prática comum na literatura
surrealista, onde os escritores escreviam sem censura ou restrição, permitindo que
as palavras fluíssem naturalmente.

3. Colagem e sobreposição: A técnica da colagem era frequentemente

utilizada pelos surrealistas, combinando elementos e imagens de diferentes origens
para criar novos significados e contextos. A sobreposição de imagens, objetos e
formas não relacionadas também era comum, desafiando a lógica e criando
associações inesperadas.

4. Simbolismo e significado oculto: As obras surrealistas frequentemente

continham símbolos e significados ocultos, evocando uma sensação de mistério e
provocando a imaginação do espectador. Os símbolos utilizados podiam variar,
representando desejos reprimidos, medos, anseios ou questões sociais e políticas.
5. Liberdade de expressão e subversão: O surrealismo era um movimento
artístico que buscava romper com as convenções e normas estabelecidas. Os
artistas surrealistas exploravam temas tabus, provocavam choque e desafiavam as
normas sociais e culturais existentes.

Alguns artistas surrealistas proeminentes incluem Salvador Dalí, René Magritte,

Max Ernst, André Breton e Frida Kahlo. O surrealismo teve um impacto significativo
nas artes visuais, na literatura, no cinema e em outras formas de expressão
artística. Até hoje, suas ideias e técnicas continuam a influenciar e inspirar artistas
em todo o mundo.
 3- CONSIDERAÇÕES FINAIS
Cada uma dessas correntes artísticas contribuiu para a evolução da arte,
desafiando as convenções estabelecidas e oferecendo novas formas de expressão
e compreensão do mundo. Elas nos ensinam a valorizar a subjetividade, a
criatividade e a liberdade na arte, ampliando nossos horizontes e estimulando
nossa reflexão sobre a sociedade, a cultura e a própria condição humana.