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Fábio M. Júnior

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 Mesopôtamia

Mesopotâmia, que em grego quer dizer ‘terra entre rios’, situava-se entre os rios
Eufrates e Tigre e é conhecida por ser um dos berços da civilização humana. Localizada no
Oriente Médio, atualmente esta histórica região constitui o território do Iraque.

Há cerca de 4.000 a.C., grupos tribais da Ásia Central e das montanhas da Eurásia chegaram ao
local devido às extensas áreas férteis próximas aos rios, além da vantagem de terem água
próxima, fornecendo subsídio para pesca, alimentação e transporte. Pelos mesmos motivos
chegaram, tempos depois:

Sumérios
Desenvolveram um importante sistema de canalização dos rios para melhor armazenar a água
para sua comunidade. Também criaram a escrita cuneiforme, registrando os detalhes de seus
cotidianos através de placas de argila, e os zigurates, construções piramidais que serviam de
armazenamento de produtos agrícolas e de prática religiosa. As cidades-Estado de Nipur,
Lagash, Uruk e Ur datam da época dos sumérios.

Babilônios
Criaram os primeiros códigos de lei para controlar a sociedade, como as Leis de Talião,
formuladas pelo Imperador Hamurabi, que previam castigos severos aos criminosos de acordo
com a gravidade de seus delitos. Por volta do século VII a.C., o Imperador Nabucodonosor II, que
formava o Segundo Império Babilônico, ordenou que fossem construídos dois templos que
serviriam de grande reverência arquitetônica: os Jardins Suspensos e a Torre de Babel.

Assírios
Tinham uma ampla organização militar e eram ávidos pela guerra. Quando dominavam
determinados territórios, impunham castigos cruéis aos inimigos como forma de intimidá-los, para
demonstrarem sua hegemonia.
Além destes, os acádios, caldeus e amoritas, dentre outros, também constituíram a sociedade
mesopotâmica. Eles eram povos politeístas (acreditavam em vários deuses) e tinham uma ligação
religiosa com a natureza.

Fonte: https://www.infoescola.com/historia/mesopotamia/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Em grego, significa "terra entre rios".

02) O que os assírios sentiam ao dominar territórios e propor castigos
Cruéis aos inimigos?
03) Continente que possibilitou água, alimentação e transporte aos grupos tribais.
04) Quem era beneficiada com a canalização dos rios?
05) Criaram as primeiras leis com castigos severos.
06) Criaram a escrita cuneiforme.
07) País do oriente médio, onde se localiza a mesopotâmia.
08) Foram construídos dois. Um deles: torre de babel.
09) Termo estabelecido para controlar a sociedade.
10) Acreditavam em "deuses" e tinham uma conduta cruel ao dominar territórios.

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 Arte Bizantina

A arte bizantina diz respeito à arte de caráter, eminentemente religioso que foi produzida no Império
Bizantino – leste do Império Romano após sua divisão em 395 d.C.

Após a divisão do Império Romano em duas partes em função de conflitos políticos e problemas com as
fronteiras, o Imperador Constantino transferiu a capital do império para Bizâncio, adotando o nome
de Constantinopla. A então capital Constantinopla foi o centro artístico mais importante desse período.

A arte bizantina, em função de sua localização geográfica, incorporou características do oriente como Ásia
Menor e Síria, além de influências greco-romanas. A arte bizantina se destacou na pintura, na escultura,
mas foi o mosaico e a arquitetura que se destacaram de forma mais expressiva. Ao contrário do que
parece ela não tinha apenas finalidade decorativa, mas também possuiu um objetivo didático e educativo
ao orientar os fiéis, especialmente os analfabetos, no entendimento das passagens bíblicas por meio de
reproduções da vida de Cristo. Em função disso os artistas deveriam seguir fielmente um padrão e as
tradições, desse modo os artistas não poderiam mais seguir sua imaginação e criatividade.

A arte Bizantina pode ser dividida em dois momentos que marcam essa divisão que deu-se em função de
ideias e conflitos religiosos e filosóficos que acabaram por destruir grande parte das pinturas, esculturas e
mosaicos das igrejas. Os grupos que eram contra qualquer imagem de natureza religiosa eram chamados
de iconoclastas que significa destruidores de imagens. Somente por volta do século IX é que as imagens
voltam a decorar as Igrejas.

Na pintura Bizantina ganham destaque os afrescos nas paredes das igrejas, as pinturas em painéis
portáteis e as miniaturas usadas nas ilustrações dos livros. Como exemplo pode-se citar a Madona
Entronizada, têmpera sobre painel, pintura datada do final do século XIII. As esculturas não são muito
frequentes na arte Bizantina, no entanto as esculturas criadas são geralmente trabalhadas em marfim.

Os mosaicos ganham destaque especial na arte Bizantina como expressão máxima desse período. Os
mosaicos eram confeccionados com pequenos pedaços de pedras e vidros sobre cimento fresco. Os
mosaicos ilustravam além das passagens bíblicas, retratos do imperador. Justiniano e seu Séquito (547
d.C.) é um bom exemplo da aplicação dessa técnica. Nele as figuras humanas são representadas com
corpos alongados e rígidos, cabeças e pés pequenos com grandes olhos, toda representação de
movimento na cena é excluída, sugerindo um novo ideal de beleza.

Na arquitetura a característica básica das construções bizantinas são as cúpulas sustentadas por colunas
ou arcos, criando espaços de grandes dimensões. A Igreja de Santa Sofia é a mais grandiosa desse
período, foi construída em 532-537 d.C. pelos arquitetos Antêmio de Trales e Isidoro de Mileto.

Fonte: https://www.infoescola.com/artes/arte-bizantina/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Capital que foi o centro artístico mais importante do período.

02) Foi um bom exemplo da técnica do mosaico.
03) Igreja mais grandiosa do período da arte bizantina na arquitetura.
04) Foi produzida no império bizantino.
05) A arte bizantina tinha além de finalidade decorativa, outros objetivos. Ajudar...
06) Local onde a arte bizantina ganhou destaque.
07) Não é muito presente na arte bizantina.
08) Foi a maior expressão da arte bizantina.
09) Termo da pintura utilizados em destaque nas paredes das igrejas.
10) É característica da arquitetura da arte bizantina.

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 Renascimento

O Renascimento (ou Renascença, Renascentismo) foi, ao mesmo tempo, um período histórico

e um movimento cultural, intelectual e artístico surgido na Itália, entre os séculos XIV e XVII, e
atingiu seu ápice no século XVI. Como sabemos, renascimento significa, literalmente, nascer
novamente. Por isso, esse termo foi utilizado para indicar o movimento de retomada da cultura
clássica greco-romana. Embora a Itália, especialmente Florença, sejam consideradas o berço da
Renascença, ela se expandiu para outras regiões européias, tais como Alemanha, Flandres e o
norte dos Alpes.

Vejamos alguns acontecimentos históricos que contribuíram para o seu desenvolvimento. O

Renascimento está situado num período de transição entre a Idade Média e a Modernidade, o
que corresponde ao final do Feudalismo e início do Capitalismo. Naquele momento, uma
importante mudança no modo de perceber o mundo estava ocorrendo: passava-se de um
pensamento predominantemente teocêntrico - onde tudo se explica a partir de uma origem divina
- para uma visão de mundo antropocêntrica, onde o homem assume papel central em relação ao
universo. Tais pensamentos resultaram no surgimento do Humanismo, um movimento intelectual
que se dedicou a valorizar a condição humana e suas múltiplas possibilidades de realizações e
descobertas em variados campos do saber, tais como a ciência, a literatura e as artes.

Os italianos daquela época identificaram esses ideais na poderosa Roma Antiga e, com o intuito
de reviver esse período, buscaram retomar os seus valores, hábitos, literatura e mitologias. Para
isso, os artistas renascentistas estabeleceram como parâmetros para as suas produções as
antigas obras clássicas greco-romanas, consideradas, por eles, o que de melhor havia sido
produzido em termos artísticos até então. Ao fato de reviver os padrões da antiga Arte Clássica,
tais como realismo, simetria e beleza, é que consideramos o Renascimento como o segundo
momento da Arte Clássica na história da arte.

Durante o Renascimento houve um grande desenvolvimento naval, comercial e urbano, o que

resultou em um significativo crescimento econômico, que deu origem a uma nova classe social,
a burguesia. Em virtude dessa ascensão social de uma parcela da população, surgiu um modo
diferente de relação entre a arte e a sociedade: o mecenato. O mecenas foi uma figura de
extrema importância nesse contexto, pois costumava patrocinar os artistas e suas obras,
auxiliando assim na expansão de múltiplos talentos. Sem esse cenário econômico favorável,
talvez o Renascimento não encontrasse condições para se desenvolver.

Fonte: https://www.infoescola.com/movimentos-culturais/renascimento/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Foi uma poderosa referência para os italianos da época.

02) Surgiu na Itália.
03) Surgiu durante o Renascimento.
04) O renascimento ocasionou o início do...
05) Esteve presente no desenvolvimento histórico do Renascimento.
06) Teve um crescimento significativo durante o Renascimento.
07) Foi responsável por valorizar possibilidades, como: ciência, literatura e as artes.
08) Além da Itália, o renascimento esteve presente também na...
09) É considerada o berço renascença.
10) Apoiaram financeiramente artistas e sua obras.

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 Barroco

Barroco é o termo que serve para designar a arte que surgiu já no fim do século XVII na Itália e que teve seu auge
no século XVIII, espalhando-se posteriormente para outros países da Europa e América Latina, além disso, o barroco
também se manifestou na literatura e no teatro. A arte barroca foi o estilo que sucedeu o Renascimento, ambos os
estilos compartilhavam do gosto pela antiguidade clássica. A expressão “Barroco” significa absurdo ou grotesco e foi
assim chamado pelos críticos afim de ridicularizar a arte que abdicava das regras do estilo clássico. Na América
Latina o Barroco ganhou força por meio dos artistas que viajavam para a Europa.

Após a Reforma Protestante e a Contrareforma ocorrida no século XVI, a Igreja Católica perdeu força e apoio na
busca pela retomada das ideias teocentristas. O Barroco surge em meio a crises políticas e religiosas. A Igreja
Católica com o intuito de frear as ideias protestantes, buscou através da arte um meio de reafirmar os valores
cristãos.

A arte barroca apresenta, sobretudo, características bastante detalhistas, dramáticas e expressivas que de alguma
maneira mexem com o emocional do espectador. A pintura barroca assumiu características realistas e um ousado
contraste de claro-escuro a fim de intensificar a noção de profundidade, além disso, a luz tem o objetivo de conduzir o
olhar do espectador à cena principal. Um dos mais notáveis artistas desse período foi o italiano Caravaggio. Sua obra
A Vocação de São Mateus (1596-1598) reflete bem as características citadas anteriormente. O olhar do fruidor fixa-
se no raio de luz que conduz ao acontecimento principal da obra – Jesus à direita apontando para Mateus a
esquerda.

Na escultura se evidencia, especialmente a dramaticidade e teatralidade das expressões, o movimento e exuberância

das formas. Na Itália o trabalho de Bernini ganha destaque pela representatividade do estilo. Suas esculturas
parecem ganhar vida própria causando grande impacto para quem as aprecia. O êxtase de Santa Tereza (1645-
1652) é uma de suas obras mais famosas. A escultura em mármore de tamanho natural está localizada na Igreja de
Santa Maria Della Vittoria e parecem flutuar e dominar as emoções do espectador.

Na arquitetura, o Barroco utilizou elementos para dar a impressão de dinamismo, esplendor e grandiosidade tanto
nas fachadas quanto no interior. Elementos sinuosos como os espirais e formas contorcidas eram usados para
conferir efeitos ilusórios reforçando a impressão de movimento ascensional. Francesco Borromini, artista Barroco,
entre muitos obras construiu a Igreja de Sant'Agnese in Agone e de a Igreja de Sant'Andrea delle Fratte, ambas
em Roma.

No Brasil a arte barroca permaneceu durante o período colonial e serviu para facilitar o doutrinamento católico além
da decoração de igrejas. Na arquitetura destacam-se as inúmeras igrejas em várias regiões do país como, por
exemplo, a Igreja de São Francisco em Salvador e a Igreja de Santo Antônio em Cairu. Ambas são consideradas
ricas expressões do Barroco brasileiro. Quanto à escultura não podemos esquecer o nome de Aleijadinho, um dos
artistas mais notáveis do barroco brasileiro que além de escultor, também projetou varias igrejas. Suas obras estão
espalhas por inúmeras construções religiosas de Minas Gerais, entre elas A Ultima Ceia no Santuário de Congonhas.

Fonte: https://www.infoescola.com/movimentos-artisticos/barroco/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Artista destaque em escultura barroca no Brasil.

02) Esteve presente durante o surgimento do barroco.
03) Material da obra "êxtase", de Santa Tereza.
04) São elementos característicos do barroco.
05) Foi um artista destaque na escultura italiana.
06) Local onde predomina mais o barroco.
07) País onde o barroco se concedeu durante o período colonial.
08) Surgiu no século XVIII.
09) Foi um artista destaque na pintura italiana.
10) Significado de "barroco".

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 Arte Grega

Os gregos nos deixaram um vasto legado cultural nas mais variadas áreas, dando origem a uma das mais
geniais civilizações o mundo antigo. A civilização grega foi formada por uma mistura de diversos povos
nômades de origem indo-européia que tinham em comum a língua e as crenças religiosas. Entre os
principais grupos que habitaram a Península Balcânica, no sul da Europa, estão os micenenses, os dórios,
os jônios e os eólios. Os gregos nunca chamaram a si mesmo de “gregos”, denominavam seu país de
Hélade e, portanto se autodenominaram helenos. Os antigos gregos se sobressaíram especialmente nas
artes. A pintura, a escultura e a arquitetura impressionam pela busca pela perfeição.

No que diz respeito à escultura, os gregos buscavam a máxima aproximação com o real, especialmente
nas figuras humanas, salientando os músculos, os nervos, veias e tudo mais que pudesse conferir
realismo as obras. Os temas das esculturas gregas, frequentemente, envolviam objetivos religiosos como
a representação de deuses e deusas esculpidos em mármore. As representações de figuras masculinas
são em sua grande maioria nus, já as figuras femininas exibem um impressionante drapeamento das
vestes.

As primeiras esculturas gregas, ligadas ao estilo arcaico, têm notável influência das estátuas egípcias,
especialmente no que diz respeito à forma cúbica e a rigidez do corpo. No entanto, é na estatuária grega
que se percebeu, pela primeira vez na história, a ousadia de um artista em produzir uma escultura em
tamanha real sem que ela estivesse presa a um bloco de pedra, ou seja, fazer com que a figura ficasse de
pé, separando a estátua da matéria bruta.

As esculturas do estilo clássico, ao contrário das do estilo anterior, começavam a ganhar movimento e
expressão, atribuindo as estátuas mais vivacidade, diferente da rigidez implantada no estilo arcaico. Um
bom exemplo é a escultura em bronze de Poseidon (460-450 a.c.) com 2,09m.

No estilo helenístico ou pós-clássico o realismo, a expressividade e o tratamento das vestes se acentuam,

bem como a postura dos personagens que ganham um movimento significativo. A Vitória de Samotrácia
(200-190 a.c.), com 2,41 metros de altura é o melhor exemplo desse estilo. Embora tenha sido produzida
em mármore a obra passa uma incrível sensação de leveza.
No que se refere à pintura grega pode-se dizer que ela é um dos primeiros registros da arte grega,
frequentemente encontradas em vasos de cerâmica com características geométricas – triângulos, círculos
e formas em xadrez. Mais tarde, após o amadurecimento da técnica apareceram figuras humanas em
meio aos elementos abstratos e figuras humanas e animais em composições mais elaboradas. Com
frequência os vasos eram usados para fins religiosos como monumentos de túmulos, por exemplo, mas
também atendiam a objetivos decorativos.

Fonte: https://www.infoescola.com/artes/arte-grega/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Foram bem exploradas nessa manisfestação artística.

02) Figuras presentes na arte grega.
03) Modalidade artística em que os gregos buscavam a perfeição.
04) Termo pelo qual os gregos se nominavam.
05) Obra produzida com mármore que possúi 2,41 metros de altura. Conhecida com vitória de...
06) Estilo das primeiras esculturas gregas.
07) Nome destinado a uma mistura de povos da civilização grega.
08) Foram utilizados para fins religiosos.
09) Poderoso deus esculpido de bronze.
10) Habitaram uma península, no sul da europa.

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 Rococó

O estilo rococó aparece na Europa do século XVIII e, tendo a França como seu principal
precursor, se espalha em vários países do Velho Mundo e alcança algumas regiões das
Américas, como o Brasil. Para muitos historiadores da arte, o rococó pode ser visto como um
desdobramento do barroco em que vários artistas passam a valorizar o uso de linhas em formato
de concha e a função decorativa que a arte poderia exercer.

A expressão “rococó” tem origem na palavra francesa rocaille, que designava comumente uma
maneira de se decorar os jardins através do uso de rochas e conchas. Chegando ao século XIX,
o estilo rococó passa a ser utilizado também para definir outras manifestações desenvolvidas nos
campos da arquitetura e das artes ornamentais. No ano de 1943, graças à pesquisa de Fiske
Kimball, esse movimento deixa de ser visto como uma variante do barroco para assumir
características próprias.

Em geral, a substituição das cores vibrantes do barroco por tons rosa, verde-claro, estabelecem
uma primeira diferenciação entre os dois estilos. Além disso, a originalidade do rococó é conferida
no abandono das linhas retorcidas e pela utilização de linhas e formas mais leves e delicadas. Do
ponto de vista histórico, essa transformação indicava o interesse burguês em alcançar o prazer e
a graciosidade nas várias obras que eram encomendadas à classe artística da época.

A primeira fase do rococó, compreendida entre 1690 e 1730, procura se afastar dos preceitos
estéticos predominantes no reinado do rei Luís XIV para introduzir o uso de linhas soltas e curvas
flexíveis. Nessa época podemos destacar os relevos e gravuras do artista Jean Beráin, os
quadros de Jean-Antoine Watteau (1684 - 1721) e os projetos decorativos de Pierre Lepautre
(1660 - 1744).

De 1730 a 1770, o rococó amadurece com o surgimento de outros artistas que remodelam as
casas da nobreza e da alta burguesia francesa. Nessa fase podemos destacar os trabalhos de
Jacques de Lajoue II (1687 - 1761), Juste Aurèle Meissonnier (1695 - 1750) e Nicolas Pineau
(1684 - 1754). Esse último artista se destaca pelo projeto de decoração do Hôtel Soubise,
marcado por quadros, linhas, guirlandas, curvas e espelhos que tomam o olhar do observador em
meio a tantos detalhes.

Fonte: https://brasilescola.uol.com.br/historiag/rococo.htm

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Se destacou pela decoração do Hotel Soubise.

02) Principal país em que surgiu o rococó.
03) Para "eles" o Rococó é visto como 'desdobramento do barroco'.
04) Modalidade artística presente na expressão do rococó.
05) Característica das linhas e formas.
06) País americano onde o rococó também se espalhou.
07) Apresenta tons rosa e verde, ao contrário do barroco que apresenta cores...
08) Em 1943, o rococó passou a ter características ...
09) Origem da palavra "rococó".
10) Um dos artistas que se destacaram com a expressão.

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 Neoclassicismo

O Neoclassicismo foi um movimento artístico e cultural surgido na Europa no século XVIII, por volta de
1750 e que visava resgatar os valores estéticos e culturais das civilizações clássicas, especialmente Roma
e Grécia. O Neoclassicismo teve grande expressão na pintura, na literatura, na escultura e na arquitetura,
espalhando-se pelo resto do mundo e perdurando até meados do século XIX.

O termo Neoclassicismo foi criado em função de estar ligado aos ideais clássicos como meio de
compreender as mudanças no mundo contemporâneo. Este movimento estava em conexão com o
Academicismo, e defendia a retomada da arte antiga que era considerada um modelo de equilíbrio,
clareza e proporção, buscando uma simplicidade e pureza estética, principalmente na pintura. O
Neoclassicismo estava em oposição ao rebuscamento e exageros dos detalhes ornamentais do Barroco e
do Rococó. Em contrapartida defendia o rigor formal, a supremacia da técnica e a necessidade de um
esboço em desenho antes da execução da obra, seja na pintura ou na arquitetura.

Escavações arqueológicas na Itália e na Grécia (das descobertas das cidades de Herculano em 1738 e
Pompéia em 1748) estimularam o Neoclassicismo a se aprofundar mais no mundo antigo, evidenciando
em especial sua cultura, estética e moral.

Além da supervalorização dos padrões estéticos das artes antigas o Neoclassicismo se caracteriza,
também, por ter uma forte influência do Iluminismo, sobre suas ideias ligadas a razão. Na pintura, retratos,
heróis e seres mitológicos da cultura grega foram temas constantes, bem como o uso de cores frias e a
valorização da perspectiva. Merecem destaque pintores como Jacques-Louis David e Jean Auguste
Dominique Ingres.

Na literatura, é possível identificar características como a síntese, a clareza e a perfeição gramatical.

Esses traços davam-se por meio do uso de um vocabulário simples e a escolha de temas associados ao
cotidiano, à natureza e à mitologia.

Na escultura há uma forte influência das formas clássicas do Renascimento, em especial no uso do
mármore. Assim como na pintura o uso de temas como heróis e da mitologia grega foram recorrentes na
escultura. Em posição aos escultores barrocos que pintavam suas obras, os artistas neoclássicos davam
preferência pela cor branca natural do mármore. Antônio Canova foi um dos escultores de maior
relevância desse período, destaca-se sua obra Eros e Psiquê.

A arquitetura também sofre influência do Renascimento e do racionalismo iluminista. O Panteão de Paris

na França e o Portão do Brandemburgo em Berlim são os principais exemplos de arquitetura desse
movimento.

Fonte: https://www.infoescola.com/artes/neoclassicismo/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Foi uma das arquiteturas principais do neoclassicismo.

02) Linguagem da arte presente nesse período. Sua Abordagem era direcionada à perfeição da
gramática.
03) Um dos pintores destaque desse período.
04) Técnica característica do período do neoclassicismo para execução da obra.
05) Cores características do Neoclassicismo sob influência do iluminismo.
06) Foi um dos temas recorrentes na escultura desse período.
07) Onde surgiu o neoclassicismo?
08) Termo utilizado para causar uma "boa aparência" principalmente na pintura.
09) Foi um dos países que estimulou o neoclassicismo a se aprofundar no mundo antigo.
10) Sofreu influência do Renascimento.

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 Romantismo

O Romantismo é uma escola literária do século XIX. Surge na Alemanha, num movimento
chamado Sturm und Drang (tempestade e ímpeto). Esse movimento se baseia na emoção
exacerbada e se opõe ao equilíbrio artificial do arcadismo. Da Alemanha, o movimento se espalha
pela Inglaterra e França, alcançando toda a Europa.

A estética romântica é burguesa por excelência. Seu contexto histórico nos remete à Revolução
Francesa que levou a burguesia ao poder. Era preciso uma arte que fomentasse o espírito
burguês. Assim, o homem romântico defendia uma estética totalmente oposta à árcade
(considerada estética da nobreza) valorizando a expressão do sentimento em oposição à
valorização da razão; a inspiração poética em detrimento ao convencionalismo amoroso árcade.
Os românticos não viam mais a natureza como objeto de imitação, como os árcades, mas sim
como objeto de inspiração. Dar razão ao sentimento era fundamental.

Os burgueses defendiam que a partir do esforço individual era possível se obter sucesso; o
mesmo pensamento ocorria com o romântico que defendia a subjetividade e a individualidade
como algo a ser defendido nas artes. Apenas os temas que expressassem o sentimento individual
eram valorizados. Contraditoriamente, como esses sentimentos eram universais (amor, traição,
por exemplo), o romantismo torna-se uma estética que prega o sentimento individual de forma
universalizada. Assim, o romantismo valorizou muito os romances epistolares – que tinham
feições de cartas, como se a ficção fosse real e que traziam a os segredos da intimidade,
relacionamentos amoroso íntimos, mas sentimentos universais. Vale ressaltar que o romance é
um gênero burguês por excelência e apenas no romantismo se torna amplamente difundido. Era
o romance o gênero textual capaz de dar vazão ao ideal burguês.

Outra consequência pós-Revolução francesa foi o escapismo e a utopia. Os revolucionários se

desencantaram com as consequências da revolução francesa e suas promessas de sucesso não
cumpridas – não houve muitas mudanças sociais com a Revolução. Essa frustração levou o
homem romântico a ansiar pela fuga de sua realidade (escapismo), por um mundo melhor e
perfeito – utópico – que só era possível no passado histórico (medievalismo e historicismo).

Em Portugal, assim como toda a Europa, o romantismo ganha espaço por conta de uma
necessidade de renovação. O principal nome do Romantismo lusitano foi Almeida Garret que traz
o novo pensamento artístico para Portugal por meio de seu contato com Lord Byron.

Fonte: https://www.infoescola.com/literatura/romantismo/

17
 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Período do passado histórico.

02) Umas das razões mais determinantes do romantismo.
03) Defendiam o Esforço individual de cada um.
04) O romantismo se espalhou por vários países da Europa, dentre eles a...
05) Causou o equilíbrio artificial do arcadismo.
06) Onde surgiu o romantismo?
07) É um gênero burguês.
08) Era fonte de inspiração para os românticos.
09) País em que o romantismo ganhou espaço por necessidade de Renovação.
10) Um dos sentimentos presentes no romantismo.

18
 Realismo

O Realismo é uma estética do século XIX que defende a objetividade, a moderação do

sentimentalismo e a visão científica, opondo-se ao Romantismo.

Após a efervescência literária romântica, houve retorno ao pensamento científico

do Renascimento.

O realismo surge na França e de lá se espalha. Em Portugal, o Realismo ficou marcado pela

Questão Coimbrã – desavença (publicada em jornal em 1865) entre novos escritores, acusados
de “exibicionistas e propositada obscuridade”, e escritores mais velhos. Desse grupo de novos
escritores faziam parte Antero de Quental, Eça de Queirós e Teófilo Braga. Antero defendia a
independência artística dos novos autores. O grupo envolvido na Questão Coimbrã se reuniu nas
Conferências democráticas que pretendiam reformar as letras lusitanas com algumas propostas
como ligar Portugal ao movimento moderno da Europa e tratar de questões da Filosofia e da
Ciência moderna, além de estudar a condições políticas, econômica e religiosa da sociedade
portuguesa: primórdios dos fundamentos realistas. Como marco literário da estética, temos o ano
de 1871, quando Eça de Queirós discursa sobre o Realismo como nova expressão de arte.

Dentre as características da literatura dessa época temos o gosto pelo progresso da ciência em
reação ao convencionalismo amoroso dos românticos. Nomes como o químico Berthelot, o
biologista Pasteur e o naturalista Charles Darwin, criador da teoria evolucionista (o darwinismo é
uma das características dessa estética). Há a aplicação de grandes descobertas da ciência à vida
social. A nova estética encontrou amparo na ciência que muito modificou a sociedade com a
revolução tecnológica: telégrafos, locomotivas, máquinas a vapor, luz elétrica, o telefone de
Graham Bell; todas essas mudanças atribuíram um olhar mais científico à literatura. A base
filosófica tem justamente esse apelo científico: a teoria positivista de Auguste Comte que defende
a sistematização dos eventos sociais como nas ciências exatas, ou seja, a observação da
sociedade segundo métodos científicos. Assim, defende a observação objetiva dos fenômenos
sociais – a sociologia ganhou grande destaque nesse período.

Os principais nomes do realismo lusitano são Eça de Queiros e Antero de Quental.

A obra de Antero de Quental foi basicamente poética: publicou Primaveras românticas (1872),
poemas marcados por certo ceticismo em relação ao amor (o que o coloca como realista). Outra
obra de caráter marcadamente realista é a publicação de Odes Modernas (1865, ano da questão
coimbrã).
Fonte: https://www.infoescola.com/literatura/realismo/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Criador da teoria evolucionista.

02) Modificou a sociedade com o uso da tecnologia.
03) Publicou o poema "primaveras românticas".
04) Defendeu a sistematização dos eventos sociais.
05) Fez parte das tecnologias revolucionárias do período realista.
06) Um dos principais nomes do realismo de Portugal.
07) Retornou à literatura romântica através de um pensamento científico.
08) É uma das características da estética do convecionalismo amoroso.
09) Movimento artístico que se impôs ao romantismo.
10) Defendeu a independência artística dos novos autores.

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 Impressionismo

O Impressionismo foi um movimento que se manifestou, especialmente nas artes plásticas no

fim do século XIX na França. Os impressionistas rejeitavam as convenções da arte acadêmica
vigente na época. As pinturas do Impressionismo captavam as impressões perceptivas de
luminosidade, cor e sombra das paisagens, por isso pintavam o mesmo quadro em diferentes
horários do dia.
O termo “impressionista” deriva de uma das obras mais significativas obras desse movimento -
Impressão: Nascer do Sol, de Monet. Outra explicação diz que o termo foi usado pela primeira
vez pelos caluniadores do movimento, que consideravam as obras inacabadas e o nome foi
aceito e adotado pelos artistas desse estilo.

Paul Cézanne (1839-1906), Edgar Degas (1834-1917), Claude Monet (1840-1926), Camille
Pissarro(1830-1903), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) estão entre os principais expoentes do
Impressionismo.

Esses artistas estavam interessados em confinar com a tinta as impressões sensoriais de cor, luz,
som e de movimento, por meio de cores claras e brilhantes bem como pinceladas mais livres e
distintas. Assim como é do conhecimento de todos, as cores da natureza mudam conforme a luz
incidente em determinado horário do dia, e eram essas impressões que os impressionistas
queriam capturar. Os impressionistas estudavam muito sobre os efeitos ópticos, para isso
usavam com frequência recursos fotográficos. Em função disso preferiam trabalhar ao ar livre,
bem como, não se prenderam ao uso da perspectiva e ao uso de modelos. As figuras
representadas não possuíam contornos nítidos, as sombras deveriam ser coloridas e as cores
deveriam ser usadas puras, evitando a mistura de tonalidades.

Claude Monet, principal expoente do Impressionismo, costumava afirmar que só é possível

conhecer um objeto plenamente se for possível experenciar toda gama de possibilidades e
impressões que ele provoca. Ao pintar a tela Catedral de Rouen, Harmonia em azul, de 1893, o
artista pintou a catedral trinta vezes, tentando capturar os as variações de cores em sua fachada.

No Brasil, alguns pintores se destacaram nesse estilo como Eliseu Visconti, Almeida Júnior,
Timótheo da Costa, Henrique Cavaleiro, Vicente do Rego Monteiro e Alfredo Andersen.

Fonte: https://www.infoescola.com/movimentos-artisticos/impressionismo/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Utilizaram recursos fotográficos durante os estudos.

02) Uma das obras de Monet.
03) País em que surgiu o Impressionismo.
04) Pintor iluminista brasileiro.
05) Captavam impressões perceptivas de luminosidade.
06) Movimento artístico que surgiu no fim do século xix.
07) Foi um artista expoente do impressionismo.
08) Elemento visual presente no impressionismo
09) Autor da tela Catedral de Rouen.
10) Claude Monet entre outros artistas davam preferência a cores...

22
 Expressionismo

Podemos dizer que o Expressionismo foi o termo aplicado as diferentes linguagens da arte no início de
século XX. Pode-se classificar o Expressionismo como um movimento heterogêneo, pois abarcou artistas
de diferentes nacionalidades, épocas e formação. Teve seu auge no período correspondente a 1905 a
1920 aproximadamente, e se compôs a partir de diferentes círculos artísticos ao mesmo tempo. Muitos
historiadores empregam esse termo para se referir as obras de outros artistas que compunham a história
da arte. Assim, é possível encontrar as raízes do Expressionismo em obras de outras épocas
como Francis Bacon (1561 – 1626), Goya (1746 – 1828), Edvard Munch (1863 – 1944) e Van Gogh (1853
- 1890), por exemplo, essas podem ser descritas como expressionistas tantos pelos traços como pela
profundidade psicológica.

Os expressionistas usavam cores fortes e vibrantes, figuras destorcidas e por vezes se utilizava da
abstração para tratar temas como a alienação, bem como, faziam uso emocional e simbólico da cor e da
linha. O Expressionismo é a arte dos extremos emocionais, da inquietação e da espiritualidade. Podemos
diferenciar o Expressionismo do Impressionismo, pois em lugar de reproduzir uma impressão do mundo
que o cercava os expressionistas colocavam em suas obras suas próprias conclusões e temperamentos
sobre suas visões do mundo. Assim o Expressionismo passou a se referir a um tipo de arte produzido na
Alemanha no início do século XX e disseminado para outros países abrangendo diferentes artistas de
diferentes tendências. Dois grupos, Die Brücke “A Ponte” (Fundado em 1905) e Der Blaue Reiter “O
Cavaleiro Azul” (fundado em 1911) constituíram as principais manifestações do Expressionismo na
Alemanha.

Com a pretensão de estabelecer uma ponte com as bases para uma arte de futuro o primeiro grupo
recebeu este nome de uma de seus integrantes que eram compostos por: Ernst Ludwig Kirchner, Fritz
Bleyl, Erich Heckel e Karl Schmidt-Rottluff. Ao longo dos anos foi recebendo outros artistas alemães e de
outras nacionalidades. O grupo A Ponte foi influenciado por artistas como Van Gogh, Gauguin e Munch,
além de se inspirarem no gótico alemão e na arte africana. Também sofreram forte influência
do Fauvismo, após visitarem uma exposição de Matisse em Berlim em 1908.

O segundo grupo denominado O Cavaleiro Azul voltou o tema de suas pinturas para uma área mais
subjetiva e mística, buscando revelações espirituais. Tiveram influência de Kandinsky e Jawlensky e usava
uma paleta diversa, com cores mais sutis que o primeiro grupo.

No Brasil um dos nomes mais fortes quando falamos de Expressionismo é de Anita Malfatti. Anita
introduziu as vanguardas europeias no Brasil após um período de estudos na Alemanha. As cores fortes e
vivas de suas pinturas remontam retratos e paisagens. Após críticas a seu estilo de pintura, abandona o
Expressionismo dedicando-se a pintura tradicional.

Fonte: https://www.infoescola.com/artes/expressionismo/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Utilizavam cores fortes e vibrantes.

02) Além da inquietação, é característico do expressionismo.
03) Foi fundado em 1911.
04) Importante pintor expressionista.
05) Influenciou o grupo "o cavaleiro azul".
06) Referência do expressionismo no Brasil.
07) Foi um movimento 'heterogêneo' e teve seu auge a partir de 1905.
08) País em que o expressionismo iniciou no início do XX.
09) Grupo influenciado por diversos artistas expressionistas.
10) Elemento visual utilizado pelos expressionistas.

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 Fauvismo

Fauvismo é uma tendência estética da pintura, surgida no final do século XIX e desenvolvida no início do
século XX, que tinha por características principais o uso exacerbado de cores fortes e o teor dramático nas
obras.

O movimento foi tipicamente francês, iniciou-se por parte dos artistas da época que se opunham a seguir a
regra da estética impressionista, em vigor na época. A tendência foi considerada movimento artístico
apenas em 1905.

O Fauvismo, ou Fovismo, tinha temática leve, baseada na alegria de viver e nas emoções, e não tinha
fundamentação ou intenção crítica nem política. A gradiente de cores é consideravelmente reduzida
nestas obras, mas o papel das cores é extremamente importante nelas, pois eram responsáveis pela
noção de limites, volume, relevo e perspectiva. Além disso, as cores não tinham relação direta com a
realidade, não correspondiam à cor real do objeto representado.

O início do movimento, no final do século XIX, teve como representantes precursores Paul Gauguin
e Vincent Van Gogh. Os estilos destes dois renomados artistas exerceram forte influência sobre os
adeptos do Movimento Fauvista. O Fauvismo influenciou muito a ruptura da arte moderna com a antiga
estética vigente, além disso, modificou a ideia de utilização das cores nas artes plásticas.

O termo surgiu de uma expressão pejorativa, utilizada pelo crítico de arte Louis Vauxcelles ao ver uma
obra de Henry Matisse, em 1905, no Salão de Outono, em Paris. A expressão utilizada pelo crítico, “Les
Fauves”, significa “os selvagens”. Apesar dos artistas seguidores e dos adeptos do movimento renegarem
a nomenclatura, esta acabou ficando na história da arte.

Para o movimento Fauvista, as criações artísticas não possuem relação com intelecto ou sentimentos, ou
seja, a criação artística deve ser livre e espontânea, baseada no instinto, nos impulsos primários. Também
as cores, era levada amplamente em consideração a larga preferência por cores puras, elas são exaltadas
no Fauvismo, e linhas e cores não possuem uma ordem predeterminada, são empregadas nas obras da
mesma forma primária e instintiva que fazem crianças e selvagens, como diziam os próprios artistas.

Os principais nomes do Fauvismo foram Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Georges Braque, Andre Derain,
Jean Puy, Paul Cézanne, Henri Matisse, Kees van Dongen, Raoul Dufy e Georges Roualt.

Fonte: https://www.infoescola.com/artes/fauvismo/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Foi um crítico da arte.

02) Significado de "Les Fauves".
03) Foi um dos principais artistas do Fauvismo.
04) São Fortes e apresentam um teor dramático.
05) Tem como principal característica: cores fortes teor dramático.
06) É objetivo da arte Fauvista, ser livre e...
07) Sinônimo de Fauvismo.
08) O Fauvismo foi um movimento típico de qual país?
09) Produziu uma obra no salão de outono em 1905.
10) Características das cores do Fauvismo.

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 Cubismo

O Cubismo foi um movimento artístico que teve como seus principais expoentes e pioneiros Pablo
Picasso e Georges Braque por volta de 1907, muito embora Cézanne tenha usado, já em 1901, múltiplos
pontos de vista numa única pintura. Fundado no início do século XX, o Cubismo é considerado um dos
movimentos mais influentes desse período. Suas obras tratavam de maneira geométrica as formas da
natureza, assim a representação do universo visual passou a não ter nenhuma obrigação com suas reais
formas, no entanto não chegavam à abstração, pois as imagens representadas ainda permaneciam
figurativas, ou seja, ainda eram reconhecíveis.

Além de seus percursores Pablo Picasso e Georges Braque, outros artistas se destacaram nesse
movimento que influenciou o mundo das artes visuais significativamente, são eles: Albert Gleizes,
Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Robert Delaunay, Roger de La Fresnaye, e Juan Gris.

Embora os temas das pinturas Cubistas tenham sido temas convencionais como autos-retratos e natureza
morta, o modo como os artistas desse movimento representavam sua visão dos objetos era considerado
muito ousado, pois rompia como a perspectiva tradicional e a linha de contorno.

Os cubistas utilizavam pontos de vistas diversos e cambiantes. Desse modo, ao olharem para uma
cadeira, por exemplo, a representavam na pintura, por diferentes ângulos: de cima, de baixo, de lado ou
de cabeça para baixo. Assim, esses artistas tentavam capturar todos esses pontos de vistas num mesmo
plano. Essa é a principal característica das pinturas cubistas.

Para tanto se apropriaram do uso das formas geométricas, das linhas retas, da colagem e da perspectiva
confusa. É possível dividir o movimento cubista em duas linhas: Cubismo Analítico que se baseou na
observação, fragmentação e representação de um determinado tema e o Cubismo Sintético que se
baseou em técnicas voltadas a colagem. Não há como falar de Cubismo sem citar o nome do seu grande
expoente Pablo Picasso. A obra Les Demoiselles d''Avignon (As Senhoritas de Avignon) de 1907 foi o
marco zero do Cubismo, rompendo com o clássico e influenciado pelas esculturas de origem africanas.
Nessa tela o autor tratou a nudez feminina, geralmente marcada por curvas, com linhas retas, planos e
formas geométricas. Um escândalo para os padrões de arte daquele período. Picasso estudava e
observava a forma dos objetos com afinco captando todas as suas possibilidades. A exploração de novos
temas, cores, formas e movimento marcaram os objetivos dos integrantes desse movimento,
transformando a arte para sempre.

No Brasil o Cubismo começou a ganhar destaque entre os artistas brasileiros somente depois da Semana
de Arte Moderna. Muitos desses artistas foram influenciados pelo Cubismo, assim é possível encontrar
traços das características cubistas nas obras de Tarsila do Amaral, Anita Malfatti e Di Cavalcanti.

Fonte: https://www.infoescola.com/artes/cubismo/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Artista brasileira influenciada pelo cubismo.

02) País onde o cubismo ganhou destaque depois da semana da arte moderna.
03) Elemento artístico presente no cubismo.
04) Técnica do Cubismo voltada para colagem.
05) Ao contrário do abstrato, são obras "reconhecíveis".
06) Produziu a obra "Senhoritas de Avignon".
07) Foi pioneiro do movimento artístico: cubismo, junto ao artista Pablo Picasso.
08) Técnica que se baseou na observação, fragmentação e representação de um determinado
tema.
09) O Cubismo apresenta como sua principal características, formas...
10) Foi um dos movimentos mais influentes do século XX.

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 Abstracionismo

Abstracionismo atribui-se a toda forma de representação bidimensional ou tridimensional, não

subordinado pela figuração ou imitação da natureza. No âmbito da Artes Visuais, o termo Arte
Abstrata está relacionado as vanguardas da primeira metade do século XX. Em vista disso,
provocou muita indignação entre os apreciadores de arte mais tradicionais. A Arte Abstrata, assim
como muitas outras vanguardas da Arte Moderna, era considerada de extremo mau gosto pela
elite que ainda preferia ver nas pinturas e nas esculturas algo que representasse a realidade e de
preferência que promovessem ideais clássicos e perfeição artística.

A Arte Abstrata tinha o objetivo de encontrar uma nova forma de expressão plástica, distanciada
das formas figurativas ou representação da natureza. Caracteriza-se pela decomposição da
figura, simplificação da forma, novo uso das cores e descarte da perspectiva ou técnicas de
modelagem. É possível dizer que a origem do Abstracionismo remonta alguns movimentos como
o Suprematismo, o Construtivismo, o Neoplasticismo e o Expressionismo Abstrato, muito embora
os artistas desses movimentos fizessem abstrações, eles evitavam falar em abstracionismo,
tendo percebido que soaria impróprio para a época.

Wassili Kandinsky é considerado o pioneiro na criação de pinturas nesse formato. Suas

pinceladas vigorosas de cores fortes eram orientadas pelo misticismo, apoiado na Teosofia. Outro
artista que ganhou grande destaque nesse panorama foi Piet Mondrian. Suas pinturas, também,
tiveram grande influência mística da Teosofia e eram marcadas pelo rigor geométrico, linhas retas
e cores vibrantes. Além de Mondrian, destacou-se nesse período Kasimir Malevich como um dos
maiores expoentes do abstracionismo geométrico. Malevich foi o fundador do Suprematismo e
levou o abstracionismo a sua forma mais simples, buscando a pureza plástica, como é possível
ver em “Quadrado Branco sobre Fundo Branco” de 1918.
Além dessa vertente mais geométrica da Arte Abstrata, outra vertente também foi significativa
nesse cenário, foi o Expressionismo Abstrato, também conhecido como Action Painting,
caracterizado pela busca no inconsciente de símbolos de valor universal. Este foi o primeiro
movimento que se originou nos Estados Unidos e ganhou reconhecimento internacional. Jackson
Pollock tornou-se conhecido pela sua forma de pintura singular, lançando ou gotejando de forma
dramática a tinta que escoria sobre a tela, métodos revolucionários e incomuns para a época.

No Brasil a Arte Abstrata ganhou visibilidade na 1º Bienal de São Paulo em 1951 e teve como
alguns expoentes: Iberê Camargo, Lígia Clarck e Hélio Oiticica.

Fonte: https://www.infoescola.com/artes/abstracionismo/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Tinha como objetivo: encontrar uma forma de expressão plástica, distanciada das formas figurativas.
02) Muitos artistas evitaram falar essa palavra na época, pois soaria de maneira imprópria.
03) Tem relação com o termo "arte abstrata".
04) Foi pioneiro da pintura abstrata.
05) Suas pinturas apresentavam rigor geométrico, linhas retas e cores vibrantes.
06) É possível dizer que o abstracionismo remontou alguns movimentos, como por exemplo o...
07) Foi fundando por Malevich.
08) Foi um dos maiores expoentes do abstracionismo Geométrico.
09) Expôs no Brasil, logo na 1º bienal de São Paulo em 1951.
10) Artista que ficou conhecido pela sua maneira de pintar, lançando ou gotejando a tinta de maneira
dramática.

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 Dadaísmo

Dada termo em francês que significa “cavalinho de pau” ou “brinquedo de criança”. Esse foi o
nome escolhido aleatoriamente pelos criadores do movimento ao folhear um dicionário. Esse
termo marca a falta de sentido que pode ter a linguagem assim como a fala de um bebê,
salientando o caráter antirracional e de causalidade desse movimento de vanguarda europeia. O
acaso e o nonsense - que quer dizer sem sentido - foram fundamentais nos conceitos dadaístas.
Além disso, o movimento mostrou-se radicalmente avesso a Primeira Guerra Mundial,
ao nacionalismo e ao materialismo que desencadeou o combate, bem como os conceitos de arte
vigentes na época.

O Dadaísmo, também conhecido como Movimento Dadá nasce após o início da Primeira Guerra
Mundial em 1916 em Zurique e tem como seus principais expoentes Tristan Tzara, Marcel
Duchamp, Hans (ou Jean) Arp, Julius Evola, Francis Picabia, Kurt Schwitters, Max Ernst e Man
Ray.

Esses integrantes e outros propunham uma arte de protesto que chocasse e provocasse a
sociedade burguesa da época. Suas obras visuais e literárias baseavam-se no acaso, no caos, na
desordem e em objetos e elementos de pouco valor, desconstruindo conceitos da arte tradicional.

Kurt Schwitters compôs telas fazendo colagens aleatórias de recortes e papeis que encontrava no
cotidiano, como bilhetes de trem, fotografias, selos e embrulhos. Assim o artista expressava a
intensão de criar um método de fazer arte que não lembrasse os métodos artísticos tradicionais.

Duchamp com seus ready-mades utilizou objetos industrializados e do cotidiano, assinando-os

como se fossem de sua autoria, não os trabalhava artisticamente, os considerava prontos assim
como os encontrava e exibia como obra de arte. Dessa maneira, objetos sem valor artístico
aparente alcançam a condição de obra de arte ao serem retirados de seu contexto e expostos
num espaço expositivo como um museu ou galeria. Foi assim que Duchamp criou Roda de
Bicicleta, de 1913, uma roda de bicicleta encaixada num banco. Seu mais famoso ready-made, o
Urinol, foi assinado pelo artista como “R Mutt”. Assim como Kurt Schwitters, Duchamp também
expressou sua rejeição e renúncia aos tradicionais meios de se fazer arte da época, forçando o
público apreciador a refletir sobre essas questões.

O Dadaísmo abriu portas na década de 1920 para outros movimentos como o Surrealismo.

Fonte: https://www.infoescola.com/artes/dadaismo/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Após esse ocorrido, nasceu o Dadaísmo.

02) Também expressou sua rejeição e renúncia aos tradicionais meios de se fazer arte.
03) O Dadaísmo em 1920, abriu as postas para outros movimentos. Dentre eles...
04) Essa manifestação artística propunha uma arte com a utilização de elementos pouco...
05) Foi avesso ao movimento dadaísta.
06) Conhecido como "Movimento Dadá".
07) É característico do Dadaísmo, a falta de...
08) Criou a Roda de Bicicleta em 1913.
09) Significa "Cavalinho de Pau".
10) Desencadeou o combate, bem como os conceitos de arte vigentes na época.

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 Surrealismo

Sonhos, fantasias, devaneios, inconsciência, ausência de lógica, formaram as bases das criações
do movimento surrealista. Fundado em Paris em 1924 o Surrealismo engrossou os
movimentos de vanguardas do início do século XX. André Breton foi seu principal porta-voz e
lançou, naquele mesmo ano, o primeiro e principal manifesto - o Manifesto Surrealista. Entre seus
mais marcantes expoentes nas Artes Plásticas estão: Salvador Dali (1904-1986), Max Ernst
(1891-1976), René Magritte (1898-1967), André Masson (1896-1987), Joan Miró (1893-1983).
Alguns críticos e autores da arte associam o nome de Frida Kahlo (1907-1954) ao movimento
Surrealista, no entanto a própria artista não se considerava uma surrealista, pois estava
interessada em retratar suas dores e tragédias pessoais.
Os artistas ligados a esse movimento rejeitavam os valores e os padrões impostos
pela sociedade burguesa, seguindo a exploração dadaísta de tudo o que fosse subversivo na
arte. Fortemente influenciados pelas teorias psicanalíticas de Sigmund Freud, os surrealistas
seguiram alguns métodos para impedir o controle do consciente na ação artística, desprendendo
o inconsciente.
Como parte do seu processo artístico, os artistas desse movimento também exploravam o
imaginário dos sonhos como um atributo inquietante e bizarro da vida diária, chegando pedir que
pessoas comuns descrevessem suas experiências oníricas como uma forma de montarem
arquivos para suas produções. Assim os surrealistas concebiam o inconsciente como um meio de
imaginação, as formas e imagens não poderiam prover da razão, mas de impulsos e sentimentos
irracionais e surreais.

Os artistas desse movimento se diferenciavam quanto ao estilo adotado. Enquanto as formas e

linhas de Masson provinham de pincelados livres, Magrite e Dalí tinham imagens realistas criando
cenas oníricas.

A obra “A persistência da memória” de Salvador Dalí é uma das mais representativas desse
movimento. Os três relógios derretidos juntamente a uma espécie de autorretrato do artista
representam o Surrealismo de Dalí diante da irrelevância da passagem do tempo que dizia não
perceber e que não tinha nenhum significado para ele. Uma curiosidade sobre esta obra conta
que numa tarde quente em seu ateliê, Dalí teve um delírio ao ver um queijo derretendo em função
do forte calor. Nascia aí à ideia para de pintar os relógios derretidos e associá-los a passagem do
tempo.
Fonte: https://www.infoescola.com/movimentos-artisticos/surrealismo/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Obra de Dalí que representou o Surrealismo.

02) Autor da obra "a persistência da memória".
03) Lançou "o manifesto surrealista"
04) Movimentação baseada na movimento surrealista, durante o século XX.
05) Essa artista teve seu nome associado ao surrealismo, apesar dela mesma não considerar
surrealista.
06) Influenciou os surrealistas.
07) Onde foi fundado o surrealismo?
08) Rejeitaram os valores e padrões impostos pela sociedade burguesa.
09) A ideia dos relógios derretidos, de Dalí, foi associar à passagem do...
10) É característico do surrealismo, a falta de...

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 Futurismo

Em 20 de Fevereiro de 1909 foi lançado pelo poeta italiano Felippo Tommaso Marinetti, no jornal
francês Le Figaro, o Manifesto Futurista. Este foi o ponta pé inicial para dar início a criação de um
movimento de cunho artístico e literário denominado Futurismo. O Futurismo caracterizou-se
principalmente pelo rompimento com a arte e a cultura do passado, celebrando o progresso e a tecnologia
moderna, a vida urbana, a velocidade e a energia ao ponto de, os mais extremos, exaltarem as armas e a
violência. Os integrantes desse estilo foram os grandes divulgadores do movimento, recorrendo a
palestras e a publicidade para dar visibilidade a este estilo.

O Manifesto Futurista deixou clara a rejeição dos futuristas ao passado e a destruição de tudo o que era
velho e venerado, ascendendo espaço para o novo e o vital. Giacomo Balla (1871 – 1958), Carlo Carrà
(1881 – 1966) e Umberto Boccioni (1882 – 916) estão entre os principais expoentes desse movimento,
além de Gino Severini (1883 – 1966) e Luigi Russolo (1885 -1647).

Com frequência nas pinturas Futuristas aparecem cores vibrantes e contrastantes, formas geométricas,
sobreposição de imagens além do uso do que os futuristas chamavam de linhas de força. O uso desses
recursos pretendia dar ideia de uma cena dinâmica, ou seja, o objeto em ação. A ideia de movimento
vigoroso e velocidade eram centrais na poética do Futurismo. Os futuristas não estavam interessados em
representar um automóvel em suas pinturas, porém representar o movimento do automóvel e a
experiência de sua aceleração. Isso era mais importante que detalhar sua forma ou o veículo parado.

Uma das mais impressionantes obras desse movimento artístico é Dinamismo de um cão na coleira de
autoria (1912) de Giacomo Balla. Nela, Balla representa uma senhora passeando com seu cachorro onde
é possível perceber uma espécie de close-up dos movimentos dos personagens. No quadro de formas
simples e precisas, podem-se apreender as diversas pinceladas que dão a sensação de movimento das
figuras. O cão assim como à senhora tem inúmeros traços, uns transparente e outros opacos, que
compõem as patas, o rabo, a coleira e os pés criando uma magnífica expressão dinâmica do movimento.
O Futurismo influenciou diversos artistas que mais tarde vieram a fundar outros estilos artísticos como
o Cubismo, o Surrealismo e o Dadaísmo. O movimento Futurista durou até aproximadamente a década de
1930, quando foi se esvaziando com a Segunda Guerra Mundial.

No Brasil influenciou artistas como Anita Malfatti e Oswald de Andrade ainda no começa do século XX,
que viram nos ideais nesse movimento a possibilidade de deixar de copiar modelos europeus e construir
uma identidade renovando a arte brasileira.

Fonte: https://www.infoescola.com/artes/futurismo/

35
 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Lançou o "manifesto futurista".

02) São características da pintura do futurismo.
03) Autor da obra "dinanismo de um cão".
04) Foi um dos principais expoentes do futurismo.
05) Artista influente do futurismo, no Brasil.
06) Movimento artístico influenciado pelo futurismo.
07) O futurismo de rompeu com a arte e a cultura Do...
08) Surgiu na década de 1930.
09) Característica das cores do futurismo.

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 Op Art

A palavra Op Art deriva do inglês Optical Art e significa Arte Óptica. Esse termo pode ter sido usado pela primeira vez
pelo artista e escritor Donald Judd, em uma revisão de uma exposição de “Pinturas Ópticas” por Julian Stanczak.
Mas tornou-se popular por seu uso em um artigo de revista Time, de 1964.
Ainda que traga rigor na sua construção, simboliza um mundo precário e instável, que se modifica a cada instante.
Apesar de ter ganhado força na metade da década de 1950, a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente
lento.

Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art, pois é excessivamente cerebral e sistemática, mais
próxima das ciências do que das humanidades. Por outro lado, suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto
às da ciência e da tecnologia.
A razão da Op Art é a representação do movimento através da pintura apenas com a utilização de elementos
gráficos. Outro fator fundamental para a criação da Op Art foi a evolução da ciência, que está presente em
praticamente todos os trabalhos, baseando-se principalmente nos estudos psicológicos sobre a vida moderna e da
Física sobre a Óptica. A alteração das cidades modernas e o sofrimento do homem com a alteração constante em
seus ritmos de vida.

O auge do movimento aconteceu em 1965, quando o Museu de Arte Moderna de Nova Iorque abraçou o estilo com a
exposição The Responsive Eye (O Olho que Responde), que apresentou 123 pinturas e esculturas de artistas como
Victor Vasarely, Richard Anusziewicz, Bridget Riley, Ad Reinhardt, Frank Stella, Carlos Cruz-Diez, Jesus Rafael Soto,
Josef Albers, Kenneth Noland dentre outros.
Muitos visitantes do museu ficaram intrigados pela colisão de arte e ciência, mas críticos como Clement Greenberg
foram veementemente contrário ao movimento. A amplitude de exposições como a Responsive Eye também lançou
dúvidas sobre o movimento, uma vez que através da inclusão de artistas como Frank Stella, cujos interesses eram
tão diferentes dos de Vasarely.

As principais características da Op Art são:

 Explorar a falibilidade do olho pelo uso de ilusões de óticas;

 Defender para arte “menos expressão e mais visualização”;
 Quando as obras são observadas, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes
parecem inchar ou deformar-se;
 Oposição de estruturas idênticas que interagem umas com as outras, produzindo o efeito ótico;
 Observador participante;
 Busca nos efeitos ópticos sua constante alteração;
 As cores têm a finalidade de passar ilusões ópticas ao observador.

Fonte: https://www.historiadasartes.com/nomundo/arte-seculo-20/op-art/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Estudo presente nessa manifestação artística.

02) Foi um crítico deste movimento artístico.
03) É característica do Op Art, causar...
04) Ao ver uma imagem Op Art, percebemos a presença de...
05) Tem a Finalidade de passar ilusões ópticas.
06) Artista presente na exposição de Nova Iorque.
07) O Op Art é Conhecido como...
08) O desenvolvimento do Op Art foi relativamente...
09) Significado de "Op Art".
10) Cidade Onde ocorreu a movimentação no museu de arte moderna em 1965.

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 Pop Art

A Pop Art é uma escola que utiliza em suas representações pictóricas imagens e símbolos de
natureza popular. Originado particularmente nos Estados Unidos e na Inglaterra, este movimento foi
assim batizado em 1954, quando o crítico inglês Lawrence Alloway assim o denominou, ao se referir a
tudo que era produzido pela cultura em massa no hemisfério ocidental, especialmente aos produtos
procedentes da América do Norte.

Alguns criadores, inspirados no movimento dadaísta liderado por Marcel Duchamp, decidiram, em fins
dos anos 50, se apropriar de imagens inerentes ao universo da propaganda norte-americana e
convertê-las em matéria-prima de suas obras. Estes ícones abundantes no dia-a-dia do século XX
detinham um alto poder imagético.

A Pop-art representava um retorno da arte figurativa, contrapondo-se ao Expressionismo alemão que

até então dominava a cena artística. Agora era a vez da cultura em massa, do culto às imagens
televisivas, às fotos, às histórias em quadrinhos, às cenas impressas nas telas dos cinemas, à
produção publicitária.

Na década de 20, os filósofos Horkheimer e Adorno já discorriam sobre a expressão indústria cultural,
para expressar a mercantilização de toda criação humana, inclusive a de cunho cultural. Nos anos 60
tudo é produzido massivamente, e cria-se uma aura especial em torno do que é considerado popular.
Desta esfera transplantam-se a simbologia e os signos típicos da massa, para que assim rompam-se
todas as possíveis barreiras entre a arte e o povo. Há um certo fascínio em torno do modo de vida da
população dos EUA.

Os artistas recorrem à ironia para elaborar uma crítica ao excesso de consumismo que permeia o
comportamento social, estetizando os produtos massificados, tais como os provenientes da esfera
publicitária, do cinema, dos quadrinhos, e de outras áreas afins. Eles se valem de ferramentas como a
tinta acrílica, poliéster, látex, colorações fortes e calorosas, imitando artefatos da rotina popular.

Estes objetos que integram o dia-a-dia da massa são multiplicados em porte bem maior, o que
converte sua concretude real em uma dimensão hiper-real. Enquanto, porém, a Pop-art parece
censurar o consumismo, ela igualmente não prescinde dos itens que integram o circuito do consumo
capitalista. Exemplo disso são as famosas Sopas Campbell e as garrafas de Coca-Cola criadas pelo
‘papa’ deste movimento, o artista Andy Warhol.

Fonte: https://www.infoescola.com/artes/pop-art/

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 CRUZADINHA:
Após realizar a leitura do texto, encontre a solução abaixo:

01) Liderou o movimento dadaísta.

02) Criou a publicidade da coca-cola durante este período.
03) Movimentação artística que dominava a cena artística, antes do pop art.
04) Um dos objetivos dos artistas do movimento artístico pop art, era causar uma...
05) O pop art é uma...
06) Um dos países que deu origem ao pop art.
07) Forma de expressão utilizada pelos artistas ao elaborar críticas ao excesso de consumismo.
08) Movimento artístico que ironizava o consumismo.
09) Também foi utilizado como meio de expressão deste movimento artístico.
10) Característica das colorações do pop art.

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