UNIVERSIDADE FEDERAL DE SANTA MARIA

CURSO DE MÚSICA

Bacharelado em Música

Alexandre Max Silva História 4° semestre

Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg,

Nadia Boulanger

Professor: Gérson Luís Werlang

Santa Maria
2021
 Igor Stravinsky

Igor Fiodorvitch Stravinsky nasceu em 17 de junho de 1882 em Oraniembaum na

Rússia perto de São Petersburgo, era filho de um famoso cantor da Ópera Real de São
Petersburgo e foi educado em um bom ambiente artístico e cultural.
Embora tenha se dedicado ao trabalho musical desde muito cedo, foi encaminhado para
a faculdade de direito. Então ele conheceu Vladimir, filho de Rimsky-Korsakov e continuou a
aprender com ele. Em 1902, ele mostrou algumas de suas primeiras peças ao compositor
Nikolai Rimsky-Korsakov, ele ficou tão impressionado com seu trabalho que concordou em
aceitar Stravinsky como aluno particular, aconselhando-o a não fazê-lo. entrar no
conservatório para o treinamento acadêmico convencional. Rimsky-Korsakov ensinou
Stravinsky em arranjos e serviu como tutor para o compositor, discutindo cada novo trabalho
e fornecendo sugestões. Ele também usou sua influência para produzir música para
estudantes. Algumas das obras dos alunos de Stravinsky eram executadas na reunião semanal
da classe Rimsky-Korsakov. Duas obras que ele compôs para a orquestra Sinfonia em Mi
bemol maior e O Fauno e a Pastora, um um ciclo de canções com letra de Aleksandr Pushkin
foi tocada pela orquestra da corte em 1908 no mesmo período da morte de Korsakov. Em
fevereiro de 1909, a curta e notável obra orquestral Scherzo fantastique foi apresentada em
um concerto com a presença do empresário Sergei Diaghilev em São Petersburgo. O
compromisso de Stravinsky como compositor o impressionou tanto que ele rapidamente
contratou algumas orquestras nesta temporada para organizar um balé em Paris, ele
encomendou uma partitura para o novo trabalho de balé sobre o pássaro de fogo. A
apresentação de "Firebird" em Paris em 1910 abriu o caminho para suas celebridades.
Firebird é o primeiro de uma série de incríveis colaborações entre Stravinsky e
Diaghilev. No ano seguinte, a Russian Ballet Company estreou o balé Petrushka em 13 de
junho de 1911. Vaslav Nijinsky desempenhou o papel principal na trilha sonora de
Stravinsky. Ao mesmo tempo, Stravinsky pensava em escrever um ritual pagão sinfônico
chamado Grande Sacrifício. O resultado foi Le Sacre du printemps, cuja criação se deu entre
1911 e 1913.
Em 29 de maio de 1913, a primeira apresentação de "A Sagração da Primavera" no
Théâtre Des Champs Élysées provocou o motim noturno mais famoso da história do teatro,
com a dança incomum e esclarecedora de Nijinsky e a música ousada e criativa de Stravinsky
chocaram o público. Durante a apresentação, eles gritaram, protestaram e discutiram entre si,
causando um clamor que os dançarinos não puderam ouvir o som da orquestra. Era uma
composição altamente original, com mudanças de ritmo ousados e harmonia não resolvida,
foi o primeiro marco modernista.
A partir disso, Stravinsky ficou conhecido pelo "o compositor da Sagração da
primavera" e um modernista destrutivo.
O sucesso de Stravinsky em Paris com o Ballet Russo fez com que ele fosse
desenraizado de São Petersburgo. Então se casou com sua prima Catherine Nossenko em
1906 e foi com ela e seus dois filhos para a França após a estreia de "Firebird" em 1910 No
entanto, a eclosão da Primeira Guerra Mundial em 1914 interrompeu gravemente as
atividades do balé na Europa Ocidental, e Stravinsky descobriu que não podia mais contar
com a companhia como um meio regular de emissão de novos trabalhos. A guerra também o
isolou efetivamente na Suíça, onde ele e sua família costumavam passar o inverno, onde
passaram a maior parte da guerra. A Revolução Russa de outubro de 1917 finalmente acabou
com qualquer esperança de que Stravinsky pudesse voltar para casa.
Nos anos seguintes, suas obras musicais foram principalmente pequenas obras
instrumentais e vocais baseadas em textos e expressões idiomáticas folclóricas russas, ragtime
e outras músicas populares ou modelos de estilo de dança ocidental. Ele estendeu alguns
desses experimentos a peças de grande escala. "The Wedding" era uma canção de balé
iniciada por Stravinsky em 1914, mas devido à incerteza de seu instrumento por muitos anos,
ela não foi concluída até 1923. Era baseada no texto de canções Russas de casamentos de
aldeias.
Com o fim da Primeira Guerra Mundial, o estilo russo na música de Stravinsky
começou a perder força, até que em 1920 ele produziu mais umas de suas obras primas, as
Sinfonias de Instrumentos de Vento.
Em 1920 Stravinsky deixou a Suíça e junto com a família foi para a França até 1939.
Stravinsky passou a maior parte do tempo em Paris, onde obteve a cidadania francesa em
1934. Stravinsky foi forçado a viver como um artista. Muitas de suas obras nas décadas de
1920 e 1930 foram para uso pessoal. Pianista de concerto e maestro. Suas obras instrumentais
no início dos anos 1920 incluíam octeto de sopro escrito em 1923, concertos para piano e
instrumentos de sopro escrito e sonata para piano ambos escritos em 1924 e serenata para
piano composto em 1925.
Em 1926, Stravinsky passou por uma mudança na crença religiosa, que teve um
impacto significativo em seu palco e música vocal. As tendências religiosas podem ser
encontradas em obras importantes, como o orador da ópera Oedipus Rex escrito em 1927
usando libreto latino, e a cantata "Salmos" escrita em 1930, que são obras abertamente
sagradas baseadas em textos bíblicos.
Em 1936, Stravinsky escreveu sua autobiografia. Assim como mais tarde colaborou
com Robert Craft, que era um jovem estudante americano que trabalhou com ele depois de
1948. Em 1938, a filha mais velha de Stravinsky morreu de tuberculose. Sua esposa e mãe
também vieram à morte um ano mais tarde, poucos meses antes do início da Segunda Guerra
Mundial. No início da década de 1940, ele se casou com Vera de Bosset. No outono de 1939,
Stravinsky foi para os Estados Unidos dar palestras na Universidade de Harvard e
estabeleceu-se permanentemente com sua nova esposa em Hollywood, Califórnia, em 1940.
Eles se tornaram cidadãos dos EUA em 1945.
Durante a Segunda Guerra Mundial, entre 1938 e 1940 Stravinsky compôs duas
importantes obras sinfônicas: "C Symphony" e "Three Music Symphony" entre 1942 e 1945.
A sinfonia em C representa a soma dos princípios neoclássicos na forma de uma sinfonia,
enquanto os "três movimentos" combinaram com sucesso as características essenciais do
concerto com a sinfonia. De 1948 a 1951, Stravinsky criou sua única ópera completa,
"Progress of the Rake", baseada em uma série de gravuras moralistas do artista britânico do
século 18, William Hogarth. É uma obra neoclássica com a coautoria de WH Auden e do
escritor americano Chester Kallman.
 O sucesso dessas últimas obras mascarou a crise criativa na música de Stravinsky, e sua
saída para essa crise foi criar uma coleção extraordinária de composições tardias. Após a
Segunda Guerra Mundial, uma nova vanguarda musical apareceu na Europa que rejeitou o
neoclassicismo e, em vez disso, amarrou-se a seriados, ou seja, técnicas de composição de 12
tons dos compositores vienenses Arnold Schoenberg, Alban Berg e especialmente Anton Von
Webern. A música serial é baseada na repetição de uma série de tons de acordo com um
padrão arbitrário, mas fixo, sem levar em conta o tom tradicional.
Stravinsky refinou ainda mais sua maneira de enxergar a música seria, usando uma série
de técnicas seriais secretas para dar suporte à música de densidade e economia crescentes, e
com um brilho suave. As obras em série de Stravinsky são geralmente muito mais curtas do
que suas peças tonais, mas têm um conteúdo musical mais profundo e denso.
Stravinsky continuou a realizar trabalhos criativos em grande escala até 1966. Seu
último grande trabalho, "Requiem Canticles" em 1966, é uma profunda transferência de
técnicas serial moderna, adaptando-a a sua visão pessoal de imaginação profundamente
enraizada na história russa. Esta é uma incrível homenagem à criatividade dos compositores
com idade em torno dos 80 anos.
Ele recebeu a Medalha de Ouro da Royal Philharmonic Society em 1954 e o Prêmio
Wihuri Sibelius em 1963. Vindo a falecer em seis de abril em Nova York - EUA.

A sagração da Primavera

A Sagração da Primavera: A imagem da Rússia pagã dividida em duas partes. Foi um

balé, que foi apresentado em Paris em 29 de maio de 1913 no Teatro de Elysées. É
considerado um dos primeiros representantes do modernismo na música. Sua apresentação de
abertura proporcionou uma das estreias mais escandalosas da história. Os prós e os contras do
público foram debatidos tão ferozmente que os dançarinos não puderam seguir o som da
orquestra. "A Sagração da Primavera" ainda é uma obra moderna que impressiona muitos
públicos modernos.
A obra foi encomendada pelo famoso empresário do balé Sergei Diaghilev, que
produziu os jovens compositores "O Pássaro de Fogo" em e Petrushka em 1911. Com a ajuda
do artista e místico Nicholas Roerich, Stravinsky desenvolveu a história de "A Sagração da
Primavera", originalmente chamada de "O Grande Ritual". A obra foi organizada por Vaslav
Nijinsky, e seu cenário e figurinos foram desenhados por Roerich.
 
A Sagração da Primavera​ é dividida em duas partes:

I. Adoração da Terra

● Introdução
● Os augúrios da primavera: danças das meninas
● Ritual de Rapto
 ● Rodadas de primavera
● Ritual das Tribos Rivais
● Procissão do Sábio
● O sábio
● Dança da terra

II. O sacrifício

● Introdução
● Círculos místicos das meninas
● Glorificação do Escolhido
● Evocação dos ancestrais
● Ação Ritual dos Ancestrais
● Dança Sacrificial (O Escolhido​)

Arnold Schoenberg

Arnold Franz Walter Schoenberg nasceu em 13 de setembro de 1874 em Viena na

Áustria, faleceu em 13 de julho de 1951. Compositor Austríaco-Americano que inventou
novos métodos musicais como atonalidade, e a música serial de 12 tons. Ele também foi um
dos professores mais influentes do século 20, os alunos mais importantes foram Alban Berg e
Anton Webern.
Antes dos nove anos, Schoenberg começou a criar pequenas obras para dois violinos,
que tocava com sua professora. Depois de um tempo, quando encontrou um colega para
violinista, começou a compor um trio para dois violinos e uma viola, até seu encontro com o
músico e médico austríaco Oskar Adler. Foi ele quem o incentivou a aprender violoncelo para
tocar com um grupo de amigos em um quarteto de cordas. Schoenberg logo começou a
compor vários quarteto, embora ainda tivesse que esperar pelo volume "S" de Meyers Grosses
Konversations-Lexikon que era uma enciclopédia adquirida por sua família em prestações
para descobrir como fazer o primeiro movimento na forma de uma sonata funcional.
O pai de Schoenberg veio a falecer em 1890 e então para ajudar a família, Schoenberg
foi trabalhar como caixa de um banco até 1895, Nesta mesma época, ele conheceu Alexander
von Zemlinsky que era um jovem compositor e maestro da banda amadora Polyhymnia. Os
dois se tornaram amigos íntimos e Zemlinsky deu aulas a Schönberg sobre harmonia,
oposição e composição. Isso levou à primeira apresentação pública de Schoenberg em 1897,
com "Quarteto de Cordas em Ré Maior", que foi fortemente influenciado pelo estilo de
Johannes Brahms, vindo a se tornar um quarteto bastante popular durante as temporadas de
concertos de 1897-98 e 1898-99 com o público de Viena.
Em 1899, Schoenberg deu um grande passo compondo “A Noite da
Transformação'',que era uma composição musical muito romântica marcada por histórias não
musicais e foi baseado em um poema homônimo de Richard Dehmel e é o primeiro programa
musical escrito para este tipo de coleção musical. A natureza e a harmonia de seu plano
acabaram irritando o comitê de planejamento conservador, que não viria a ser implementado
até 1903, quando foi violentamente rejeitado pelo público. Vindo a se tornar uma das obras
mais populares de Schoenberg, tanto na sua forma original como na versão para orquestra de
cordas.
Schoenberg mudou-se para Berlim em 1901 na esperança de melhorar sua situação
financeira e então casou com a irmã de seu amigo Mathilde von Zemlinsky, e começou a
trabalhar como diretor musical no cabaré de arte de câmara Überbrettl. Ele escreveu muitas
canções para este grupo, incluindo. Nachtwandler "Sleepwalker" para soprano, flautim,
trompete, caixa de percussão e piano publicado em 1969. Schoenberg não estava satisfeito
com sua posição artística em Überbrettl.
O compositor alemão Richard Strauss ajudou-o a se tornar professor de composição no
Conservatório Stern e usou sua influência para garantir com que ele fosse premiado com o
Liszt pela Associação de Música Alemã. Incentivado por Strauss, após uma atuação teatral do
escritor belga Maurice Maeterlinck, Schoenberg contribuiu para a grande orquestra "Pelleas
und Melisand". Vindo a criar seu único poema sinfônico. Após retornar a Viena em 1903,
Schoenberg conheceu o compositor austríaco Gustav Mahler, que acabou se tornando um de
seus maiores apoiadores.
Em 1904 Schoenberg escreve Quarteto de cordas em Ré Menor, Op. 7, o qual viria a se
tornar um grande trabalho com uma textura musical de alta densidade e uma forma incomum,
os quatro movimentos convencionais do quarteto de cordas clássico e combinados com uma
estrutura enorme, tocada por quase 50 minutos sem interrupção dificultaram a compreensão
quando a obra foi apresentada pela primeira vez em 1907. Ele usou um formato semelhante
na mais concisa "Sinfonia da Câmara" em "Mi Maior" escrita um ano antes, foi um romance
de trabalho em seu conjunto instrumental escolhido. Schoenberg deixou a terrível orquestra
pós-romântica e criou um conjunto de 15 instrumentos em forma de câmara.
Naqueles anos, as atividades de Schoenberg como professor eram cada vez mais
importantes. Os jovens compositores austríacos Alban Berg e Anton Webern começaram a
estudar com ele em 1904 Tinham sido motivados por ele e também por conta de sua notável
carreira, e assim, Schoenberg, também acabou se beneficiando do estímulo intelectual de seus
jovens alunos.
Antes disso, todas as obras de Schoenberg eram tonais. No entanto, à medida que sua
harmonia e melodia se tornam mais complexas, o tom torna-se cada vez menos importante.
No início do movimento final de seu segundo quarteto de cordas composto entre 1907 e 1908,
percebe-se o processo de "ultrapassagem" das tonalidades. Este trabalho também traz uma
outra novidade que é o uso de uma parte vocal junto com o quarteto de cordas.
Em 19 de fevereiro de 1909, Schoenberg concluiu a primeira das três obras para piano
que constituíam sua obra 11, tal obra que abandonou completamente a organização da
tonalidade. Nessas obras não havia um centro tonal, e qualquer combinação harmônica ou
melódica podia ser copiada sem qualquer tipo de restrição. Essas obras eram geralmente
chamadas de atonais. A composição atonais geralmente é muito curta. Em obras vocais mais
longas, o texto atua como um meio unificado.
As obras tonais mais importantes de Schoenberg incluem cinco obras orquestrais, Op.
16 escritas em 1909, o Drama único de Erwartung, Op. 17, Expectation, uma peça teatral
soprano e orquestra; Pierrot Lunaire, 21 recitações um drama acompanhado por uma
orquestra de câmara, Op. 21 escrito em 1912; Dieglückliche Hand, Op. 18, em 1924 Hands of
Destiny, teatro musical e o orador inacabado Die Jakobsleiter começando em 1917; Jakob's
Stairs.
A música anterior de Schoenberg começou a ser reconhecida. Em 23 de fevereiro de
1913, seu Gurrelieder começado em 1900 foi exibido pela primeira vez em Viena. Uma
grande cantata requer um grande poder vocal e orquestral. Junto com a "Oitava Sinfonia" de
Mahler, Gurrelieder representa o auge do estilo pós-romântico imortal. Gurrelieder recebeu
grande entusiasmo do público, mas o ansioso Schoenberg não foi mais capaz de apreciar ou
reconhecer sua resposta.
Em 1911, por não poder levar uma vida decente em Viena, mudou-se para Berlim. Ele
permaneceu lá até 1915. Devido à emergência da guerra, ele teve que se apresentar a Viena
para o serviço militar. Ele passou um curto período de tempo no exército austríaco entre 1916
e 1917, até que foi finalmente libertado por motivos médicos. Nos anos de guerra, sua
composição era muito pequena, em parte devido à necessidade do serviço militar, e em parte
porque ele estava pensando em como resolver os enormes problemas estruturais causados
​pela melodia.
Ele queria encontrar um novo princípio unificado que o ajudasse a controlar os ricos
recursos harmônicos e melódicos que agora ele poderia controlar. No final de julho de 1921,
Schoenberg disse a um estudante: “Hoje, descobri algo que pode garantir a supremacia da
música alemã pelos próximos 100 anos.” Esse “algo” é uma espécie de 12 tons que estão
apenas relacionados entre si. Método sintético. Schoenberg apenas começou a escrever sua
coleção de piano Op. 25. Este é o primeiro trabalho de 12 tons.
No método de 12 tons, cada composição era formada por uma linha especial ou série de
12 tons diferentes. Cada linha pode ser copiada em sua forma original, invertida. Também
pode ser ajustado para cima ou para baixo em qualquer nível de afinação. Todos esses ou
qualquer parte deles podem soar continuamente como uma melodia ou simultaneamente
como uma harmonia. Na verdade, toda a harmonia e melodia da música devem ser tiradas
dessa linha. Embora esse método pareça muito rígido, não é. Schoenberg usou suas
habilidades para criar o que muitas pessoas consideram ser sua maior obra, a ópera Moses
and Aron, escrita em 1930.
Ele foi para os Estados Unidos através de Paris, onde oficialmente retornou à fé judaica
que abandonou na juventude. Em novembro de 1933, trabalhou na Malkin School of Music
em Boston. Em 1934, mudou-se para a Califórnia onde passou o resto da vida e tornou-se
cidadão americano em 1941. Ocupou um importante cargo de professor na universidade.
Southern California entre 1935 e 1936 e a University of California em Los Angeles entre
1936 e 1944.
 Pierrot lunaire
Este é um poema que faz parte da terceira canção, na qual Schoenberg separa Pierrot
lunaire entre: flautim, clarinete, viola, Cello, voz e piano.
A primeira parte corresponde ao primeiro verso do poema, e a segunda parte
corresponde ao último verso. O que se segue é uma breve visão geral das formas que
encontramos em nosso trabalho, que acredito ser especificamente dada com base no texto e na
textura.
Na entrada do piano, é possível perceber que os instrumentos tocam de forma e servem
apenas como acompanhamento.
Uma das mudanças distintivas de Pierrot Lunaire é que algumas das canções mais
icônicas são baseadas em estruturas de contraponto rígidas, o que é uma mudança em relação
à abordagem de seus trabalhos anteriores. Um exemplo pode ser encontrado em "Die Nacht",
"Der Mondfleck". Como resultado, neste encontramos uma textura de contraponto contínua,
baseada em imitações canônicas, mas a menos rígida entre as várias vozes.
O mais óbvio a enfatizar nesta seção é o uso da cromaticidade total, pois há muitas
mudanças inesperadas continuamente ao longo do processo de trabalho, que são visíveis.
Além disso, obviamente, como a melodia do timbre que pode ser ouvida no compasso inicial.
 

Nadia Boulanger
Nadia Boulanger nasceu em 16 de setembro de 1887 em Paris, França, foi maestrina,
organista e uma das professoras de composição musical mais influente do século XX.

A família de Boulanger tem duas gerações de contato com o Conservatório de Paris.

Seu pai e o primeiro professor Ernest Boulanger são professores de fonética. Recebeu
formação formal de 1897 a 1904. Estudou composição com Gabriel Fauré e órgão com
Charles-Marie Widor e ainda tendo sido colega de estudo ​de  Ravel,  amiga  de  Paul  Valéry, 
Manuel  de  Falla  e  Stravinsky.  ​Mais tarde, deu aulas de composição em escolas de música e
escolas particulares. Ela também publicou alguns pequenos trabalhos, e em 1908 ganhou o
segundo lugar no concurso Prix de Rome com sua cantata La Sirène. Após a morte de sua
irmã, Lili Boulanger, em 1918, ela parou de compor e classificou seu trabalho como "inútil".

Em 1921, Boulanger iniciou uma colaboração de longo prazo com o Conservatório

americano, fundado depois da Primeira Guerra Mundial em Fontainebleau pelo maestro
Walter Damrosch para músicos americanos. Em 1925 foi organista na estreia da Sinfonia para
Órgão e Orquestra de Aaron Copland, o qual foi seu primeiro aluno americano, e em 1938
surgiu como a primeira regente feminina das Orquestras Filarmônica de Boston, Nova York e
Filadélfia e um ano antes já tinham sido a primeira mulher a reger um programa completo da
Royal Philharmonic em Londres.

No final dos anos 1930, Boulanger gravou algumas obras pouco conhecidas de Claudio
Monteverdi e também defendeu que obras raramente fossem executadas por Heinrich Schütz
e Faure, e promoveu a música francesa antiga. Ela passou a Segunda Guerra Mundial nos
Estados Unidos, como professora no Conservatório de Música de Washington (DC) e na
Escola de Música Peabody em Baltimore em Maryland. Após retornar à França, voltou a dar
aulas em Paris e no Conservatório Americano de Música, onde se tornou diretora em 1949.

Além de Copland, entre os alunos de Boulanger estão os compositores Lennox

Berkeley, Easley Blackwood, Marc Blitzstein, Elliott Carter, Jean Françaix, Roy Harris,
Walter Piston e Virgil Thomson. Sua influência como professora sempre foi mais pessoal,
tendo se recusado a escrever um livro de teoria ela tinha por objetivo ampliar a estética do
aluno, desenvolvendo talentos individuais. Veio a falecer em 1979 aos 92 em Paris.

3 peças para violoncelo e piano

A obra é dividida em três partes curtas e independentes, freqüentemente relacionadas ao

"pós-impressionismo".

Peça 1 – Modere

O misterioso movimento de abertura começa com o efeito gotejante do piano antes que
o violoncelo suave entre no piano. A delicadeza de Boulanger é refletida nesse movimento
com a fragilidade de seus escritos. O uso da região mais aguda do violoncelo produz tensão
suficiente, enquanto o piano tem um efeito brilhante. A segmentação entre os dois
instrumentos mostra a influência de Debussy e Fauré na jovem Boulanger.

Parte Dois - Sans vitesse et l'aise

O lamento pacífico no segundo movimento é mais promissor do que o movimento de

abertura. Quando o violoncelo toca uma melodia ousada, uma melodia semelhante a uma
canção de ninar fez o par se misturar novamente. Através deste movimento, a rica região
média do violoncelo do foi bastante explorada. O movimento terminou silenciosamente.

Parte III - Vite et nervusement

O final louco é o mais dinâmico dessas três músicas. Boulanger usa o piano com
ousadia no papel auxiliar do violoncelo e brilha nesse movimento. O grande salto do
violoncelo produz basicamente ondas sonoras com o acompanhamento de acordes de piano.
Como todo o timbre do violoncelo foi explorado em um curto período de tempo, a parte lírica
no centro voltou a tocar. O feroz prólogo de abertura retorna a essa conclusão épica​.

Bibliografia

http://classicos.mus.br/bio/stravins.htm
https://www.britannica.com/biography/Igor-Stravinsky/Legacy
https://www.britannica.com/topic/The-Rite-of-Spring
https://www.britannica.com/biography/Arnold-Schoenberg/Evolution-from-tonality
https://www.clasesguitarraonline.com/teoria-analisis-musical/2016/2/28/pierrot-lunaire-
parodie-arnold-schoenberg-
https://www.britannica.com/biography/Nadia-Boulanger
https://elpais.com/cultura/2018/12/28/actualidad/1546026134_339070.html#?ref=rss&f
ormat=simple&link=seguir
https://classicalexburns.com/2020/11/06/nadia-boulanger-3-pieces-for-cello-piano-dele
ctable-duo/