OLODUM E A INDÚSTRIA DO ENTRETENIMENTO

Marcos Uzel

Nos primeiros anos do século XIX, o Pelourinho se caracterizou como a

zona residencial mais nobre de Salvador, onde moravam famílias ricas e
tradicionais, dos viscondes aos barões proprietários de engenhos. Com a abertura
dos portos, muitos estrangeiros atraídos pelo comércio se radicaram na cidade. Os
recém-chegados da França, Alemanha e, em especial, da Inglaterra optaram por
residir em áreas como Graça, Vitória e Canela que ganharam acelerado impulso de
desenvolvimento. No início do século XX, esses bairros situados no extremo sul já
possuíam lotes maiores, sistema de transporte coletivo com linhas de bonde, casas
confortáveis e outro padrão de arquitetura.

Já o extremo norte, composto pelo Pelourinho e adjacências, foi se

desvalorizando em virtude da mudança de endereço dos donos dos sobrados,
estimulados pela infraestrutura das localidades do sul. Eles transferiram os imóveis
para os herdeiros, que também não se interessaram em fixar residência naquela
área do Centro Histórico e passaram a subdividir ou sublocar as propriedades. Os
andares foram separados por tabiques e, aos poucos, os prédios viraram pardieiros.
Nenhum empreendedor quis arriscar construir edifícios numa região decadente. Já
os negros que ali moravam e cuja mão de obra havia se tornado independente com
a abolição da escravatura permaneceram no local, onde trabalhavam vendendo
serviços baratos. Á medida que os mais abastados iam se afastando em busca de
um espaço social de status, comunidades cada vez mais pobres ocupavam o lugar.

A partir dos anos 1920, as prostitutas começaram a migrar rumo ao

Pelourinho, devido ao baixo custo das moradias. Ali elas se estabeleceram,
separadas por barreiras morais, empobrecidas e compelidas pela repressão da
Polícia. Na década de 1930, aquela área de passado nobre já se encontrava
praticamente isolada do resto da capital baiana, principalmente a zona do Maciel, a
parte mais antiga do conjunto do Pelourinho, composta por oito ruas de circulação
interna, situadas entre o Terreiro de Jesus, o Cruzeiro de São Francisco e a Praça
José de Alencar. Transformado em meretrício, o Maciel ganhou fama de lugar muito
perigoso da cidade, reduto de prostituição de rua, assaltos e tráfico de drogas. O
congestionamento populacional condicionou a proliferação de moradias coletivas
com predominância das casas de cômodos em péssimas condições sanitárias, sem
ventilação e água corrente. Misturados às prostitutas, havia os vizinhos
desempregados, os vendedores ambulantes, as empregadas domésticas e os
assalariados que trabalhavam em outras atividades e habitavam a zona com suas
famílias.

A cidade foi sofrendo várias transformações com o passar dos anos, mas o
quadro social daquela área praticamente não se alterou (pelo menos até o final da
década de 1980). Dentro dessa realidade de pobreza e exclusão, uma turma de
jovens negros fundou, no dia 25 de abril de 1979, uma pequena agremiação
carnavalesca chamada Olodum. Influenciada pela iniciativa do Ilê Aiyê em 1974, a
nova entidade foi inscrita na ata de criação como um bloco afro, Os recursos eram
mínimos. Também faltava um lugar para os ensaios. Como um dos membros da
diretoria trabalhava no Instituto do Patrimônio Artístico e Cultural (IPAC), conseguiu
que o órgão cedesse uma precária quadra de barro situada no fundo do Teatro
Miguel Santana, no Pelourinho, onde o Olodum costumava se apresentar.

Na sexta-feira do Carnaval de 1980, cerca de 700 associados estrearam

nas ruas. Mas a estrutura frágil dificultou a consolidação do bloco naqueles
primeiros anos. A agremiação sofreu os efeitos da falta de organização e das
divergências internas, ao ponto de não conseguir desfilar em fevereiro de 1983.
Para tentar evitar a falência, uma nova diretoria assumiu o desafio de reestruturar a
entidade e adotou como medida emergencial a oficialização do cargo de presidente
em seu estatuto. A primeira pessoa a ocupá-lo foi Cristina Rodrigues, que assumiu o
compromisso de fortalecer a filosofia de trabalho do bloco, auxiliada por dois novos
diretores recém-saídos do Ilê Aiyê: o estudante de Direito João Jorge Rodrigues
(diretor cultural) e o maestro Neguinho do Samba (diretor da banda de percussão).
 Surgiram projetos colocados em prática, como o Rufar dos Tambores (com
cursos e seminários que refletiam sobre a cultura afro-brasileira) e a Banda Mirim
Olodum (voltada, principalmente, para crianças do Maciel-Pelourinho). Ao se
reestruturar e agregar questões sociais, políticas e comunitárias às suas ações
coletivas, o Olodum mostrou outras formas de reconhecer o espaço que ocupava
dentro de um sistema de relações. Esta consciência adquirida, enquanto forma
simbolicamente determinada, é o que Sodré (1999) chama de lugar de identidade, a
partir da ideia de grupo, onde o indivíduo sente pluralmente.

Também na primeira metade da década de 1980, mais um ritmo negro,

desta vez o reggae da Jamaica, despontou na periferia de Salvador. Em 1981,
morreu o cantor, guitarrista e compositor jamaicano Bob Marley, o maior ídolo da
história do reggae. A maneira como ele divulgou mundialmente o movimento
rastafári, adequando a música de protesto às convicções religiosas, repercutiu em
bairros pobres da capital baiana. O ritmo do reggae influenciou a cadência do
samba de bloco afro, que consolidou uma batida própria, mais lenta em comparação
à percussão das escolas carnavalescas do Rio de Janeiro. No Olodum, essa fusão,
conhecida na Bahia como samba-reggae, tornou-se a base das experimentações
sonoras do maestro Neguinho do Samba, que atraíram cada vez mais o público
habituado a frequentar ensaios de afoxés, blocos afro e de índio.

Além de se divertir nos shows de percussão regidos pelo mestre Neguinho,

aquela juventude negra começou a prestigiar novos compositores que se inscreviam
no Festival de Música e Artes do Olodum (Femadum), para tentar ganhar o
concurso ou emplacar alguma canção no repertório da banda. Enquanto organizou
ações estratégicas em sua comunidade, o grupo cultural do Pelourinho também
inovou na abordagem de enredos carnavalescos. Na folia baiana de 1986, arriscou
o tema Ilha de Cuba, país afro-latino-americano, rompendo com a ortodoxia dos que
exigiam fidelidade dos blocos afros às raízes da África.

Em outro contexto do Carnaval, alheia aos assuntos que envolviam as

entidades negras da festa, a legião de seguidores dos trios elétricos estava mais
interessada em dançar ao som do ídolo Luiz Caldas e da geração de artistas
projetados na fase embrionária da chamada axé music, que deu visibilidade
nacional a nomes como a cantora Sarajane e a banda Chiclete com Banana. Fase,
aliás, divisora de águas na história da música baiana, quando os programadores
das rádios locais perceberam o quanto poderia ser rentável executar durante o ano
inteiro as canções que faziam grande sucesso nos dias de Carnaval, num processo
ascendente de regionalização de seu repertório.

No mesmo ano em que o Olodum exaltou Cuba nas ruas, uma canção que
descrevia a disputa pelo espaço da festa entre os trios elétricos e os blocos afros
começou a fazer sucesso nas rádios mais populares de Salvador. Composta por
Gerônimo, que havia morado quatro anos no Pelourinho e conhecia de perto os
grupos negros da Bahia, a música Macuxi muita onda (Eu sou negão), de 1986,
sublinhou uma afirmação de identidade e de pertencimento a um universo
sociocultural (Eu sou negão/ Meu coração é a liberdade/ Sou do Curuzu, Ilê), além
de um posicionamento político contra a discriminação racial (Igualdade na cor/ Essa
é a minha verdade). A longa duração (6 minutos e 20 segundos) e os versos que
alternavam o cantado e o falado causaram certa estranheza, pois se diferenciavam
as letras fáceis e do ritmo frenético das canções do Carnaval de Salvador. Mas a
autenticidade da música a destacou em meio à mesmice dos modismos
carnavalescos que as rádios insistiam em repetir.

Gravada numa fita cassete, Eu sou negão entrou na programação de uma

rádio muito popular em Salvador (a Itaparica FM) e em menos de dois dias ocupou o
segundo lugar na preferência dos ouvintes. Sua sonoridade e letra provocaram tanta
curiosidade que diversas fitas foram produzidas para atender aos pedidos de outras
emissoras. Diante da aceitação, bandas de trio elétrico começaram a frequentar os
ensaios de bloco afro em busca das raízes da história contada na canção de
Gerônimo. A Banda Mel saiu na frente e se deparou com um grande sucesso na
quadra de ensaios do Olodum nos primeiros meses de 1987: o samba-reggae
Faraó, divindade do Egito, composto pelo ex-vendedor de cafezinho Luciano Gomes
dos Santos na época um chapista de oficina mecânica recém-saído da
adolescência.

A diretoria do bloco havia decidido que o enredo para o Carnaval daquele

ano seria Egito dos Faraós, após ter constatado em pesquisas a liderança de
dinastias de negros em alguns períodos de apogeu do país africano escolhido como
tema. A letra criada por Luciano foi dividida em duas partes: na primeira, o
compositor utilizou uma justaposição de frases referentes à mitologia egípcia; na
segunda, associou o tema à condição racial do negro no Brasil e ressaltou a ligação
entre o Olodum e o Pelourinho. Vencedora do VII Femadum, Faraó se espalhou por
bairros pobres da cidade e ecoou nas festas de largo realizadas em janeiro e
fevereiro.

A Banda Mel percebeu o potencial da música e a lançou ao vivo, em cima de

um trio elétrico, na folia de 1987, adaptando a sonoridade percussiva original ao
conjunto formado por guitarra, baixo e bateria. Atenta à repercussão, a rádio mais
popular da cidade na época (a Itapoan FM) divulgou a versão da Banda Mel com
grande retorno de audiência (nas primeiras semanas, chegou a executá-la de 15 a
20 vezes por dia) e deflagrou o sucesso comercial de Faraó. A partir daí, a elite
baiana “descobriu” e a indústria cultural capitalizou um sentimento de negritude que
tomou conta de Salvador nos anos 1980. A imediata identificação popular
redimensionou o espaço da música produzida pelas entidades negras no carnaval
da Bahia. Pela primeira vez, um tema de bloco afro tocou em ambientes sociais
elitistas da cidade. O Olodum saiu do quase anonimato, ganhou destaque na
imprensa e conheceu o sucesso midiático. Foi o elo decisivo para que o repertório
dos grupos negros se transformasse em alvo de artistas e bandas de axé music.
Canções de outros blocos afros ganharam visibilidade. A Banda Mel vendeu mais
de 400 mil cópias, no seu disco de estreia, e se projetou nacionalmente.

Antes mesmo de o Olodum anunciar o seu tema para o Carnaval de 1988 (a

história da colonização da Ilha de Madagascar), outra fita, desta vez gravada pela
banda de trio elétrico Reflexu s, entrou na programação da Itapoan FM para o
lançamento de Madagascar Olodum, do compositor Rey Zulu. A vocalista Marinês,
que é negra, se apresentava usando indumentária de inspiração africana, cabelos
trançados e enfeitados com búzios, numa imagem associada ao visual feminino dos
desfiles de bloco afro. Graças ao sucesso de Madagascar, a Reflexu s ultrapassou a
marca de 750 mil cópias do seu primeiro LP, uma das maiores vendagens nacionais
daquele ano.

A chegada dos anos 1990 marcou a consagração local da cantora Daniela

Mercury, que propagandeou para si o título de “a branquinha mais pretinha da
Bahia”. A axé music expandiu o seu poder de comunicação e a indústria do
Carnaval virou um investimento milionário, capaz de exportar para outros estados a
estrutura empresarial dos blocos de trio elétrico. Era a manifestação do poder da
economia do lúdico, do Carnaval-negócio (RISÉRIO, 2004) conectado a um
mercado que não tinha compromisso ideológico com as comunidades negras e que
transformou em modismo o que era contexto. Como já afirmavam Adorno e
Horkheimer na segunda metade dos anos 1940, a produção em série sempre
ajudou a sustentar a lógica da indústria cultural, interessada no efeito gerado pela
repetição de mercadorias propulsoras da diversão padronizada, da imitação
facilitadora do consumo.