CURSO DE ESTÉTICA
FICHÁRIO
DISCIPLINA AUTOR
ESTÉTICA E FILOSOFIA DA ARTE LEDA MIRANDA HUHNE (1934-)
OBRA
HUHNE, Leda Miranda. Curso de Estética. Rio de Janeiro: UAPÊ, 2006.
INTRODUÇÃO
Embora a estética possa ser vista em diversos sentidos,
como saber não se limita a estudar somente as formas
artísticas, ela se volta para todas as formas significativas e
expressivas enquanto produção e criação humana. Sem
discussão, a arte é seu campo genuíno de estudo que se
caracteriza pela intensificação do poder criativo, próprio ao
homem, ser aberto ao mundo.
O que a estética como disciplina pode analisar?
Hoje, tem de se abrir para novas formas de arte e critérios
de beleza no cenário cultural multifacetado onde se
encontra o mundo criativo. 16
PARTE 1
A ESTÉTICA EM QUESTÃO
DEFINIÇÃO: A estética é filosofia justamente porque é
reflexão especulativa sobre a experiência estética, na qual
entra toda experiência que tenha a ver com o belo e com a
arte: a experiência do artista, do leitor, do crítico, do
historiador, do técnico da arte e daquele que desfruta
qualquer beleza. Nela entram, em suma, a contemplação de
beleza, quer seja artística, quer natural ou intelectual, a
atividade artística, a interpretação e avaliação das obras de
arte, as teorizações da técnica de várias artes.
(PAREYSON, L. Os problemas da estética. São Paulo:
Martins Fontes, 1966). 17-18
DICIONÁRIO: Estética: estudo que determina o caráter do
belo nas produções naturais, artísticas; filosofia das belas
artes; harmonia das formas e coloridos. (Dicionário
Brasileiro da Língua Portuguesa, Mirrador Internacional,
Companhia Melhoramentos de São Paulo, 1975). 18
ETIMOLOGIA: etimologicamente significa percepção
aisthetikos, de origem grega, “aquilo que é perceptível pelos
sentidos”. Com a mesma raiz encontramos a palavra
aisthesis, estesia, sensibilidade, significando não só o
conhecimento sensível (percepção) como a dimensão
sensível da afetividade). 18
PROBLEMA: Se a estética não tem mais um caráter
normativo na orientação da obra de arte, nem mais visa a
produção do belo, qual a sua razão de ser?. 18
CAPÍTULO 1 - OS SENTIDOS DA ESTÉTICA
A palavra estética vem do grego aisthesis e significa
“faculdade de sentir”, “compreensão pelos sentidos”,
“percepção totalizante”. Foi empregada pela primeira vez
por Baumgarten, no século XVIII, na obra Estética para
designar a área da filosofia que estuda o conhecimento
sensível, como arte de pensar de modo belo, como arte
analógon da razão”. 19
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
[Estética hoje]
Como caracterizar a estética hoje? No nível do senso
comum continua sendo vista como dimensão de beleza,
principalmente da aparência sensível em suas múltiplas
manifestações, da beleza física – do corpo à decoração.
Pelas ruas, nas revistas, lemos seu nome em letreiros de
academias de ginástica, lojas, estúdios cosméticos
indicando serviço referente à beleza no sentido de bom
gosto, estilo, saúde. Sempre associada à sedução, ao
desejo, ao mercado rentável. 19
[As três dimensões da Estética da Arte]
A estética pode ser vista em diversos ângulos.
Didaticamente, para analisa-la, podemos estabelecer três
enfoques: saber, experiência e fenômeno, que apontam três
níveis de compreensão. O primeiro se encontra no campo
do conhecimento: saber disciplinar. O segundo, no nível
vivencial: experiência sensível. O último, no nível objetivo
enquanto o que se mostra: fenômeno criativo.
Que relações existem entre saber, fenômeno e
experiência estética? Em todo o processo de criação e de
recriação da obra de arte, os três componentes se acham
de algum modo relacionados, constituindo o espaço
estético. 21
A DISCIPLINA ESTÉTICA
[Origem Platão e Aristóteles]
A estética é um saber de caráter histórico, mas como
disciplina curricular é recente. Existe desde os primórdios
na Grécia, com Platão e Aristóteles. No processo da
história ocidental como filosofia da arte – a disciplina
estética não existia – tinha por fim explicar e orientar o fazer
arte, no sentido de produzir beleza, de acordo com
determinados processos técnicos e cosmovisões. Foi se
limitando a ser na história da civilização ocidental uma
reflexão filosófica capaz de investigar as formas de arte,
expressões diversificadas e suas funções na sociedade. 21
[Estética na Grécia]
Nos primórdios da História Grega, a estética como filosofia
da arte, classificada no campo do conhecimento prático
como a ética, estava voltada para as formas do fazer
artístico. Os seus fundamentos estavam baseados em
princípios metafísicos, divinos, explicativos da origem e fim
de tudo o que existe. A metafísica tinha respostas definitivas
para explicar e definir o real, no caso a realidade artística, à
luz de conceitos universais, absolutos, essenciais,
verdadeiros. Eles expressavam a natureza única e bem
determinada do real que a arte como imitação (mimesis)
deveria expressar de modo belo. 21
[Estética de Baumgarten, Kant, Wundt e Fechner]
A estética foi se organizando ao longo da história ocidental
como a filosofia da arte explicativa das formas da arte. A
partir do século XVIII, passou por uma fase de abertura e de
crítica, à medida que se estabeleceu com Baumgarten
como ciência do belo, do conhecimento sensível. Foi
analisada por Kant à luz das questões de gosto e juízos
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CURSO DE ESTÉTICA
estéticos. Por força da revolução científica e transformações
sociais, um grupo de estetas como Wundt e Fechner
procurou transformá-la em ciência experimental no final do
século XIX, com pretensões a certa autonomia e métodos
próprios. Mas encontrou muitas objeções, num período de
muitas linhas contraditórias no campo da arte e da criação.
22
[Objeto de estudos]
A estética como saber tem objeto de estudo: uma obra vista
à luz do processo da criação artística (construção, estilo,
função, forma) e também expressão do meio social, cultural
dentro de um processo histórico. 24
OBJETO DE ESTUDO
[Objeto de estudo da estetica]
O objeto de estudo da estética é primordialmente a arte, e
no sentido lato, a criatividade. Todo objeto produzido, à
maneira criativa. Uma coisa útil: um cinzeiro, um design. Um
dado natural: paisagem, pôr do sol. Uma obra de arte:
poema de Manoel Bandeira. Qualquer objeto que provoque
uma emoção prazerosa, lúdica, mesmo que não seja
artístico, está sujeita ao processo de leitura e apreciação
estética. 24
MÉTODO DE ESTUDO
[Estética como método de saber]
A estética como saber não pode prescindir de um método
de investigação, um caminho de abordagem do objeto de
estudos que nas suas manifestações vive sempre em
processo de mudança, nas culturas e na história. Há
diversas vias de investigação para o conhecimento estético,
mas durante séculos de tradição filosófica se impôs o
método reflexivo, especulativo, baseado na lógica formal,
instrumento empregado pelos pensadores Platão,
Aristóteles e discípulos. Na modernidade ao se dar uma
reviravolta na visão do mundo em que a ciência se impôs
como forma de saber verdadeiro, o método experimental foi
o caminho procurado, aquele capaz de observar e medir os
fenômenos estéticos como propôs Wund e Fechner. Na
atualidade, devido a maior liberdade de expressão artística
e múltiplas linhas estéticas, os procedimentos de
abordagem foram se modificando e exige escola de acordo
com as leituras de mundo face às novas técnicas e
significados da arte. 26
[Método Hermenêutico]
O método hermenêutico, interpretativo, que propomos não
visa estudar o objeto estético como fenômeno isolado, mas
complexo, resultante de elementos inter-relacionados que
se mostram em rede cultural, histórica. Ele se acha num
jogo de visibilidade e invisibilidade em que a linguagem
procura apreender os dados ocultos e compreender
significados. 27
[...] A interpretação procura tirar o véu para deixar
irromper o sentido abrangente do modo de construção que
motivou a estruturação da obra de arte naquele tempo e
espaço determinado. 28
O FENÔMENO ESTÉTICO
[Definição de fenômeno]
O que é um fenômeno estético? Uma phainomenon, aquilo
que se mostra, aparece e se percebe porque provoca,
agrada, decepciona. Uma música. Um quadro de pintura.
Uma fotografia. Um poema. Uma escultura. Um filme. Uma
obra arquitetônica. Uma peça de artesanato. E muitos
outros objetos chamados de estéticos. 29
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(HUHNE, 2006)
[Característica do fenômeno estético]
O que caracteriza um fenômeno estético? A provocação de
um sentimento, de uma emoção estética, um prazer, um
desprazer. Quantas vezes, admiração, provocação,
entusiasmo. Uma interjeição! Fenômeno estético se
apresenta a mim e por mim é percebido. Está aí, presente
no mundo revelando potencialidades criativas e instigando
o fruidor. Não só eu o experimento, reconheço sua forma,
alcanço sua presença criadora num estado de
arrebatamento, magia, a ele me ligo projetando
sentimentos, desejos, e descobrindo múltiplos significados.
Ele desencadeia em mim um punhado de sentimentos e
desejos, acorda minha memória, arrebata minha
imaginação. 29
[objetividade e objetificação]
[...] A escultura está aí, na praça, instalada como objeto
artístico. Somente chega a ser fenômeno estético quando
se dá um encontro entre um sujeito que para ela se volta e
por ela é tocado. O que se dá? Experimento um sentimento,
uma emoção estética. 29
[...] O fenômeno parece ser o próprio objeto. Quando, na
verdade, ele é proveniente da inter-relação que se deu entre
nós, eu e ele. 30
[Eu e o Objeto]
Porque aceito sua provocação, a ele me dirijo, refaço-o
dentro de mim, ele não é mais puro objeto da minha
intenção e percepção. Agora, pela imaginação, eu o articulo
no meu mundo, o que não deixa de ser uma recriação. O
que revela que não existe fenômeno estético sem o
contraponto: a experiência estética de um sujeito. Ele se
acha aberto à presença daquilo e se mostra como texto
apreendido num mundo de significações. 30
[...] Qualquer coisa que se mostre e me desperte
uma experiência de agrado e que se estenda e se recrie
dentro de mim.
[Experiência aberta, sentimento imaginação]
[...] Se a experiência consiste na porta aberta para o espaço
do objeto que se mostra sedutor e significativo, a
imaginação no trabalho da percepção esquematiza a inter-
relação temporal desta experiência, o fenômeno aparece
neste jogo temporal, alastrando as possibilidades criativas.
31
ESPECIFICIDADE DO FENÔMENO ESTÉTICO
[Diferença do fenômeno estético entre outros: real e
simbólico]
O que identifica o fenômeno estético, o que faz com que ele
não se confunda com os outros fenômenos? É o fato dele
se mostrar numa estruturação que transformou o espaço
real em espaço simbólico à medida que provoca
sentimentos no fruidor. [...] O fenômeno estético não retrata
o fenômeno físico, mas exige recriação. Não mostra o que
tal coisa é, mas indica possibilidades de ser à luz das
possibilidades do receptor. 31
A EXPERIÊNCIA ESTÉTICA
[Experiência estética: sujeito e objeto]
A experiência estética se dá numa inter-relação entre um
sujeito e um objeto graças à sensibilidade e ao desejo de
compreensão do que se mostra de modo atraente. 32
[Experiência estética e beleza]
É comum escutarmos que a experiência estética é aquela
que decorre da presença de beleza. Não há dúvida que
essa colocação já revela a dimensão sensível como aquela
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CURSO DE ESTÉTICA
própria à experiência estética. Mas a identificação da
experiência estética à beleza reduz a riqueza do fenômeno
estético. 33
[Experiência Sensível e Experiência Estética]
Como transformar uma experiência sensível em experiência
estética? Ao transformarmos a experiência sensível, fruto
de uma percepção imediata do objeto, em experiência
sentida, compreendida, recriada. E de tal modo, que a
experiência seja não só de fruição de beleza ou sentimentos
afins, como também de revelação do sentido originário da
dimensão criativa da obra e do meu poder criativo.
O processo da experiência estética não é
intelectual, no sentido de ser norteado por abstrações, nem
produto de um saber. É uma experiência corporal onde o
sujeito se enlaça totalmente ao objeto, numa relação de
tanta intimidade a ponto de provocar a recriação do
fenômeno. Para muitos, produto de uma intuição, uma visão
gratificante de um objeto. Mas isso só pode acontecer
graças a um ato intencional do sujeito que o faz sair de si a
partir de uma gama de sentimentos, e dirigir-se àquele
objeto determinado, sentindo sua presença, muitas vezes
contemplando-o ou nele concentrando suas forças, e
reunindo-as a ponto de descobrir aí novos sentidos. 33 [Na
experiência estética não há somente uma observação
passiva de um objeto, mas existe uma potente recriação
do mesmo. Acreditar-se contemplar somente formas é
o que chamamos de objetivação; enquanto saber
partícipe da recriação estética do objeto chamamos
objetividade]
[O processo da experiência estética]
A experiência estética não se limita à impressão de beleza.
Ela se caracteriza por ser uma experiência que envolve um
conjunto de experiências decorrente de uma posição
intencional de apreensão estética do objeto: a) do corpo
enquanto sensibilidade capaz de suportar e se abrir para o
espaço real; b) da percepção enquanto ato intencional da
consciência voltada para algo que parece como objeto do
seu interesse e desejo; c) da imaginação (esquematizadora)
enquanto poder de selecionar e ordenar o que a memória
guarda em vistas de uma imagem, projeto de um futuro que
interliga o presente Às experiências passadas, e da
imaginação (criadora) enquanto poder de formação de nova
imagem a partir do inter-relacionamento temporal; d) da
linguagem enquanto estruturação, mostração e nomeação
daquilo que foi criado; e) do corpo enquanto sensualidade,
experimentando sentimentos de fruição que acompanha
todo o processo da experiência estética. 34
O PAPEL DA PERCEÇÃO E DA IMAGINAÇÃO NO
PROCESSO ESTÉTICO
[Percepção e experiência estética]
A percepção estética se dá no modo do homem olhar algo
com intensidade, sentindo emoções, descobrindo e
saboreando possíveis significações. Enquanto na
percepção ordinária o sujeito fica no plano imediato ou
passa para o plano reflexivo procurando a verdade do objeto
através de conceitos, no ângulo estético o sujeito se abre e
se entrega ao objeto num espaço experimental. 35
[Definição de percepção estética]
[...] Desse modo, a percepção estética acontece enquanto
experiência da negação da realidade como campo de coisas
isoladas, afirmando novas possibilidades de articulação,
graças ao trabalho imagístico que se dá no processo de
percepção da obra.
A experiência estética nega a obra como realidade
pronta; incapaz de ser apreendida através de conceitos
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(HUHNE, 2006)
intelectuais, sem a intenção e a intervenção de um sujeito.
36
[Processo de imaginação]
A imaginação não acrescenta algo de fantasioso ao real. Ela
tem o poder de ampliar o real, até o ponto de modifica-lo e
unifica-lo a outras experiências. Para isso acontecer, ela
deixa o sujeito ficar presente plenamente ao objeto do seu
perceber. 37
CAPÍTULO 2 – ESTÉTICA E ARTE
[DICIONÁRIO]
ARTE é um conjunto de regras para dizer ou fazer com
acerto alguma coisa; execução prática de uma ideia;
complexo de regras e processos para a produção de um
efeito estético determinado. (Dicionário da língua
portuguesa, Mirrador). 40
[Problematização]
Hoje é possível distinguir o que é artístico do que não é
artístico? 40
ARTE EM QUESTÃO
[ARTE - ARS]
Somos acossados e provocados pela presença de obras.
Fazemos nós necessariamente experiências estéticas com
essas obras que se dizem obras de arte? Serão de arte?
Algumas questões nos batem, a nós, contempladores,
fruidores, consumidores. O que é arte: diversão,
mercadoria, coisa valiosa, qualquer coisa? Quem pode
dizer o que é Arte? Quem estabelece sua função e pode
julgar a sua medida? O discurso competente? De quem? De
que estética? Que critérios? 41
Na origem etimológica da palavra arte, em latim
ars, arte significa articulação, isto é, ação que estabelece
junturas entre as partes de um todo. Assim fazer arte requer
o trabalho de ordenar, reunir, o que se acha solto, separado,
desconectado, sem sentido. É uma operação realizada por
aquele que é capaz de estruturar o que se acha desconexo,
tornando-o visível o sentido da reunião. 41-42
[Arte e Técnica: Cópia da realidade]
Na antiguidade grega a palavra arte indica a sábia execução
de uma obra de arte (bela), assim como do artesanato
(ofício). Os artistas viam a arte como um fazer, um ofício,
técnica de artesão ou obra de arte. Arte como téchne
consistia na capacidade de fabricar ou fazer alguma coisa
com correta compreensão dos princípios estéticos
envolvidos, ritmo, harmonia, e elementos materiais, sonos,
cores. Não bastava fazer, mas era preciso saber fazer, o
artista era um artesão, dominava o seu ofício. 42
[Arte como técnica: Artes Liberais e Artes Servis]
O artista se caracteriza pela sua capacidade de mostrar a
realidade a partir de uma operação técnica, produtiva e
inteligente capaz de imitar com perfeição a realidade, na
confecção de trabalhos manuais ou obras de arte. Ainda na
Roma imperial o poder estabeleceu diferenças hierárquicas
entre as artes liberais (arte nobre) e as artes servis
(funcionais). As primeiras desprovidas de utilidade (teatro,
poesia, música) e as outras voltadas para o uso. 42
[Arte como técnica: Correção da realidade]
A tradição prendeu-se mais a arte como obra bem-feita,
baseada na cópia fiel das aparências reais. Ela foi perdendo
o sentido de uma operação imitadora, mas também
transformadora porque corrigia o real. Na idade média, a
arte foi compreendida como ofício, capaz de apresentar a
realidade como bela, verdadeira, espelhando o divino.
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CURSO DE ESTÉTICA
Principalmente, seguindo regras pautadas na teoria das
ideias eternas e divinas de Platão, seguidas pelos padres
da igreja na idade medieval como Santo Agostinho. 42-43
Na modernidade, com o capitalismo e o movimento
liberal, acirrara-se a distinção entre trabalho manual e
intelectual [...]. 43
[Arte como não-técnica: arte pela arte]
No fim do século XX a arte no ritmo da modernidade se
bifurcava em alguns movimentos. Uns lutavam pela sua
autonomia, procuram desvinculá-la das suas funções no
mundo social e apregoavam a arte pela arte. Outros
procuravam inseri-la ao mundo da vida, criando um
cotidiano estético. Outros procuraram integrá-la ao mundo
tecnológico. O resultado é o surgimento de novas artes,
como fotografia e cinema, onde arte e técnica estão
intimamente ligadas. 43
[Arte hoje]
A arte está presente em obras de arte, no campo cultural,
de modo múltiplo e diversificado. O seu significado não é
mais evidente. Exige interpretação que se manifesta em
diferentes enfoques assim como variam as linguagens e
classificações. A visão da arte hoje não é a harmonia das
formas que unificavam todos os artistas, ontem,
expressando o modo de viver de toda a sociedade, tal a
antiguidade grega ou idade medieval. Vivemos num clima
de morte da arte. A arte morreu ou morreu um tipo de
concepção de arte? 44
[...] De qualquer modo, a história nos mostra que
arte é uma forma do homem testemunhar sua presença no
mundo da cultura, através da criação de obras que vão
oferecer interpretações diferentes da realidade e de si
mesmo. 45
AS DIMENSÕES DA ARTE
UM MODO DE DIZER: LINGUAGEM
[Arte como linguagem originária (Heidegger)]
A arte é linguagem originária, revela através de tantos
sinais, uma disposição para o dizer inaugural. É,
fundamentalmente, jogo de linguagem que se manifesta
numa obra significativa. [...] 46
A arte enquanto modo original de dizer se constitui
como produto do diálogo do artista consigo mesmo, com
seu mundo e ao se expressar poeticamente enriquece a
língua convencional. Ela consegue expressar, de modo
simbólico, o que as línguas comuns ou científicas não
conseguem atingir. Ela exprime potencialidades do artista
num trabalho artesanal que exige habilidades ou
capacidades criativas para dar forma à materialidade até o
ponto dela conseguir se transformar e se conformar. Seja
cor, seja som, seja luz, seja palavra, o que for. [...] O artista,
dotado de uma força de criação, estrutura formas capazes
de revelar o que foi percebido com novos sentidos, de modo
metafórico. Ele não se baseia nos processos formais da
razão, nem se limita a jorrar sentimentos, mas tenciona
criativamente formas e conteúdos, meios e conceitos, em
busca da medida artística ou o que ele acha que seja a
medida artística. 46-47
[Expressão Artística]
Qualquer expressão é expressão artística? De modo algum,
um “poeta” que confesse seus sentimentos,
necessariamente, não está fazendo poesia, talvez uma
catarse. Se o seu sentimento não chegou a um nível lírico
formal, ele não empreendeu uma obra de arte. Para ordenar
o que está disperso, no jogo da consciência com o
inconsciente, no jogo com o mundo, o poeta necessita de
Isaac Arrais Gonçalves
(HUHNE, 2006)
recursos linguísticos, técnicos, estéticos. Senão ele não fez
poema, extravasou sentimentos. 47
[Sentimentos convertidos em arte]
[...] Só que o vigor que irrompe no trabalho artístico, decorre
da canalização dos sentimentos do artista, que no fazer foi
alcançado a forma significativa, devido ao seu poder
técnico, senso estético e criativo. Um grito não é
necessariamente um ato poético, embora seja um som
expressivo. Um grito exprime vigor, força poética, dramática
para chegar ao nível artístico. O grito do artista plástico E.
Munch, o que revela e expressa, além de desespero. 48
[Singularidade da linguagem poética]
A obra de arte tem o poder de revelar ou de tornar inteligível
aquilo que não o consegue nenhum pensamento
especulativo, ela é linguagem de estruturação. Nesse
sentido, a arte não é uma ilusão, não é o campo do irreal,
mas desvela o real segundo a colocação da verdade que
ela ajuda a engendrar. Esta construção do sentido do
mundo presente à obra de arte se dá pela linguagem
poética. Toda arte é poética por destinação. A poesia
nomeia o existente, o desvela, o deixa presente na obra. 48
[Linguagem originária]
A arte é linguagem originária enquanto expressa o sentido
do mundo. E a essência da linguagem primeira é a poesia e
a poesia é a arte-raiz. Assim, todo artista é poeta, à sua
maneira de intuir e estruturar a linguagem da criação 48
UM MODO DE FAZER: TEMPO
[Temporalidade própria da arte]
A arte é tempo unitário porque exige um jogo do tempo que
brinca entre a permanência e a transformação da realidade
até chegar à obra criativa. As coisas que se acham soltas,
sem sentido, são processadas pela imaginação, e
aparecem em obra de arte, unificadas e transfiguradas, por
força do poder da linguagem de inter-relacionar as
instâncias temporais, ocasionando o campo da construção
de novas obras. 49
UM MODO DE CONHECER: VERDADE
[Definição heideggeriana]
A arte é um jogo, a mostrar e esconder a verdade dos entes
no mundo. A arte faz conhecer em obra a realidade de um
ente visto numa totalidade, mas causa estranhamento ao
apresenta-la de modo imaginário e criativo. Muitas vezes,
falar de verdade no campo da arte, provoca celeuma. No
nível do senso comum, a arte aparece como fantasia,
beleza, sem compromisso algum com a verdade,
desconectada do mundo real. É voz corrente: ela se quer
fingimento, produto de evasão ou de simulação, embora
vista como algo belo, a provocar emoção, prazer, sem
compromisso com a verdade. 52-53
[Arte Linguagem simbólica]
A obra de arte, em linguagem simbólica, passa verdade,
erro, farsa, mentira. Tudo pode estar presente à obra,
porque ela coloca o que acontece na relação homem/mundo
de modo simbólico, diferente de outros modos de conhecer.
[...] 53
[Arte e Linguagem metafórica]
Sempre no campo metafórico, a arte não mostra, nem
pretende demonstrar, o sentido do real através de ideia e de
formulas matemáticas como o conhecimento científico,
embora na história da civilização ocidental tenha se servido
de recursos lógicos para suas construções. [...] 53
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CURSO DE ESTÉTICA
[Arte como forma de conhecimento]
A arte como forma de conhecimento mostra: o lado visível e
invisível do mundo. Indica que há segredos na história e
aponta as contradições da vida, sempre uma tragédia e um
enigma. Ela não os decifra, deixa-os presente, em repouso,
e se mostra em estilos diversos. O olhar atento descobre a
obra de arte, no jogo da verdade histórica, assim como na
verdade formal, presente, diante de nós, em formas
concretas. Sendo vistas, elas tocam as sensibilidades,
desafiam não somente a razão como a imaginação.55
[História e Estilos]
Historicamente, as formas expressivas falam de estilos,
mas também das relações sociais e políticas, os diferentes
modos de produção e consumo, ideologias e cosmovisões
de época. Elas vão mudando à medida que se modificam os
múltiplos recursos materiais, formais, técnicos, imagísticos,
apontando a arte na incessante busca de dar forma ao que
intensamente surge, sem nome. Ela vai criando algo
chamado de belo, sublime, algo significativo, que expressa
o além, o nada, o indizível e provoca uma emoção estética.
56
A ESTRUTURAÇÃO DA OBRA DE ARTE
A OBRA DE ARTE
[Desrealização para realização de uma nova realidade]
A obra de arte esta aí, exposta como um objeto individual,
concreto, datado, localizado. Ao mesmo tempo, cada obra
de arte é mundo simbólico, síntese de múltiplas mediações
do homem com o real Isso significa que numa obra se
encontra uma unidade de sentido, uma variedade de
elementos, contraditórios, divergentes, resultante do próprio
movimento de ligação, aí, onde eles estão inseridos. Corte
e reunião, eis o trabalho do artista. Mas nessa ruptura, ele
cria uma dimensão que transcende a sua própria vivência.
Em outras palavras, desrealizando o mundo na imaginação,
ele realiza em obra artística, outra realidade. 58
[Criatividade, beleza, verdade, aura] Se, hoje, o
objeto estético é tão contestado, como fica a obra de arte?
A toda hora parece que entramos num redemoinho. Onde
se acham os conceitos que caracterizavam a obra de arte?
Caíram por terra porque a obra de arte perdeu sua “aura”.
Qualquer coisa pode ser arte. A questão da essência da arte
parece estar fora de qualquer discussão. A questão da
criatividade é vista como retrógrada. Valores como verdade
e beleza, nem se fala, ultrapassados. Para que habilidade
técnica se a arte é um conceito? Que interpretação pode
revelar a arte, se a língua não consegue alcançar as novas
e diferentes concepções e a mídia não tem interesse me
conhece-las e divulga-las? Vivemos num divisor de águas,
numa ponte que separa as classes sociais: de um lado, a
elite intelectual, artística, com seu jeito irônico e sentenças
arrasadoras sobre o destino da arte; do outro, a alienação
do povo que engole a cultura de massa. Para culminar, o
hermetismo dos estetas e a obra de arte fechada,
incompreensível, favorecendo a cultura da mídia que
mantém indiscriminadamente jargões atuais e palavras
obtusas ou já em desuso, criando equívocos sobre arte e
estética. Assim, há todo um glossário que impede um senso
crítico. A arte no campo da barafunda passa por qualquer
coisa que desperte emoção. A beleza passou a ser
sinônimo de prazer. A estética, de saúde, adorno e vigor. E
criação, mera inventividade ou estilização. O descrédito
face à orientação para fazer-arte cresce em todos os cantos
e faz da estética disciplinar um estudo de segunda categoria
ou desnecessária.58-59
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
[Benjamin e a “aura” da obra de arte/Obra Espetáculo]
Segundo W. Benjamin, é difícil hoje definir o sentido da obra
de arte porque ela perdeu a sua “aura”. Se durante séculos,
da Grécia até o século XVIII, a obra de arte era considerada
obra única, original, autêntica, exemplar de única aparição
de uma realidade longínqua, hoje, na época das técnicas da
reprodução em série, do império da difusão das imagens, a
obra de arte não se impõe mais como obra que exige
contemplação, nem valor de culto. A obra de arte não se
esconde no véu divino, nem aponta o mistério das origens,
não parece ser mais fonte de inesgotável significado O que
ela vale? Valor de uso? De troca? Valor do trabalho do
artista? É vista como diversão e tem valor de exibição. 60
[Definição de obra de arte: estruturação estética e
poética do vivido]
O que é a obra de arte, de ontem e de hoje? Na verdade,
da sua construção é um modo de estruturação da
experiência humana, que se manifesta através de uma
forma capaz de expressar uma interpretação simbólica do
mundo. É o resultado de um modo de organizar o vivido,
colocando algo, “belamente” em obra, por força do tempo
originário e da linguagem poética. E, ao se dirigir à nossa
imaginação e sentimentos, orna-se objeto estético e, por
excelência, uma experiência estética. 61
[O artista quer mostrar mais do que há na realidade
sensível]
Afinal, sabemos o que é a obra de arte? O que vemos é
muita experimentação no campo das artes. Quando uma
obra se afirma, se dá o consumar do trabalho do artista,
indicando a sua inter-relação, na ordem do imaginário, com
o mundo. Portanto, para haver obra de arte é preciso mais
do que seleção. É necessário que uma diretriz estética
possa permear o processo da estruturação da obra, num
fazer que saiba, de algum modo, interligar forma e material,
onde aparecem sentidos que revelam o homem exprimindo,
simbolicamente, a realidade. A obra de arte exige
resoluções estéticas que revelam o artista e a arte no
embate para alcançar uma aparência na obra de arte que
expresse mais do que sinais descritivos do mundo. Um
Goya não sabia apenas técnicas de pintura, mas lutava
para encontrar meios de dizer mais do que a imagem da
própria realidade sensível, concreta, como aparecesse nas
grotescas telas dos Caprichos. 62-63
[Definição de Arte em Heidegger]
[...] A arte, mais que aparência de beleza, é “origem da obra
de arte no sentido de fundação”, ela inaugura um modo de
dizer que revela o mundo dentro de um contexto. E passa a
existir na história e se mostra diferentemente, graças ao
processo de sua criação-inserção numa realidade
determinada. Fica presente, na obra de arte, o sentido do
ser que é o sentido do mundo, manifestando-se num jogo
de verdade claro-escuro. Todos os elementos, terra e céu,
mortais e imortais, distantes e unidos, se entrelaçam numa
linguagem que fala em novo mundo, do tempo
eminentemente histórico. Não se trata de uma obra imitativa
que revela uma essência imutável, de acordo com o modelo
eterno. É a obra que manifesta em nível poético alguma
coisa do mundo, de modo totalizante, aí algo se forma e se
torna inteligível, visível. [...] 63
[Acontecimento da obra de arte]
Como acontece a obra de arte? O artista, no seu processo
temporal, à luz de uma atitude estética ilumina e articula o
material, conformando-o numa linguagem, belamente
expressiva, estruturando sentidos inéditos no mundo. [...] 63
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CURSO DE ESTÉTICA
ITENS FUNDAMENTAIS DA ESTRUTURAÇÃO DA OBRA
DE ARTE
[Trabalho, Material, Forma e Valor]
O poeta Tasso da Silveira, nas aulas de estética dizia: não
há obra de arte sem quatro itens: trabalho, material, forma
e valor. A obra exige trabalho: um modo de fazer com
técnica e intensão estética a obra que acontece no processo
temporal. Exige material: isto é, a materialidade onde o
sentido da obra é conformado. Exige forma: nova forma
arrancada à matéria dada, cuja inter-relação se expressa na
linguagem da arte. Exige valor: a obra pronta mostra
apreciável potencial estético. 64
TRABALHO
[Trabalho e sentido (Significado)]
O artista é um trabalhador, mas que tipo de trabalho, ele
realiza para fazer arte? Não se trata de um simples moldar
materiais a partir de sonhos e ideias. Nem uma mera
fantasia a sair do campo do desejo ou inspiração. Nem um
criar iluminado pela inspiração, nem um ato tão fácil como
apanhar fruto maduro ou uma coisa, por acaso. De jeito
nenhum Uma matéria qualquer – palavra, sonos, cores –
está aí, à disposição. Deixar surgir algo em forma não
significa seguir um impulso, que se esgota na mera
expressão. [...] Assim, a obra de arte se caracteriza como
produto da luta que se dá no espaço do artista entre seu
desejo expressivo e o fazer artístico. Reconhecemos:
exprimir é algo comum a todos os homens, até os animais.
Somente o artista, devido ao seu fazer, à operação
instauradora de sentidos, consegue produzir formas
significativas, chamadas belas. 65-66
[Trabalhador e Matéria]
Que trabalho realiza o artista? Como todo e qualquer
trabalho é um saber-fazer a obra, com técnica, tendo
consciência dos meios para chegar a sua consecução. Um
trabalho construtivo e intencional de quem usa a imaginação
para objetivar a obra, em segura estruturação, na realidade
cultural. Seja uma obra útil, seja uma obra de arte. Mas para
realizar uma obra de arte, o artista tem de enfrentar seus
impulsos, emoções e através de uma intenção estética
vencer a matéria que faz suas exigências A matéria a ser
trabalhada impõe resistência, por isso tem de ser
conhecida, pois se suas leis forem violadas, não surgirá
obra de arte. Como fazer música sem conhecer e trabalhar
o som? Como fazer pintura sem conhecer e trabalhar cores
e formas? No combate, ora vence o desejo expressivo, ora
vence o fazer artístico. Quando a expressão tem prioridade,
o artista atrofia a forma e se derrama, se dilui. Tantas
confissões de amor, chamadas de poemas, não serão
meras expressões e gritos soltos? Tantos artistas abafam
os sentimentos e se limitam tecnicamente a reproduzir
formas, e não conseguem nada dizer de si e do mundo por
falta de expressão criativa, por isso não basta apenas o
trabalho formal. 67
MATÉRIA
[Definição de matéria]
Qual a matéria da arte? A palavra matéria está carregada
do peso da substantividade, tão própria à metafísica
clássica. De tal modo, que ainda persiste o sentido de
matéria concreta, sensível, física, que recebe a forma pela
idealização do artista. Aristóteles estabelecia uma
separação entre a ideia (forma) que o artista concebia do
artífice (matéria) que ele usava para exprimir essa mesma
ideia. Tudo se processava neste enfoque como se a matéria
fosse massa inerte e o artista, pelo processo mimético,
imprimisse a forma de modo absoluto. Na modernidade, por
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
força da própria ciência, não há mais rígida distinção entre
matéria e energia. [...] 68-69
[Matéria é Material]
O que está em pauta quando se fala em matéria em arte é
o material com que o artista vai trabalhar. Caracteriza-se
pela maneira do artista selecionar e formatar determinado
material, um solo ilimitado. No que vai resultar em trabalho
da materialidade que deve chegar à nova realidade
expressiva, que a ela foi dada, de modo simbólico,
estabelecendo um corte com a realidade sensível. 69
“A materialidade é o solo a ser trabalhado”. 69
[Materialidade constitutiva da obra]
Quando se fala matéria da arte não se trata de matéria
bruta, nem do material empregado na confecção de algo
que varia de acordo com as áreas específicas da arte, mas
da materialidade constitutiva da obra. 69
FORMA
[O artista trabalha a forma da Matéria]
A palavra forma, no nível do senso comum, se acha
associada ao modelo, ao molde de qualquer coisa, à
formatação de qualquer corpo com feitio preestabelecido.
Só que o artista procura formatar a obra, a partir do que não
é, mas do que vai se formando, se materializando, num jogo
onde material e forma se revezam até alcançar novo
material formado, nova forma materializada. Ser artista
implica em criar materialidade, formatar uma realidade.
Capacitação que incide no domínio técnico de saber
trabalhar com o material e formata-lo de modo original. 71
[Forma no conjunto de materiais diversos]
O que caracteriza a forma não é a aparência, mas a
estrutura da obra sua organização interna. Esta ordenação,
que segue diferentes lógicas, se dá, graças ao poder do
artista de unificar em uma totalidade significativa, a
diversidade de elementos, muitas vezes, contraditórios,
opostos, dispersos. 71
[Forma e conteúdo]
Portanto, na obra de arte não existe de um lado a forma e
de outro o conteúdo. Um não existe sem o outro, no sentido
que o conteúdo da obra de arte, nasce no momento em que
nasce a forma. O ato de criar não é o ato de dar forma a um
conteúdo, mas é o ato de formar conteúdos, novos e
originais. 73
[Sentir estético e a forma]
Se o sentir estético impulsiona o fazer criativo, todavia, não
se trata de uma fonte de sentimentos e emoções primárias,
pura espontaneidade, um jorrar, um extravasar. É mais uma
atitude que acompanha o artista como luz que ilumina o
acervo da sua seleção num punhado de experiências, em
nível consciente e inconsciente, e que na delimitação
adequada chega à formatividade da obra. 73
VALOR
[Valor Social e Estético]
As obras de arte estão aí no mundo das culturas e da
história, mostrando seu valor social, valor estético e valor de
mercadoria. 74
A palavra valor é controvertida porque pode indicar
algo visto com peso numa escala hierárquica, ou algo de
significação valiosa financeiramente. Se durante muito
tempo o valor atribuído à obra de arte era a beleza, à medida
que foram se diversificando os padrões e juízos estéticos,
outros problemas como gosto, sublimidade, prazer, foram
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CURSO DE ESTÉTICA
se incorporando O que é feio? O que é bonito? Tudo
depende da interpretação e a questão foi se deslocando do
assunto para a força da representação e até para a
negação. 74-75
Devido à morte da hierarquia de valores se tem a
impressão que não existe valor. Assistimos no campo da
avaliação da arte, dos críticos, hoje, embaralhamentos de
julgamentos. Na balança, ora subjetivos como projeções
românticas e sentimentais, ora científicos com base de
objetividade. Ou julgamentos conservadores, que ainda se
pretendem ao ideal eterno de beleza e regras de arte. Ou
ainda, a absoluta ausência de julgamento. Difícil é julgar.
Quem tem autoridade para dizer que algo é
verdadeiramente obra de arte? Quais os critérios para
afirmar que esta obra de arte é bela e ver dadeira? 75
[Interrogações sobre valor]
De qualquer forma, questões ficam no ar? Que medida
adotar para estabelecer o valor da obra? Como julgar a obra
de arte? A qualidade, o processo de criação, a
espontaneidade criativa? Quem pode estabelecer a
linguagem da arte? Por que tem de ser a tela e não o objeto
que fala de modo criativo no campo da pintura? Por que o
ritmo e não a rima não deve ser o essencial no poema? Por
que a experiência estética tem que se dar à luz de uma
experiência figurativa no campo da tensão fundo-forma?
Por que cada arte não pode ter sua própria linguagem de
criação? Que valores estão presentes à obra de arte? 76-
77
[Valor da obra de arte]
“O valor imputado à experiência estética tornou-se origem e
fonte dos chamados valores estéticos. (...) As obras de arte
(...) são também portadoras de valores não estéticos. Mas
o valor estético significa – ou deveria significar – algo
diferente no valor total de uma obra de arte.” (OSBORNE,
H. Estética e teoria da arte. São Paulo: Cultrix, 1982). 77
[Valores estéticos da obra de arte]
A obra de arte se caracteriza pela presença de valores,
estéticos sempre em relação a outros valores como
técnicos, decorativos, religiosos, mas de imediato ela
parece provocar valores estéticos de agradabilidade ou
desagradabilidade, isto é, prazer estético ou não. Há uma
gama de valores estéticos que são atribuídos às artes como
beleza, sublimidade, êxtase, fascinação. [...] 77
[Heidegger e os Valores]
Criticando a super-valorização dos valores, vistos em si
mesmos, Heidegger diz: 78
“Porque se fala contra os “valores” surge uma
indignação em face de uma filosofia – assim se retende –
se atreve a desprezar os bens mais elevados da
humanidade, pois, o que é mais lógico que isso: um
pensamento que nega os valores terá necessariamente
declarar tudo sem valor?” (HEIDEGGER, M. Sobre o
humanismo, Rio de Janeiro: Tempo Brasileiro, 1967). 78
CAPÍTULO 3 – ESTÉTICA E CULTURA
CAPÍTULO 4 – ESTÉTICA E CRIATIVIDADE
CAPÍTULO 5 – ESTÉTICA E HISTÓRIA
[Herold Osborne, Introdução sobre a Estética na
História]
“A Estética formal, como a conhecemos, é uma recém-
chegada na história do pensamento humano. Mas os
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
homens ponderaram, especularam, tiveram as suas
convicções acerca da natureza da arte, do porquê e do para
quê da atividade artística, muito antes do século XVIII. As
diferentes épocas e culturas tinham um ponto de vista
diferente sobre esses assuntos, manifestado não só no que
os artistas diligenciavam fazer ou no que se esperava que
eles fizessem, mas também nos critérios pelos quais se
avaliavam as suas obras. Por essa razão, as observações
de um artista, de um moralista ou de um eclesiástico são,
às vezes, tão significativas no revelar as implícitas
suposições estéticas de uma época quanto as mais
poderosas e abstrusas formulações dos filósofos – o que
não quer dizer que estas últimas posam ser
negligenciadas.” 151-152
[Dicionário]
HISTÓRIA: Os fatos do passado da humanidade
registrados cronologicamente. Narração ordenada, escrita,
dos acontecimentos e atividades humanas ocorridas no
passado. Ramo de ciência que se ocupa de registrar
cronologicamente, apreciar e explicar os fatos do passado
da humanidade em geral, e das diversas nações, países e
localidades em particular. (Dicionário da língua portuguesa,
Mirrador). 152
[Problematização]
PROBLEMATIZAÇÃO: Por que hoje, mais do que nunca, se
torna impossível investigar as questões estéticas sem
recorrer à história geral, da arte e da filosofia? 152
O LUGAR DA ESTÉTICA HOJE
[ADORNO: o Estudo da Estética hoje não tem apoio]
Adorno, no texto de sua Teoria estética, faz algumas
observações que bem nos revelam a situação da estética
na época atual. É um saber que face à história e cultura se
encontra sem fundamentos fixos e sem apoio. 153
[Adorno: estudo da Estética como algo antiquado]
“O Conceito de estética filosófica tem algo de antiquado
como de sistema ou de moral. Este sentimento não se limita
de modo algum a práxis artística e a indiferença pública
perante a teoria estética. Desde há dezenas de anos,
mesmo nos meios acadêmicos as publicações relativas a
este tema regridem de maneira surpreendente. Um
dicionário filosófico recente sublinha a propósito:
dificilmente, existe uma outra disciplina filosófica, que como
a estética, se baseie em pressupostos tão inseguros Tal
como um cata-vento gira a cada pé de vento filosófico,
cultural, teórico-científico, voltando-se ora para metafísica,
ora para o empirismo, normativa um dia e descritiva outro,
vista agora a partir do artista, e logo a partir do amador.
Hoje, ela se vê o centro da estética na arte para o qual o
belo natural se deve interpretar apenas como um primeiro
grau e amanhã encontra no belo artístico unicamente um
belo natural de segunda mão. O dilema da estética, assim
descrito por Moritz Giger, caracteriza a situação desde
meados do século XIX. A razão deste pluralismo de teorias
estéticas, que muitas vezes não são elaboradas
completamente, é dupla: reside, por um lado na dificuldade
principal e até na impossibilidade de tratar a arte em geral
por meio de um sistema de categorias filosóficas; por outro
lado na dependência tradicional das proposições estéticas,
a respeito de posições teórico-cognitivas, que lhe servem de
pressupostos. 153-154
[Pontos importantes para Adorno]
Adorno deixa nesse texto um conjunto de temas que
merecem considerações:
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CURSO DE ESTÉTICA
1. O conceito estético e a sua relação com a
metafísica;
2. O pluralismo das teorias estéticas e a crise da
metafísica;
3. A impossibilidade de tratar a arte somente à luz da
filosofia;
4. A tradicional dependência dos pressupostos
estéticos às posições teóricos-cognitivas. 154
[1] O CONCEITO DE ESTÉTICA E SUA RELAÇÃO COM
A METAFÍSICA
(O caráter metafísico da estética tradicional)
[Estética Metafísica (Antiguidade) e Estética Crítica
(Modernidade)]
É comum escutarmos: a arte está mora, consequentemente
a estética também. No meio cultural resta, todavia, um ranço
de normatividade. De que se trata? Para compreender em
que sentido o conceito de estética filosófica tem algo de
antiquado é necessário didaticamente ver a história da
estética em duas grandes vertentes: metafísica e crítica, ou
em tradicional e moderna. A primeira constitui a filosofia da
arte que surge na antiguidade grega e se mantém até o
começo da idade moderna. A segunda irrompe com força
no século XIX, época da crise da metafísica que coincide
com o cientificismo por força do desenvolvimento das
ciências particulares e a tentativa de fazer da estética uma
ciência. 154
[Fim da metafísica]
No século XX, na fase pós-moderna, surgem debates sobre
a morte da arte e da metafísica, e se discute: ainda existe
arte, existe metafísica? Todas as formas de arte sejam de
caráter subjetivo, objetivo, interativo, não serão todas
válidas, desde que sejam significativas? 155
[A estética está ligada a uma metafísica Clássica]
O que caracteriza a estética filosófica é o seu
comprometimento com a metafísica clássica, isto é, com
uma interpretação da arte à luz de pressupostos lógicos e
metafísicos que procuram definir sua essência de modo
imutável: “A arte é a imitação da verdadeira natureza” [...].
Toda realidade explicada à luz do mesmo princípio divino,
além do homem e do mundo, do mesmo princípio
transcendente. 155
[2] O PLURALISMO DAS TEORIAS ESTÉTICAS E A
CRISE DA METAFÍSICA
(A crise da metafísica tradicional e a Estética Moderna)
[KANT e a crise da Metafísica]
A reviravolta que se processa no campo da estética não
surgiu hoje. Apenas leva adiante a posição de Kant,
pensador alemão do século XVIII, que ao criticar os
fundamentos do conhecimento, tendo por modelo o
conhecimento (metódico) da ciência, coloca em cheque a
metafísica. Demonstra que este saber tornando-se
hipotético já não mais se sustenta como coluna da filosofia
universal, não pode dar garantias às verdades primeiras e
absolutas por não ter condições de comprová-las. Kant no
livro Crítica da Faculdade dos Juízos (1790) encerra a
estética como estudo independente dos princípios
metafísicos, uma dimensão que une a vida intelectual à vida
sensível, mediatizada pela imaginação.156
[BAUMGARTEN e a crise da Metafísica/Estética]
Mas quem iniciou, neste século, a releitura da arte e beleza
foi Baumgarten, que nomeou como estética aquilo que tem
por objeto e análise “o que é perceptível aos sentidos”.
Procurando com a desvalorização da vida sensível no
campo da filosofia, afirma que a estética não devia se limitar
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
ao estudo da arte, mas deveria se tornar a ciência que se
volta para o que se processa no campo do conhecimento
sensível: belo, gosto, fruição e criação da obra. 156
[WUNDT, FECHNER, TAINE e a Estética Experimental]
Pois na época de cientificismos, com novas experiências
sociais, artísticas e científicas, há tentativa para constituí-la
como ciência. Nessa linha, alguns pensadores procuraram
transformar a estética numa ciência experimental, nos
moldes metodológicos: Wundt, Fechner e Taine. Outros
tentam lhe dar uma nova fundamentação filosófica como
Hegel, Schiller e Nietzsche, numa linha mais
fenomenológica, ao nível da história e da cultura. 157
[Crise da Estética: Cientificismo Estético e Esteticismo]
No final do século XIX e primórdios do XX, a sociedade
sofre, através da revolução industrial, profunda influência da
ciência e da tecnologia, se fazendo notar uma crise na
estética através de dois movimentos: o cientificismo estético
e o esteticismo. O primeiro reforçando a aproximação da
estética ao mundo novo, da ciência e tecnologia. O segundo
expressando o repúdio aos cânones da estética clássica.
Ora, embatem filósofos, sociólogos, psicólogos, artistas,
literatos questionando a autoridade da estética com a
pretensão de fundar uma “teoria geral da arte”. Ora, um
grupo de artistas pretende fazer da estética a diretriz da
própria vida, de tal modo que a ela, todos os outros campos
culturais se sujeitassem. E seduzidos por um certo
irracionalismo se insurgem contra a ortodoxia da arte que
estabelecia norma para o fazer. 157
[Estética na contemporaneidade]
Hoje, entre a banalização e o endeusamento, se encontra a
obra de arte – circula como mercadoria –, e passa a ser
negada como obra valiosa. E a estética deixa de ser alvo de
debates e estudos significativos. [...]. 157
A IMPOSSIBILIDADE DE TRATAR A ARTE SOMENTE À
LUZ DA FILOSOFIA
[Estética e Semiótica]
Mas a estética não tem mais vez? Caiu sua validade
enquanto saber? Muitos estudiosos da linguagem insistem
na substituição da estética pela semiótica. Alegam que não
se trata mais de qualificar o belo, mas de apreender a ler
através de signos a informação sobre o real artístico, onde
o belo é mero pretexto. 158-159
[Crítica de Adorno]
A crítica que Adorno faz à estética metafísica como
anacrônica e à confusão reinante de seus conceitos (tão
plurais e incompletos) decorre, portanto, de uma dupla
razão: da impossibilidade da arte em se limitar às categorias
filosóficas e também da tradicional dependência dos
pressupostos estéticos às posições teórico-cognitivas. Elas
não só permeiam as suas representações formais como
também têm lhes servido de instrumento à investigação do
objeto estético. 159-160
A TRADICIONAL DEPENDÊNCIA DOS PRESSUPOSTOS
ESTÉTICOS ÀS POSIÇÕES TEÓRICO-COGNITIVAS
[Gnoseologia e Ontologia]
Sem autonomia, a filosofia da arte era apenas uma simples
vertente da poderosa metafísica, determinada pela diretriz
de conhecimento e pela visão de mundo dos sistemas
filosóficos tradicionais. 160
Assim, as posições estéticas enquanto
proposições de conhecimento do fenômeno estético e
artístico têm dependido dos pressupostos filosóficos,
principalmente gnoseológicos e ontológicos. Da
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CURSO DE ESTÉTICA
gnoseologia enquanto estudo analítico do processo do
conhecimento lógico, seus limites e possibilidades e da
ontologia enquanto estudo do ser em sua imutável essência
e finalidade. 160
Mas a história da filosofia, nos últimos tempos, nos
mostra esses pressupostos como discutíveis a depender
dos modos de se compreender e interpretar o mundo finito.
160
[Estética e Estéticas hoje]
Sem respostas definitivas, hoje, diante de tantas
alternativas, domina um clima de complexidade: não há
estética, mas estéticas. Tudo indica que a tradicional se
esgotou, e a estética moderna, que se quis crítica dos
absolutismos não vingou. Vivemos numa fase
inegavelmente anárquica e contraditória: a arte nega e
assume velhas formas. De qualquer modo, a estética, tantas
vezes, passa por não ter autoridade para exercer qualquer
caráter normativo. Hoje já não é considerada necessária:
estética, para quê? Sem função, ela “gira como um cata-
vento”. 161-162
ESTÉTICA, ARTE E HSTÓRIA
[Sensibilidades de uma época]
A história se torna indispensável ao saber estético porque é
impossível discutir arte e seus problemas, sem referência
às diversas modalidades de respostas que foram dadas
pelos artistas e pelos intérpretes ao longo do tempo. Isto
não significa que a estética pretenda descrever ou
inventariar as obras de arte de uma cultura, nem mesmo
discutir as razões dos seus estilos, mas aspira chegar às
permanentes e diferentes situações em que as questões da
arte se mostram no mundo da cultura. 162
[Problema atual da estética]
Como fica a estética hoje? Que critérios seguir para apreciar
a obra criativa se não mais segue o caminho da razão
absoluta e suas verdades eternas? Nem da razão
instrumental e da razão científica? Nem da razão
imagística? Se diversas estéticas estão admitindo a obra no
plano da finitude, admitindo que a arte se conforma no
presente, através das obras, múltiplas obras, expostas nos
museus e nas ruas, nas salas de concerto e nos rádios de
carro. 162
HISTÓRIA, ARTE E VERDADE
[Concepção estética história de beleza, gosto, verdade,
etc.]
Encontramos, na relação entre história da estética e história
da arte, a relação arte e beleza dependendo de uma
compreensão do sentido de verdade e consequentemente
de linguagem. Assim, cabe a estética como dimensão do
saber filosófico, ficar atenta à realidade social, natural,
humana, à luz dos pressupostos cognitivos, originados no
modo do homem estar no mundo cultural, datado e situado.
163
[Beleza e Criatividade]
Dizer que a arte é fundamentalmente beleza ou criatividade,
como a história da arte muitas vezes a interpreta, de
imediato, revela o desconhecimento de um conjunto de
variáveis que possibilitam ou impedem a compreensão do
trabalho de criação. 164
[História e Verdade]
A história nos mostra que o homem “mora na verdade”
porque o que fica de cada momento histórico é exatamente
aquela realidade interpretada através de formas
expressivas. 165
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
[Verdade é Interpretação da Realidade]
Portanto, na civilização ocidental é possível descobrir o
sentido da verdade como interpretação da realidade, em
grandes momentos históricos, a partir das obras de arte. Aí
fica presente a obra de arte como novidade ontológica,
inauguradora do sentido temporal de mundo, indicando a
diretriz do sentido que fundamenta o processo de
relacionamento do homem com aquele mundo. 166
[Grécia] Na Grécia, há uma variedade de obras
culturais como mitos, tragédias, templos, estátuas,
artefatos, que indicam no processo da imitação artística, a
presença da concepção do sentido de verdade como
absoluta. Os artistas seguiam uma cosmovisão naturalista:
um cosmos perfeito que manifesta o modo do homem grego
de estar integrado ao mundo naturalmente divino. 166
[Medievo] Na época medieval, a religião cristã
determina a arte sacra, principalmente igrejas e catedrais,
uma diretriz de concepção de verdade absoluta A arte
imitativa pretende revelar o sentido de um Deus pessoal e
incarnado como razão de ser do homem no mundo. 166
[Modernidade] Nos tempos da modernidade
muda o enfoque da verdade, vista no campo real, obtida
pelos meios científicos, medidos e calculados, mostrando o
poder do homem sobre a natureza e a arte se volta para a
diversificada casa do homem. São as investigações, os
projetos das cidades, a arte pós-moderna. 166
[Pós-Modernidade] Hoje, a ciência e a tecnologia
fazem da verdade uma construção temporal e na arte a
provisoriedade aparece como medida do homem em
múltiplas formas, arte abstrata, arte concreta, arte colagem,
arte-fragmento, arte-instante, arte-imagem gráfica, arte-
conceito, arte-pop, tudo indicando o distanciamento da
realidade substancial e transcendente. O homem vai mais
longe, se abre para seu mundo inconsciente, cria artes
surrealistas, fantasmagóricas. Explora em arte a não
possibilidade de verdade realística e se joga no campo da
ficção científica, como aparece em tantos filmes. 166
[Heidegger: Arte e Verdade]
Heidegger, analisando a relação entre arte e verdade diz: “a
transformação da essência da verdade corresponde a
história da essência da arte ocidental”. Ele nos diz que a
arte foi se essencializando no processo historial a partir das
mudanças do sentido da verdade. Esta mudança aconteceu
no processo cognitivo, no modo de constituição do sentido
do real como objeto de conhecimento primeiro metafísico,
depois teológico, em seguida, científico, hoje, anti-racional
e pluralista. 168-169
PROBLEMAS ESTÉTICOS À LUZ DA HISTÓRIA
OCIDENTAL
[História da Filosofia e dos problemas da Estética]
A história da estética da civilização ocidental basicamente
está ligada aos conceitos universais sobre arte e beleza
baseados nos princípios metafísicos. E a própria história da
arte no campo da práxis seguiu os fundamentos desses
conceitos. [Grécia] Desde o seu começo, bem determinado
na Grécia, com poucas exceções, há espaço para o jogo da
contradição, do presente e do ausente, do positivo e
negativo, do belo e do feito. [Pensadores Clássicos] A
partir dos pensadores clássicos impera a determinação do
princípio de identidade, o que é, é. Esse modo de se ler o
real excluindo o meio termo, as tensões, por força da
racionalidade foi o caminho estético da civilização ocidental.
Pautou-se na linha dos grandes filósofos gregos, distante da
posição de Heráclito [Devir] que chama atenção para a
realidade como jogo de contrários, a beleza como vigor
imperante na obra da natureza, onde a physis e o logos
vivem em combate. Essa filosofia foi abafada pela
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CURSO DE ESTÉTICA
interpretação da linha de Parmênides [Ser] que defende o
princípio da identidade, “pensar e ser são o mesmo”.
Interpretada pelos grandes socráticos gregos, Platão e
Aristóteles como um modo de excluir a diferença e a
contradição, eles deram, por sua vez, os fundamentos para
a filosofia de cunho racional. [Medievo] Ela fundamentou a
filosofia cristã. [Modernidade] Mas a metafísica contestada
pelas teorias científicas, nos séculos XVII e XVIII, discutida
e negada pela filosofia Kantiana deixa vir à tona um
punhado de questões que tinham sido deixadas de lado.
Qual a relação da razão com a imaginação? Da lógica com
a estética? E questões de juízo de beleza e do gosto vêm à
tona e se inicia a fase crítica da estética instigada pelos
problemas que as ciências e as artes colocam. 169-170
Mas ainda se dá o choque de posições entre a
estética crítica e a estética metafísica porque a visão de
Hegel recoloca a metafísica clássica no apogeu e se volta
à discussão das questões da arte à luz de conceitos
universais. Embora nascido no século anterior ele atuou,
com muita repercussão, no século XIX. Deixou a grave
sentença: a arte é para nós enquanto a destinação
suprema, coisa do passado. Em outras palavras,
preconizou a morte da arte como forma cultural que já
alcançou sentido na arte e será superada por outras formas
espirituais. Hegel exalta a arte clássica como a mais perfeita
expressão que o artista criou na história. Preconiza, todavia
que a arte como forma representativa será necessariamente
ultrapassada pela filosofia enquanto autoconsciência da
verdade o Espírito Absoluto. 170
[...] [Romantismo] A ênfase no racional será
contestada pela desmedida do Romantismo que vai
propiciar uma virada no campo das artes e da beleza. Ela
se volta para as forças da expressão individual em oposição
ao cultivo do belo ideal e do impersonalismo próprio ao
movimento neoclássico. E como legado da cultura europeia
fica a música alemã, Beethoven e Wagner, a herança da
literatura francesa, Chateaubriand e Victor Hugo [...].
Artistas que vão preparar terreno para novas correntes
como o Impressionismo e o Expressionismo que vão dar
golpes mortais nas poéticas e nas regras das academias e
forjar condições para o corte com a tradição. 170-171.
PARTE 2 – OS PROBLEMAS ESTÉTCOS NA HISTÓRIA
DA CIVILIZAÇÃO OCIDENTAL
[Apresentação]
Na civilização ocidental, aparecem interpretações filosóficas
do mundo que foram surgindo no pensar e no agir criativo,
revelando uma diretriz preponderante de pensamento, o
que não acontece nos dias atuais, quando não predomina
uma linha de pensamento, de certo modo, dificultando os
posicionamentos sobre arte e estética. 173
[Recorte]
Fizemos um corte na história geral, ao nos fixarmos na
civilização ocidental porque consideramos que os
problemas estéticos atuais só podem ser compreendidos a
parte do seu começo na Grécia e nos desdobramentos que
ficaram como momentos históricos significativos manifestos
nas obras de arte. 173-174
CAPÍTULO 1 – ANTIGUIDADE GREGA
Período: Século VI a.C ao III a.C
Regime: Escravocrata (Senhor/Escravo)
Formas de Arte: Arte mítica / Arte Clássica
Filosofia da Arte: Pré-Socrática: Heráclito e Parmênides /
Socrática: Sócrates; Platão e Aristóteles
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
Problemas Estéticos: Arte e Realidade (Platão) / Arte e
Beleza (Aristóteles)
[Hauser e a naturalidade Clássica]
“De fato, na arte clássica grega, o naturalismo e a
estilização combinam-se inesperadamente em quase todos
os casos, ainda que nem sempre tão equilibradamente,
como por exemplo, no Banquete dos Deuses, do Partenon,
ou para citar uma obra menos ambiciosa, em Luto por
Atenas, do Museu de Acrópole. Fora da arte clássica seria
difícil encontrar tanto como nela, tão completo, à-vontade,
combinado com tão completa contensão, tão grande
supressão de todo o vestígio de esforço, tensão ou excesso,
uma impressão tão perfeita de liberdade e leveza, de
equilíbrio e serenidade.” (HAUSER, A História social da
literatura e da arte. São Paulo: Mestre Jou, 1982).
O NATURALISMO
[Os gregos e a Natureza]
No antigo mundo grego – rico de manifestações artísticas –
o caos e o cosmos se embatem. No seu período áureo,
todavia, se sobressaiu o naturalismo, expressando uma
determinada cosmovisão: o mundo é naturalmente
ordenado e cada coisa tem o seu lugar certo. O naturalismo
é uma corrente que não admite nada que seja exterior à
natureza, reduzindo a realidade ao campo natural,
apreendido pela nossa experiência. O que vai se revelar na
arte naturalista que se caracteriza pela simetria, harmonia,
ordem e perfeição das formas.177
[Concepção de mundo: Cosmos]
O homem grego, cidadão da polis, não pode deixar de se
pautar na natureza e fazer cultura, a não ser a partir da visão
reinante: o cosmos é ordem e harmonia e o fim do cidadão
é a aretê, a perfeição de sua natureza. Ele cresce
impregnado de obras poéticas, participa das tragédias, e se
mede nos templos gregos com suas colunas abertas ao
vigor da natureza. E o sol, a terra, os ventos, a lua e as
estrelas revelam o jogo do mundo onde está naturalmente
presente o próprio deus. Esse povo aprecia os valores
espirituais unidos à justa medida da beleza e do vigor físico.
De tendência mais lógica que mística, conceberam uma
mitologia de caráter antropológico, um Olimpo onde os
deuses são projeções humanas, com seus defeitos e
qualidades. 178
ARTE NATURALISTA
[A Arte copia a natureza divina]
Neste mundo onde a natureza espelha o divino, a vida tem
sentido nesta ligação, os artistas amadurecidos no clima
racional, começam a se preocupar com a aparência da
realidade sensível e querem expressar o modelo perfeito.
Os pintores lutam para chegar na matéria bruta à perfeição
da imagem do real natural. Os escultores buscam a
fidelidade anatômica como podemos ainda ver na harmonia
dos corpos nus. 178-179
[A arte corrige a natureza]
O que pretendia a arte naturalista: criar imitações ilusórias
da natureza? Os artistas não eram copistas, usavam a
técnica exatamente para criar a mais adequada aparência
do real verdadeiro. É nesse clima que artistas e filósofos se
desenvolvem, diante de um mundo cultural rico de obras
monumentais como o Acrópole e o Partenon. 179
Pág. 10
CURSO DE ESTÉTICA
FORMAS DA ARTE
ARTE MÍTICA
[Apresentação]
Arte de cunho poético, proveniente da relação de intimidade
do homem com a natureza. Ex.: vasos de cerâmica, criação
de mitos, primeiras tragédias. 179
[Origem da Arte Mítica Grega]
Será que existiu arte mística? Como surgiu a arte grega?
Ela tem suas raízes na civilização minoico-cretense, hoje
conhecida pelas ruínas de algumas cidades da pré-história
helênica, como Corinto, Micenas e Cnossos. Ela sofreu a
influência, de outros povos, como os egípcios, que se
voltavam para a glorificação da vida futura – enquanto os
gregos desejavam o gozo e a plenitude da vida no ato de
fazer arte e contemplar a natureza. O artista grego
entusiasma-se pela vida e tenta mostrá-la em suas belas e
múltiplas manifestações através da criação artística que se
distingue pela elaboração intelectual e harmonia ideal. 179
[Homero e Hesíodo]
As primeiras obras de arte dos gregos, de cunho poético,
trazem no seu bojo as mitologias narradas pelos grandes
poetas Homero e Hesíodo nos séculos VI e V a.C. 179
[Fim do pensamento Místico]
No século IV a.C., à medida que se dá nova organização
política e nova ordenação do pensamento, a arte vai se
tornando independente da magia e da religião. Os artistas
procuram os meios técnicos para chegar à representação
exata da natureza. Os pensadores-poetas, integrados à
natureza, emitem suas máximas em linguagem poética. [...]
Os sacerdotes e arcontes presidem as cerimônias
procurando representar os episódios da vida dos deuses,
mas abrindo espaço para a plateia dialogar com os artistas.
O povo assiste à representação teatral sem pagar; sofre,
chora, faz sua catarse. 180
ARTE CLÁSSICA
[Apresentação]
Arte racional que visa imitar a natureza à luz da ordem e
proporcionalidade, a fim de chegar à perfeição, harmonia.
Requer domínio de técnicas. Ex.: templo, Partenon;
escultura, Vênus. 180
[Origem]
A arte clássica surge e desabrocha no século V e IV a.C. e
nela predomina a visão naturalista de mundo, prescindindo
de qualquer intervenção sobrenatural. A arte quer
reproduzir através da imitação das aparências das coisas a
realidade natural e humana. De tal modo, que as artes
miméticas, pintura, poesia, escultura, música, têm em
comum a imitação da realidade, considerada bela e perfeita.
O trabalho artesanal busca adequar material/forma numa
síntese harmoniosa, e exige domínio das técnicas no fazer
arte. O resultado é a beleza que se manifesta pela harmonia
das formas e perfeição dos elementos. 180-181
[Artistas Gregos Clássicos]
Os grandes artistas desta época: Zeuxis, Parrásio e
Apeles desenvolvem técnicas de imitar a aparência
sensível das coisas. Sobraram desse tempo pinturas
vasculares, usadas na decoração de vasos, representando
personagens históricos ou lendários, cenas da vida
cotidiana. E no trabalho técnico aparecem as primeiras
tentativas de conquistar o espaço tridimensional, visando
alcançar sempre um maior realismo. 181
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
[Arquitetura]
Em épocas diferentes, desenvolveram três ordens ou estilos
arquitetônicos: Dórica, Jônica e Coríntia, que rivalizavam
em beleza e harmonia. E vão se distinguir, principalmente,
na feitura das colunas: embasamento, proporções entre
altura e diâmetro, capitel e elementos superiores. [...] 182
FILOSOFIA DA ARTE (ESTÉTICA METAFÍSICA)
[Estética Metafísica (Sócrates, Platão e Aristóteles)]
Nos primórdios da filosofia ocidental não existe uma ciência
estética, nem mesmo a palavra indica um estudo crítico da
arte e da criatividade, como na atualidade No período áureo
da filosofia, com Platão e Aristóteles, o campo da “estética”
juntamente com o da ética, fazem parte da filosofia prática,
fundamentada na metafísica que estabelecia verdades
absolutas sobre todas as coisas. Segundo a sistematização
da filosofia feita por Aristóteles, dividida em especulativa e
prática, a filosofia da arte que chamamos de estética se
encontrava no mesmo campo da ética, voltada para a ação.
Tinha por fim orientar o trabalho das artes, à luz de
conceitos universais de caráter metafísico, expressando
verdades dogmáticas a respeito da beleza, da arte (téchne),
do homem e da natureza. 182-183
[Ética Estética]
A estética e a ética como filosofia prática, nas doutrinas de
Platão e Aristóteles, estava sujeitas à metafísica – ou
ciência dos fundamentos, dos primeiros princípios e das
categorias determinantes da verdade ontológica e da
verdade lógica, obtida pelos processos racionais do
conhecimento. E como filosofia primeira, a metafísica
estabelecia para o fazer artístico, critérios e regras
determinantes, capazes de orientar o caos das intuições. De
tal modo, que a arte clássica é regida pela estética
normativa, leis e conceitos universais. 183
A TEORIA ESTÉTICA (FILOSÓFICA-METAFÍSICA)
[Fundamento da arte: imitação (mimesis)]
Segundo os clássicos gregos, a arte embora fosse
linguagem inaugural, não tinham fundamento em si mesma,
a arte era vista como operação capaz de revelar a realidade,
mais perfeita e plena, espiritual e eterna. Nesse sentido, a
arte é imitação, ato de operar a junção matéria e forma para
que se assemelhasse a uma realidade mais perfeita. A
operação não era vista como mera produção, espelho do
mundo sensível, mas verdadeiramente criação à medida
que fazia surgir o ser do não ser através de um ideal de
beleza. A filosofia da arte grega se fundamenta, portanto, na
imitação: arte tem por fim imitar a realidade natural,
considerada perfeita, e cabe ao artista ter o domínio da
técnica, regras e saberes. 184-185
FILÓSOFOS DA ARTE
FASE PRÉ-SOCRÁTICA: HERÁCLITO E PARMÊNIDES
[Poesia Filosófica]
Os primeiros pensadores-poetas gregos não interpretavam
a arte como um campo da filosofia, mas como um modo de
ser da própria vida. Eles estavam integrados à natureza,
expressavam de modo poético as suas visões de mundo e
apresentavam seus ensinamentos em linguagem poética
através de aforismos. Em destaque: Heráclito e
Parmênides. 186
Pág. 11
CURSO DE ESTÉTICA
HERÁCLITO (535-473, a.C.), Éfeso – Escola Jônica
[Devir]
Apresenta a realidade como um jogo de contradições, onde
a mola é a mudança, o vir-a-ser. Diz no seu aforismo: “Tudo
se faz por contraste; da luta dos contrários nasce a mais
bela harmonia” e nos faz pensar dizendo: “Quem se poderá
esconder da luz que nunca se deita?”. 186
PARMÊNIDES (530-477, a.C.), Elea – Escola eleática
[Ser]
Um pensador poeta que estabelece a íntima relação entre
pensar, ser e dizer. A linguagem poética é a grande
articuladora do sentido das coisas, ela chega àquilo que é.
“Os cavalos que me conduzem levaram-me tão longe
quanto meu coração poderia desejar, pois as deusas
guiaram-me através das cidades, pelo caminho famoso que
conduz o homem que sabe”. 186
FASE SOCRÁTICA
[Arte: imitação da natureza]
Os socráticos consideram a arte como imitação da
verdadeira realidade. Sócrates, pensador racional,
condena a arte instintiva e afirma que a arte bela se
identifica ao bem. Platão, filósofo das ideias, encara a arte
como imitação da ideia plena de beleza (mundo das ideias).
Aristóteles, mais realistas, analisa a arte como perfeita
imitação [ou seria correção?] da natureza (mimesis). 187
SÓCRATES (479-399, a.C.), Atenas
[Postura]
Pensador que se notabilizou historicamente como homem
ético, viva na pólis, em querela com os sofistas sempre
argumentando, mas em muitos aspectos se assemelhavam.
A diferença, segundo seus discípulos, estava que os
sofistas tinham por preocupação ensinar a retórica, sem
preocupação com a verdade absoluta. [...] Critica toda arte
que não está fundamentada nos princípios da razão e
princípios da moralidade, chama atenção dos poetas e entra
em choque com os dramaturgos. 187
[Crítica de Nietzsche e a Arte Trágica]
No século XIX, Nietzsche analisa a posição socrática como
aquela que traçou o caminho da racionalidade para a
civilização ocidental determinando a morte da arte trágica,
verdadeiramente humana e consequentemente, debilitando
a qualidade de vida. 187
“Mas a palavra mais penetrante, desse culto novo
e inaudito ao saber a ao entendimento, foi Sócrates quem a
disse, quando constatou ser o único que confessava nada
saber enquanto em sua perambulação crítica por Atenas,
visitando os grandes estadistas, oradores, poetas e artistas,
encontrava por toda parte a fantasia do saber.”
(NIETZSCHE, F. O Nascimento da tragédia no espírito da
música. São Paulo: Abril, 1974.) 187-188
IDEALISMO PLATÔNICO
PLATÃO (427-347, a.C.), Atenas
[ERRADO: Platão não entende que a “Arte” é um
caminho para o “Belo”. Arte é técnica para Imitar
(mimesis) a Realidade, fazer dela um Simulacro]
Platão, poeta e filósofo, discípulo de Sócrates vê a arte
como um caminho para o homem alcançar a Beleza
suprema, que se encontra no mundo espiritual e eterno das
ideias. A realidade sensível em que ele vive, dividido entre
corpo e alma espiritual, é apenas uma sombra imperfeita da
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
verdadeira realidade (mito da caverna). Assim a obra de arte
verdadeira revela a ideia plena de beleza, de acordo com a
ideia exemplar que se achano mundo das ideias perfeitas e
eternas. E as obras que se limitam às cópias do mundo
sensível são apenas meras imitações. 188
[ERRADO: por imitar a realidade sensível o artista
inexoravelmente estará fadado a produzir simulacros.
Não é, portanto, por falta de educação ou entendimento]
Platão, na obra “República”, critica os artistas que fazem
obra de arte sem saber a que ideia algo corresponde
plenamente. Artistas que vivem no mundo das cópias
(meras aparências) sem se esforçarem para chegar ao
mundo verdadeiro e belo (mundo das verdades eternas e
espirituais). Admite que eles não são educados para pensar
naquilo que faze fielmente falseiam as ideias nas suas obras
à medida de que se limitam às falsas reproduções dos
exemplares. Fazem cópias das cópias. Simulacros. Assim,
no livro “República”, sua grande utopia, voltada para a
Justiça social, os artistas são banidos por viverem no mundo
da imaginação. Devem ser excluídos deste estado ideal que
tem por objetivo conduzir o homem para o seu verdadeiro
fim (mundo espiritual das ideias) através da sabedoria,
virtude, amor e beleza. 188
REALISMO ARISTOTÉLICO
ARISTÓTELES (384-322, a.C.), Estagira
[Teoria da imitação / Representação do Universal]
O pensador, discípulo de Platão, mantém do mestre a teoria
da imitação (mimesis) mas lhe dá um novo sentido. De fato,
a arte não deve imitar o individual e contingente, nem
mesmo a ideia plena e eterna de belo, mas o essencial, a
forma universal, eterna, que se atualiza em cada indivíduo
do mundo real. Ele não escreveu um tratado sobre o belo,
mas na sua obra “Poética” refere-se ao belo como uma
forma de ordenação da obra em sua forma mais perfeita, de
acordo, com a forma natural que expressa a sua essência.
189
[Arte como correção da Natureza]
Portanto, em Aristóteles, a mimesis tem o sentido da
imitação da forma perfeita que não se encontra na natureza,
de modo pleno, mas que pode se realizar na obra de arte.
O que acontece? A natureza, sempre em processo, coloca
em ato a perfeição do ser, mas imediatamente o ser deixa
de ser ato e passa a ser potência para ser outro ser, de
acordo com a ordem divina estabelecida para o mundo
físico, sujeito à mudança. Assim um ser individual está em
ato, em estado de perfeição, mas em potência para ser
outra coisa. E quem capta este ser no seu estado de beleza
é o artista, não o deturpa, procura se adequar à casualidade
do real e ao plano da sua obra. Isto significa que a perfeição
da natureza é sempre efêmera, mas na arte, duradoura.
Assim o artista ao imitar a natureza deixa na obra de arte,
em repouso, o que muda no real sensível. O verdadeiro
artista ao imitar e aperfeiçoar a natureza eterniza a forma
que na arte permanece como expressão de beleza. 190
[Poética: Imitação]
Na “Poética”, Aristóteles analisou a questão da imitação
como uma característica natural do homem de se aproximar
do semelhante, e o artista como aquele capaz de, pela
téchne (poder de produzir), de imitar a realidade natural e
humana através do uso de elementos (cor, som, figura,
palavra) e de princípios estéticos como harmonia, simetria.
189-190
Pág. 12
CURSO DE ESTÉTICA
[Poética: Tragédia e Paixões]
“A tragédia é uma imitação da ação, elevada e completa,
dotada de extensão, numa linguagem temperada, com
formas diferentes em cada parte, atuando os personagens
e não mediante a narração e que por meio da compaixão e
temor, provoca a purificação de tais paixões.” 190
PROBLEMAS ESTÉTICOS
ARTE E BELEZA
[Introdução]
Onde buscar o modelo de beleza, nas coisas do mundo
físico ou na ideia plena de beleza? 191
PLATÃO
[Platão e o Belo]
A Beleza em si não está no mundo físico, mas no mundo
perfeito das ideias. O pensador estabelece relações entre
arte e realidade à luz de uma realidade supra-sensível. Ele
encara a arte verdadeira como imitação da realidade
essencial, que exige esforço para alcançar a idealização da
plena beleza, produto de uma conquista amorosa e
intelectual da sua ideia exemplar (mundo das ideias). O
autêntico artista deve ser afastar das cópias das ideias que
se encontram no mundo sensível. Para reproduzir as
aparências das coisas deve ter a sabedoria para imitá-las
nos seus aspectos essenciais, eternos, espirituais. Pois a
beleza é uma qualidade, não da coisa real, mas dos
elementos em estado puro, da cor, do som, da forma, da
simetria, da proporcionalidade de tudo que deve estar de
acordo com a ideia plena de harmonia, de Beleza pura
(ápice na hierarquia das ideias). [ERRADO: pensamento
de Plotino (Para Platão não há “autêntico artista” nem
imitação do essencial]. 191
[Duas Belezas de Platão]
Para Platão a beleza tem duas dimensões. Metafísica, algo
que existe em si de modo pleno no mundo das ideias, como
apresenta nos livros Fédon e Banquete. De modo efêmero,
se mostra nas coisas sensíveis, e duradouro na arte
verdadeira ao refletir a ideia perfeita [ERRADO:
Pensamento de Hegel]. Uma outra dimensão é de ordem
moral. A beleza deve ser um atributo que o homem adquire
ao estabelecer harmonia interior que possibilita o alcance
do belo e verdadeiro mundo das ideias, como indica na
“República”. 191
[Prazer estético]
A obra de arte agrada, provoca deleite, mas não tem por
função induzir a alma a imitar o que é bom, belo e verdadeiro
enquanto atributos do mundo perfeito e eterno das ideias. O
amor à beleza é um meio de espiritualizar o homem, libertá-
lo do mundo sensível e conduzi-lo à vida inteligível, eterna.
[ERRADO: o deleite não é um problema platônico e sim
moderno] 192
HIPIAS MAIOR OU DO BELO
(A procura do conceito universal de beleza) 192
FEDON OU DA ALMA
(A beleza existe em si, no mundo das ideias) 193
“... Para mim é evidente, quando, além do belo em si, existe
um outro belo: este é belo porque participa daquele apenas
por si e por nenhuma outra causa... Se alguém me diz
porque razão um objeto é belo e afirma que é porque tem
cor ou forma, ou devido a qualquer coisa desse gênero,
afasto-me sem discutir, pois todos esses argumentos me
causam unicamente perturbação. Quando a mim, estou
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
firmemente convencido, de um modo simples e natural e
talvez até ingênuo, que o que faz belo um objeto é a
existência daquele belo em si, de qualquer modo que se
faça a sua comunicação com este. O modo porque essa
participação se efetua não o examino neste momento,
afirmo, apenas, que tudo o que é belo o é em virtude do belo
em si. [...]“ (PLATÃO, Fédon. Os Pensadores. São Paulo:
Abril, 1972). 193
BANQUETE
(O amor é um caminho para se chegar à beleza
verdadeira) 193
[Amor e Belo]
Eis, com efeito, em que consiste o proceder corretamente
nos caminhos do amor ou por outro se deixar conduzir: em
começar do que aqui é belo e, em vista daquele belo, subir
sempre, como que servindo-se de degraus, de um só para
dois e de dois para todos os belos corpos, e dos belos
corpos para os belos ofícios, e dos ofícios para as belas
ciências até que das ciências acabe naquela ciência, que
nada mais é senão daquele próprio belo, e, conheça enfim
o que em si é belo. (PLATÃO. O Banquete. Os Pensadores.
São Paulo: Abril Cultural, 1972). 193-194
ARTE E REALIDADE
A beleza que existe na realidade natural é uma qualidade
imanente à coisa ou à obra de arte? Onde fica a feiura, se o
que é material sofre deterioração e deixa de ser belo? 194
ARISTÓTELES
[Finalidade: recriar a realidade]
Para o pensador, a arte como imitação da natureza, não tem
por fim o belo ideal, mas deve chegar à beleza como plena
harmonia das formas, proveniente do ato de produção. O
artista age de acordo com a reta razão perseguindo a forma
(perfeita) da coisa a fazer, devido ao seu saber técnico e
estético. Não se trata, na obra de arte, de uma produção
mecânica, mas poética, aqui compreendida como uma
capacitação de criar conscientemente. Por saber fazer, ao
artista instaura a forma, produzindo algo que aparece com
unidade, beleza, algo atraente. 194
[A feiura provocada pela temporalidade]
Como ele diz na Metafísica: “das coisas que nascem ou
começam a existir, umas são produção da natureza, outras
da arte...”, mas o belo duradouro é qualidade intrínseca da
obra de arte, já que o belo na natureza está sujeito a
irromper e desvanecer por estar determinado pelo tempo e
em mudança”. 194
[Corrigir a natureza]
O artista emprega os sentidos, a inteligência e a imaginação
para ordenar tecnicamente a matéria bruta à luz da forma
certa, perfeita. Ele chega, muitas vezes, a modificar a forma
irregular ou reprovável como se manifesta muitas vezes no
real concreto. O feio é excluído da obra de arte, já que o
objetivo do artista é alcançar a forma bela e não aquela que
está sujeita à deteriorização. O que aparece nas estátuas é
a medida mais perfeita dos corpos humanos porque são
feitos na base de modelos perfeitos enquanto que, na
realidade, eles sofrem, naturalmente degradações. 194-195
[Arte e Sociedade]
Segundo Aristóteles, a arte é útil à sociedade à medida que
trata de dar modelos exemplares a serem imitados, mas
limitada pelo fato de ficar na dimensão da verossimilhança
e não no campo da verdade lógica. 195
Pág. 13
CURSO DE ESTÉTICA
A POÉTICA – LIVRO IV
(O homem é um ser imitador, por excelência).
“Ao que aprece, duas causas, e ambas naturais, geram a
poesia. O imitar é congênito no homem (e nisso difere dos
outros viventes, pois, de todos, ele o mais imitador e por
imitação, apreende as primeiras noções) e os homens se
comprazem no imitado. Sinal disso é o que acontece na
experiência – nós contemplamos com prazer as imagens
mais exatas daquelas mesmas coisas que olhamos com
repugnância, por exemplo (as representações) animais
ferozes e de (cadáveres). A causa é que o aprender não só
apraz aos filósofos, mas também, igualmente, aos demais
homens, se bem que menos participem dele efetivamente,
tal é o motivo por que se deleitam perante as imagens:
olhando-as, aprendem e discorrem sobre o que seja cada
uma delas (e dirão) por exemplo este é tal.”
(ARISTÓTELES. Poética. Rio de Janeiro: Aguilar, 1964).
195-196
POÉTICA – LIVRO XV
(Verossimilhança e Necessidade)
(A imitação tem uma dimensão ética)
“Se a tragédia é imitação de homens melhores que nós,
importa seguir o exemplo dos bons retratistas, os quais, ao
reproduzir a forma peculiar dos modelos, respeitando
embora a semelhança, os embelezam assim, também
imitando homens violentes ou fracos ou com tais outros
defeitos de caráter.” (ARISTÓTELES. Poética. Os
Pensadores. São Paulo: Abril Cultural, 1984). 196
POLÍTICA
(A Apreensão da beleza exige aprendizagem)
“Mas acredito que há uma coisa que o vulgo ignora, certas
realidades possuem semelhanças naturais, fáceis de se
descobrirem, em objetos que falam aos sentidos, e que
podem com facilidade ser apontados aqueles que pedem
uma explicação, quando queremos dá-la facilmente, sem
nos embaraçarmos com argumentos, mas as maiores e
mais preciosas realidades não possuem imagens criadas
que deem aos homens uma intuição clara, imagens que
apontaríamos quando quiséssemos satisfazer a alma que
nos interroga e que bastaria adaptar-se a este ou aquele
sentido para satisfazer a curiosidade. Assim é necessário
procurarmos saber dar a razão de cada coisa e
compreendê-las, pois as realidades que são as maiores e
mais belas revelam-se à razão somente a ela.”
(ARISTÓTELES. A Política. Rio de Janeiro: Aguilar, 1964).
196-197
CAPÍTULO 2 – IDADE MÉDIA
Período: Século I ao XV, d.C.
Regime Social e Econômico: Feudal (Relação Senhor [rei]
/ Servo [vassalo]);
Formas de Arte: Arte Sacra (catacumbária, bizantina,
românica e gótica);
Filosofia da Arte: Platonismo de Santo Agostinho /
Aristotelismo de São Tomás de Aquilo
Problemas Estéticos: Beleza e Espiritualidade (Santo
Agostinho) / Beleza e Prazer (São Tomás de Aquino).
[Progresso da Arte]
“A ideia de progresso é completamente desconhecida para
a primitiva Idade Média; não existe a mínima compreensão
do valor do que é novo e, pelo contrário, luta-se pelo que é
velho e tradicional. E não é simplesmente a ideia de
progresso, tal como o concebe a moderna ciência, que é
estranha à sua maneira de pensar. Pelo que diz respeito à
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
atitude perante as simples verdades familiares, garantidas
pelo critério de autoridade, a própria experiência constitui
menos uma fonte de afirmação de originalidade na
interpretação do que um testemunho de confirmação e
corroboração das verdades estabelecidas. Essa
experiência procura a redescoberta do que já fora
estabelecido, a reforma do que já fora reformado e a
reinterpretação formal da verdade. Os valores supremos
estão fora de discussão e contêm formas eternamente
válidas; qualquer desejo de alterá-los pelo simples amor à
mudança seria blasfêmia. O fim da vida é a posse dos
valores eternos, e não a atividade mental em si”. (HAUSER,
O. História social da literatura e da arte. São Paulo: Martins
Fontes, 1982). 200
O TEOCENTRISMO
[Deus fundamento de todos os seres]
A cultura da idade média, o teocentrismo, se expressa na
diretriz: Deus fundamento de toda a realidade, fonte de toda
a beleza. A revelação bíblica, fonte da verdade, enunciou: o
mundo é regido por um Deus criador, origem e fim de todo
ser criado e se revelou aos homens através de Jesus Cristo.
201
[Deus fonte da Perfeição]
Tudo fala de Deus o homem e a natureza. Ele se impõe
como o princípio e o fim de todo ser e valor. É fonte da
Beleza, Verdade, Bondade. Ele é a razão de ser da
perfeição, presente à obra de arte e objetos da natureza.
Assim, as coisas e as figuras humanas devem revelar nas
obras de arte os sinais da vida eterna, forjando uma
atmosfera bela. E a ordem deve se manifestar na
observância moral, elevação espiritual e fidelidade à
doutrina cristã. 201
[Arte Sacra (Arte-Total)]
A arte sacra expressa os sentimentos religiosos do
cristianismo e marca o início do seu poderio, das suas
relações com os grandes chefes políticos. Isso se manifesta
nas catedrais, nas belas igrejas onde as artes integradas
devem constituir uma arte global capaz de louvar a Deus e
conduzir o espírito do homem para o fim supremo. Todo
material artístico é preparado, com vigor, para Deus ficar
presente. E as obras religiosas com suas arquiteturas,
esculturas, pinturas, vitrais, mosaicos, se esmeram em
trabalhos bem feitos irradiando esplendor, dando glória a
Deus, Senhor da terra e dos céus. Quem entra numa
catedral se depara com um mundo transcendente,
harmonioso, belo e sente a diferença com o mundo profano.
202
ARTE SACRA
[Naturalismo Simbólico]
Na arte sacra medieval ainda predomina o naturalismo,
aliás, uma constante na civilização ocidental, até
basicamente com o corte, no século XIX, com o
impressionismo. Mas se ela imita o mundo natural, na forma
figurativa, se reserva, ao nível do simbólico de apontar a
realidade cristã como a mais perfeita expressão do divino.
202
[Estilo Grego Naturalista - Idealista]
Historicamente, a arte cristã primitiva é a arte dos cinco
primeiros séculos do aparecimento do cristianismo. O que
aconteceu com o mundo grego? A decadência da Grécia
culmina com o domínio da macedônia no século IV a.C., o
qual cede lugar à dominação romana no ano 145 a.C. E as
conquistas de Alexandre promovem a difusão da cultura
grega no Oriente. Surge então a cultura Helenística como
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CURSO DE ESTÉTICA
resultante da fusão do mundo grego com elementos de
outros povos. 202
[Estilo Romano Naturalista - Realista]
A arte desenvolvida no império romano de origem etrusca
sofre influência grega que ficou presente às colônias
helênicas da Magna Grécia, ao sul da Itália. Culmina com a
transformação da Grécia em província Romana, no século
II a.C. E a arte romana atinge o apogeu na época de
Augusto. O que se passa no campo das artes? Na escultura,
predomina a cópia do estilo e das famosas obras gregas.
Todavia, nos retratos, os artistas romanos primam pela fiel
reprodução dos traços, contrastando com a idealização
fisionômica da estatuária grega. 202-203
[Romanos e os Mosaicos]
Os romanos cultivaram também as chamadas artes
menores, como trabalhos com mosaicos, vindo da Ásia, que
se tornou verdadeira voga, principalmente durante a fase do
império. Inicialmente motivos ornamentais geométricos,
depois cenas e personagens com maior variedade de
colorido. 203
[Arte Cristã: Igrejas; Pedagogia]
A cultura em termos gerais, e a arte em particular,
acompanham esta decadência [do império romano no
século II]. Mas a tônica dos santos da igreja quando
escrevem sobre as questões estéticas falam da beleza que
irradia das construções feitas coma intenção de glorificar a
Deus. Afirmam o valor da arte que pode passar mensagens
de modo eloquente, tendo papel pedagógico, social e
catequético. E revela a verdadeira vida eterna onde a luz
divina é fonte permanente da beleza. 204
FORMAS DE ARTE
ARTE CATACUMBÁRIA
[Arte naturalista e simbólica das primeiras catacumbas]
Arte dos primeiros cristãos nas catacumbas. Decoração nos
subterrâneos da igreja de São Sebastião e símbolos
religiosos: uvas, aves, peixes. 204
[Perseguição e catacumba]
A arte dos cristãos nas catacumbas vai do século I ao século
IV. Pouco diferente da arte romana, do ponto de vista da
forma, mas a função é religiosa e o assunto é a vida cristã.
À época das perseguições, os cristãos refugiam-se nas
catacumbas (túmulos subterrâneos) para realização dos
cultos. Aí, os artistas criam uma arte própria, sobretudo, na
base de símbolos, tendo por tema a fé em Cristo. Depois do
Édito de Milão (Constantino, ano 313), que dá liberdade de
culto aos seguidores de Cristo, esta arte pode desenvolver-
se mais livremente. E dela nasce, mais tarde a arte bizantina
e a arte românica. 204
[Técnica]
Poucas são encontradas nos primeiros tempos, e se explica
o fato pela difusão inicial do cristianismo ter se dado, nas
camadas sociais inferiores do império. Sem os requintes
técnicos e o poder de expressão pessoal, os artistas se
achavam a serviço da classe superior dominante. O que fez
o trabalho se caracterizar pelo rudimentarismo técnico, ao
mesmo tempo, nobreza de sentimentos. 205
[Motivo ou Tema: representação dos Santos]
Desde os primeiros movimentos de propagação da nova fé,
os cristãos defrontaram-se com o problema de criar uma
realidade imaginária, isto é, representar Deus, Cristo,
Virgem Maria e cenas da Escrituras Sagradas,
fundamentando-se em verdades e dogmas da fé. 205
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
[Segunda fase: Reconhecimento]
Já no segundo período, chamado de reconhecimento, o
cristianismo que foi perseguido por três séculos, se vê,
finalmente, elevado à categoria de religião oficial do Império
Romano, graças ao imperador Constantino, convertido à
nova fé. 205
[Arquitetura]
Esta libertação transparece na arquitetura. O monumento
característico da arquitetura cristã primitiva é uma
adaptação da planta da basílica civil romana. Ela cumpre a
um só tempo, as finalidades de tribunal, mercado e cartório.
A basílica torna-se local de reunião dos fiéis e celebração
de culto. 205-206
[Escultura]
As esculturas manifestam-se, sobretudo, nos sarcófagos,
que se inspiram diretamente nos modelos alexandrinos e
romanos. Como aparece na representação de Cristo, ora
um tipo grego, imberbe, rosto tocado de vida interior, ainda
rapaz. Ora um tipo sírio, homem feito, barba espessa, meio
e moreno. 206
ARTE CRISTÃ BIZANTINA (DE BIZÂNCIO/ORIENTE)
[Apresentação]
Arte de cunho oriental que se caracteriza pelo uso de arcos.
Destaque: mosaico. Ex.: Igreja de Santa Sofia
(Constantinopla) 206
[Oriente]
A arte bizantina é eminentemente oriental, com predomínio
da cor, gosto decorativo, o sentimento de luxo. Ela se
caracteriza por ser produto da fusão das tendências oriental
e ocidental, isto é, riqueza e ostentação no interior,
simplicidade no exterior. [...]. 206
[Iconoclastia]
No período denominado a “querela das imagens” ou
Iconoclastia, nos séculos VII ao IX – época dos ataques dos
árabes e de povos europeus, as artes entraram em
decadência – os artistas sofrem acirrada perseguição de
vários imperadores que moveram ataque às imagens e aos
ídolos. Mas excelentes pintores fazem uma obra
tipicamente bidimensional, pois ignora a perspectiva. Em
teor de decoração, irradiando esplendor e coloridos
extraordinários, tornam o mosaico uma arte de adorno. Uma
das convenções mais persistentes na pintura bizantina é a
representação do céu dourado. 206
ARTE CRISTÃ ROMÂNICA (DE ROMA/OCIDENTE)
[Apresentação]
Arte de etilo decorativo, em pedra, uso de abóbadas.
Destaque: ourivesaria. Ex.: Catedral de Pisa e Basílica de
Madeleine. 207
[Ocidente] [Arte Orgival ou Gótica]
A arte românica é a arte cristão ocidental europeia que mais
evoluiu, passado a se chamar mais tarde, orgival ou gótica.
Proveniente de artistas que chegavam das constantes
invasões dos povos bárbaros, apesar de nômades, eles
trabalhavam e mostravam nas suas obras artísticas
apurado gosto estético. 207-208
ARTE GÓTICA (DERIVADA DA ARTE ROMÂNICA)
[Apresentação]
Arte das catedrais, uso de ogivas, vitrais, retábulos. Ex.:
Catedral de Notre Dame de Paris; Chartres, Colônia. 208
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CURSO DE ESTÉTICA
[Estilo e Nome]
A arte gótica revela a nova fase da cultura religiosa que vai
substituindo o mundo simbólico por um mais natural que
transparece na harmonia entre interior e exterior e
verticalidade de linhas, tão próprias as catedrais. Por que
recebe o nome gótico? No sentido pejorativo de “bárbaro”,
igual a gado, significando o que é feio, vulgar, por força da
invenção dos renascentistas. 208
[Origem histórica do estilo]
No princípio do século XII, a arte românica começa a
transformar-se na arte gótica. De grande aceitação este
novo estilo se espalha por toda Europa. Ele funde num todo
orgânico, elementos clássicos, bizantinos e bárbaros,
representando verdadeira revolução nos domínios da arte.
208-209
[Arquitetura]
A arquitetura gótica representa uma das maiores conquistas
da capacidade criadora do homem. Caracterizado por sua
verticalidade, traz uma relação monumental entre o homem
e o ambiente onde o homem é considerado uma partícula
ínfima diante da grandeza de Deus de acordo com o
teocentrismo vigente na época. 209
[Escultura]
A escultura gótica está integrada à arquitetura, sem,
contudo, subordinar-se a ela, embora os escultores se
reduzissem a simples colaboradores dos arquitetos. 209
[Pintura]
Quanto à pintura, esta entrou com mais intensidade nos
monumentos civis, nas residências senhoriais, nos palácios
e castelos (cuja arquitetura oferece maiores superfícies).
Mas aí passa a sofrer a concorrência dos tapetes na
decoração mural. 209
FILOSOFIA DA ARTE – ESTÉTICA METAFÍSICA E
TEOLÓGICA
[Santo Agostinho (Patrística) e São Tomás de Aquino
(Escolástica)]
A Filosofia medieval foi elaborada pelos padres da igreja
católica e tem como destaques Santo Agostinho, que viveu
na época da arte românica e fundou a corrente Patrística, e
São Tomás de Aquino foi contemporâneo da arte gótica e
se tornou o grande expoente da Escolástica. 210
[Filosofia e Teologia, Arte e Beleza]
Essa filosofia foi considerada a serva da teologia e assim
persistiu num longo período da história com o objetivo de
harmonizar razão e fé, estabelecendo a conciliação entre a
Filosofia Grega e a Teologia Cristã. E nessa linha cristã, a
concepção da verdade eterna é a luz do mundo e dos
homens e tem mais peso do que as certezas humanas. Isso
irá se refletir na maneira dos pensadores encararem a arte
e a beleza. 210
[Estética Medieval e a Beleza]
Na idade média, a estética como filosofia da arte ainda não
despertava o interesse dos pensadores cristãos,
preocupados em elaborar a doutrina do cristianismo. A
beleza não era uma questão a ser debatida, pois sendo uma
propriedade do próprio Deus, tinha de estar presente nas
coisas por ele criadas. Os pensadores não estabeleciam
íntima ligação entre arte e beleza, mas nem por isso
deixaram de dar resposta aos outros problemas que elas
suscitavam, já que o meio cultural revelava interesse pela
arte sacra e os místicos e os fiéis pelo sentido da beleza.
210
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
[Sobre o Belo]
[...] As respostas [sobre a beleza] brotam da própria
presença da arte, de cunho eminentemente religioso, no
mundo social e cultural. São explicados por princípios
teológicos fundamentados na metafísica grega: na linha
platônica, seguida por Santo Agostinho e na linha
aristotélica, seguida por São Tomás de Aquino. Onde a
concepção reinante de verdade, elaborada pelos padres da
igreja era a verdade lógica – a ordenação harmoniosa das
partes de um todo fundamentada na verdade ontológica –
expressão da Inteligência divina. Neste sentido, a arte bela
deveria corresponder à beleza divina. 210-211
TEORIA ESTÉTICA: TEORIA DA IMITAÇÃO
(FILOSÓFICA-TEÓLÓGICA)
[Apresentação]
A arte segue a teoria da imitação tendo por fim imitar o real
à luz de princípios religiosos.
No clima da idade média se mantém a concepção
da estética clássica, a teoria da imitação grega. E a arte
como mimesis, embora frágil imitação da realidade sagrada,
é capaz de espiritualizar o mundo concreto. A arte é um
meio de imitar e manifestar a beleza divina em obra. Mas a
verdadeira Beleza, esplendor da Verdade divina,
transcende ao homem. E deve ser a meta da vida
humana.211
[Agostinho e Aquino: negação no mundo sensível]
Os pensadores Santo Agostinho e São Tomás de
Aquino, ao ligarem filosofia e teologia, têm por fundamento
último de toda a realidade a mensagem cristã, bíblica,
explicitada pelos princípios metafísicos dos filósofos
pagãos, mas interpretando a realidade como criação de
Deus. Passam, em seus escritos, posições estéticas que
mostram a afirmação da arte espiritual e a desvalorização
do mundo sensível, pecaminoso e transitório. 211
FILÓSOFOS DA ARTE
PATRÍSTICA
O PLATONISMO DE SANTO AGOSTINHO
SANTO AGOSTINHO (354-430), Tagaste, África.
[Platão/Teoria Estética]
Padre da igreja, convertido ao cristianismo, estudioso de
filosofia e influenciado pela doutrina idealista de Platão,
desenvolve a tese que a ordem e harmonia reinam em todo
universo e o seu fundamento último é a unidade divina. Essa
harmonia presente em toda obra criada é sinal da própria
força divina. Deus é a medida da Beleza, da Verdade, do
Bem. Deus está presente no mundo das coisas criadas que
se mostram belas, assim cabe ao poder do artista
transfigurar e deixar o anúncio da vida eterna nas obras de
arte. 212
A arte reflete a fonte da Beleza, divina, infinita, e
tem por fim religar o homem ao criador. 212
ESCOLÁSTICA
O ARISTOTELISMO DE SÃO TOMÁS DE AQUINO
SÃO TOMÁS DE AQUINO (1225-1274), Roccasecca,
Itália.
[Aristóteles/Teoria Estética]
O “Santo Padre”, considerado o grande teólogo da igreja
católica, escreveu a grande síntese filosófica teológica, a
Suma Teológica, influenciado pelo realismo da metafísica
de Aristóteles e baseado na fonte bíblica. Quando estudava
a questão da beleza relaciona-a à questão da natureza e à
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CURSO DE ESTÉTICA
existência de Deus. Ele é fonte de todos transcendentais –
a verdade, a bondade e a beleza – presentes em todo ser
criado. Tudo o que existe é uno, verdadeiro, bom e belo,
marcado pelo seu criador. O artista não pode deixar de
imitar o criador e ao criar deixa presente a sua marca,
principalmente de beleza e de bondade. A beleza não é só
propriedade da obra de arte, é um dos aspectos do bem. É
o que deleita no belo natural e nas boas ações, ajuda o
homem naturalmente a se aperfeiçoar. Mas o santo padre
não estabelece identificação entre arte e beleza, já que as
artes, na sua época, tinham papel unitário. E a beleza, por
sua procedência divina, tinha uma extensão mais ampla que
a arte. Mas a obra de arte era uma ocasião de
contemplação, agradável até ao conhecimento, ao mesmo
tempo um meio de elevar o espírito até a beleza do Criador.
Portanto, a arte como expressão da beleza divina, sendo
vista, agrada, eleva o espírito. 212-213
PROBLEMAS ESTÉTICOS
BELEZA E ESPIRITUALIDADE
(Em que sentido a arte, ao representar a beleza, pode
elevar o espírito?) 213
SANTO AGOSTINHO
“O belo transcende a beleza da obra criada que se
manifesta na arte Ele expressa a perfeição de Deus que se
revela na sua bondade e sabedoria infinitas. O belo provoca
deleite no contemplador e antecipa o estado de felicidade
da vida eterna. Nesta concepção, a realidade sensível,
embora bela por ser reflexo da beleza do criador, sendo
efêmera, não deve ser valorizada. [Plotino] A teoria da
imitação que o artista segue, embora voltada para o
verdadeiro e belo modelo divino é limitada, e muitas vezes
chega a ser perigosa. [Platão] Leva o artista à atração das
coisas mundanas, as cores, as formas, os sons, o brilho que
podem “acorrentar a alma”. 213
CONFISSÕES – LIVRO IV
(Deus é a fonte de toda a beleza) 214
Por esse tempo ignorava estas verdades e amava as
belezas terrenas. Caminhava para o abismo e dizia a meus
amigos: amamos nós alguma coisa que não seja o belo?
Que é o belo, por conseguinte? Que é a beleza? Que é que
nos atrai a afeiçoa aos objetos que amamos? Se não
houvesse neles certo ornato e formosura não nos atrairiam.
214
Eu notara e via que em nós mesmos os corpos se
deviam distinguir beleza proveniente da união das suas
partes: o todo é resultante da sua apta acomodação a
alcuma coisa, como, por exemplo, a parte dum corpo ao seu
todo, ou o calçado ao pé, e outras semelhantes. Escrevi por
isso os tratados de Pulchro e Apto, eu creio que em dois ou
três livros, vós sabeis meu Deus. [...] Que só criais
maravilhas, ainda não via na vossa arte o fulcro de tão
grandes obras; o meu espírito errava pelas formas
corpóreas. (AGOSTINHO. Confissões. São Paulo: Abril
Cultural, 1973). 214
BELEZA E PRAZER
(Quais as relações entre beleza e prazer estético?) 214
SÃO TOMÁS DE AQUINO
O belo é aquilo que sendo visto agrada, neste sentido, o que
é bonito para os olhos, o que é bem feito, agrada enquanto
expressa a beleza infinita que é Deus. Necessariamente o
belo não é provocado pela arte, é uma qualidade imanente
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
às coisas. Mas a obra bela feita pelo homem não estando
necessariamente comprometida com a verdade, diferencia
das obras lógicas que tem por fim clarear a Inteligência, ela
pode passar falsidades. Neste sentido é preciso ficar atento
à contemplação das obras belas que agradam e provocam
prazer. Ciente que nem todo prazer é beatificante, só aquele
que eleva a alma a Deus. 214-215
SUMA TEOLÓGICA
O PRAZER É DIFERENTE DA ALEGRIA?
(Distinção entre alegria e prazer) 215
Dificuldades:
I) As paixões da alma diferem em função de
seus objetos. Ora a alegria e o prazer têm o
mesmo objeto, a saber o bem possuído/ eis
que a alegria se confunde exatamente com o
prazer;
II) Um mesmo movimento não chega a dois
termos; ora é o mesmo movimento do desejo
que se encontra na alegria e no prazer. Não
há, pois, nada a distinguir entre a alegria e o
prazer;
III) Se a alegria é diferente do prazer, parece que,
pela mesma razão, a alegria a exultação
significa igualmente outra coisa que o prazer
que teríamos então paixões diversas: o que é
inadmissível; não distinguirá, pois, alegria e
prazer. 215
ARTIGO 4: O prazer está no apetite intelectual?
[Contradições]
Dificuldades: Aristóteles escreveu: O prazer é um certo
movimento sensível; ora o movimento sensível não está no
apetite intelectual?
- O prazer é uma paixão e toda paixão se encontra no
apetite sensível;
- O prazer é comum aos homens e aos animais – É a parte
que nós temos em comum com eles.
Entretanto, está dito no salmo? Toma teu prazer no Senhor?
Ora o apetite sensível não é capaz de alcançar a Deus, só
o apetite intelectual. O prazer pode, pois, se encontrar
nesse último apetite”. (AQUINO, São Tomás. Suma
Teológica. Paris: ed. De la revue des jeunes, 1932). 214-
215
CAPÍTULO 3 – RENASCENÇA
Período: Século XV ao XVI
Regime Social e Econômico: Capitalismo, ascensão da
burguesia e transformações sociais
Formas de Arte: Arte Clássica / Arte Maneirista
Filosofia da Arte – Estética de Transição: Leonardo da
Vinci
[A. Hauser]
“A Renascença não foi uma civilização de pequenos lojistas
e artesãos, nem de uma classe média à altura, rica e semi-
educada, mas antes, patrimônio ciosamente guardado de
uma elite erudita e latinizada. Esta consistia principalmente
nessas classes de sociedade que estavam associadas com
o movimento humanista e neoplatônico – uma intelligentsia
uniforme e no todo de espírito semelhante, tal como, por
exemplo, nunca o foi o clero tomado na sua totalidade. As
importantes obras de arte eram destinadas a este círculo.
As massas mais vastas, ou não tinham conhecimento
absolutamente nenhum delas, ou apreciavam-nas
inadequadamente e de um ponto de vista não artístico,
encontrando o seu próprio prazer estético em produções de
Pág. 17
CURSO DE ESTÉTICA
qualidade inferior. Foi esta a origem daquele abismo sem
ponte, entre a minoria educada e a maioria não educada,
que antes nunca se verificara em tão elevado grau, e que
devia ser um fator tão decisivo em todo o futuro
desenvolvimento da arte”. (HAUSER, A. História Social da
literatura e da arte. São Paulo: Mestre Jou, 1962). 217-218
O ANTROPOCENTRISMO
[Nada acima do homem e nenhum homem acima do
outro]
Se, durante o longo período da história medieval, Deus foi o
ponto das atenções de toda a cultura, das artes, em
particular, já na fase da Renascença se desloca o eixo, e o
homem é visto como centro de todo o universo – para ele
tudo converge e a ele tudo se subordina. O
antropocentrismo defende a tese: “o homem é a medida de
todas as coisas”. Nesse clima onde impera o humanismo,
se impõe a Renascença. Irrompe uma plêiade de
intelectuais que vão dar o tom da grande virada: Copérnico,
Lutero, Calvino, Rabelais, Montaigne, Shakespeare,
Cervantes e Leonardo da Vinci. 219
[Nome Renascença]
O nome Renascença indica um novo momento histórico que
passou na história como um curto período, embora
culturalmente rico e revolucionário. E apresentou duas
tendências fundamentais que aparentemente se opõe: ideia
de renascer (despertar) e a de restaurar (impor novamente
ideias velhas). 219
[Mudança Científica]
Por que renascer? O homem sai do limbo, acorda e se
descobre no ritmo do cosmos. Humildemente, porque
descobre que não é mais o centro significativo da terra, que
por sua vez, nem é mais o centro dos planetas. Cientistas
como Galileu, Giordano Bruno e outros temestes da
Inquisição provam e defendem a teoria heliocêntrica. A terra
se move. Ela se move em volta do sol. A grande revolução
repercute no campo cultural e em especial, das artes. 219-
220
[Religião e Paganismo]
O clima deixa de ser religioso e a austeridade medieval é
substituída pela ostentação e luxo; o mundanismo
sobrepõe-se à fé. O homem, ao perceber a usa própria
medida, força as barras e vai se libertando do fatalismo
religioso, liberando as próprias energias criadoras e
reconquistando o poder da natureza. 220
[Mudança de Cânone]
Por que restaurar? O homem corta com o passado e volta
às fontes em busca de modelos perfeitos, já que para os
artistas as criações greco-romanas representavam o ponto
mais alto da capacidade humana de realização artística.
Impossível superá-los, por isso a única coisa a fazer seria
retornar à medida da cultura antiga: a unidade, equilíbrio e
harmonia. E os poetas procuraram inspiração na poesia
latina, como Dante e Petrarca. 220
[Pintura: Cimabue e Giotto]
Saturados, os pintores tentam libertar-se das normas
bizantinas, fundos dourados, figuras hieráticas. Cimabue
passa sentimentos humanos nas suas obras e Giotto, com
obras muitos simples, inicia o movimento “representativo”
em pintura. 220
[Período]
Os períodos da arte clássica:
[1/Florença] Os historiadores costumam dividir a
Renascença em três tempos. O primeiro, aproximadamente
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
entre 1400 e 1500, surge na Itália, tendo Florença como
centro dominante, com irradiação para a Alta Itália. A
Europa acelera o processo de superação da economia
agrária, artesanal e urbana da Idade Média, ingressa na
economia manufatureira, mercantilista e nacional da idade
moderna com o novo estilo. 220-221
[2/Roma] O segundo, a Renascença Romana,
entre 1500 e 1550, corresponde ao apogeu, esplendor dos
papas, embora coincidindo com o cataclismo religioso da
Reforma. [3/Roma] A última compreende ainda Roma, fase
que assinala o início do barroco, e que Leonardo da Vinci,
através das suas obras, faz um rastreamento minucioso da
realidade demonstrando domínio de conhecimento sobre
anatomia, ótica, teoria das cores. 221
[1500-1600] Finalmente, a Renascença que se
desenvolve no período de 1500 a 1600, impõe-se como
movimento da renovação cultural e artística, das estruturas
sociais, políticas e econômicas, transformando o panorama
cultural e artístico europeu. Época caracterizada pela
presença de Maquiavel em Florença, no tempo dos Médici,
pregando a secularização da política, em moldes diferentes
da política utópica dos gregos, voltada para o modo do
homem agir de fato. 221
[Naturalismo e desenvolvimento técnico]
No Renascimento, todavia, o naturalismo não morre, passa
a assumir outra feição, à medida que os artistas buscam no
conhecimento científico um modo mais perfeito de
representar a beleza do mundo natural e social. Através da
descoberta das leis científicas, noções de perspectiva, de
proporcionalidade matemática, consegue criar a ilusão da
terceira dimensão. 221
FORMAS DE ARTE
ARTE CLÁSSICA
[Modelo Grécia-Roma]
Volta ao modelo greco-romano. Imitação. Regularidade de
formas. Sujeição às normas da razão. Ex,: Monalisa. Uma
plêiade de pintores: Rafael, Ticiano, Dürer. 222
[Termo Classicismo e Arte Clássica]
O termo classicismo indica a volta ao modelo clássico. No
campo das artes redescobre-se a beleza da cultura clássica
e dos modelos greco-romanos. A beleza deve expressar a
harmonia do todo, que se caracteriza pela simetria, unidade
e equilíbrio. Surge nova cultura clássica, marcada pelo neo-
paganismo, que vai se opor ao cristianismo. O que se
processa é o retorno à natureza como fonte de
inspiração, pautada pela expressão natural e dinamismo,
isto é, com figuras de movimento. [Escultura] Na escultura,
a corrente clássica imita os gregos que primaram pela
valorização da beleza física, com a representação dos nus
através da perfeição dos corpos. 222
[Beleza física do homem]
Em vez da elevação a Deus tão próprio ao clima medieval,
agora se dá a exaltação do homem, revelada na valorização
da beleza física que se manifesta na representação dos nus
e na busca da perfeição anatômica. 222
[PINTURA]
A pintura passa a ser uma arte autônoma, não mais um
complemento, com emprego de novas técnicas, sobretudo
a pintura a óleo. O que muito contribuiu para as mudanças
foi a conquista do espaço tridimensional, obtido através de
vários estudos. Os artistas exploram a perspectiva
científica, como fazem Mossaccio, Paolo Vicello,
Leonardo da Vinci entre outros. Empregam técnicas tais
como o claro-escuro e o “Sfumato”. 222
Pág. 18
CURSO DE ESTÉTICA
[Escola Florentina: Linha sobre a Cor]
Embora haja características comuns, as escolas da pintura
renascentista italiana primam por serem centros
diferenciados como a Escola Florentina, em Florença, que
se caracteriza pelo intelectualismo e faz uma arte que se
exprime pelo predomínio da linha sobre a cor como nos
mostra Leonardo da Vinci, Botticelli, Fra Bartolommeo.
223
[Escola Veneziana: Cor sobre a Linha]
A Escola Veneziana brilha pelo predomínio da cor sobre o
desenho e a linha, aliás pouco desenho, e também por
massas de cores, decorativas, suntuosas, sensuais.
Produziu grandes pintores como Giovanni Bellini, Ticiano,
Veronese e Lorenzo Lotto. 223
[Escola Romana: Síntese entre a Cor e a Linha]
A Escola Romana é uma síntese que se revela no equilíbrio
da linha intelectualista dos florentinos e da cor sensual dos
venezianos. Seu digno representante é Rafael que se
destaca como artista solitário, de muita verve, e por sua
originalidade é difícil ser classificado dentro das
características gerais dessas escolas. Michel Àngelo
Buonarroti (1475-1564), arquiteto, poeta, pintor e
sobretudo, escultor, revela estudo detalhado do corpo
humano e conquista de espaço, como aparecem em obras
primas como Pietá, David e Moisés. 223
[ARQUITETURA]
Na arquitetura, a arte renascentista revive os modelos
clássicos greco-romanos, de modo algum como cópia literal
ou simples imitação. Adapta-se às necessidades e ao gosto
da época. [...] O plano Bruneleschiano baseia-se no
quadrado e no retângulo; fachadas e paredes internas
exibem os elementos arquitetônicos clássicos: arcos,
colunas, cornijas, etc. Toda a beleza emana da proporção
matematicamente calculável existente entre o todo e as
partes, e entre as partes isoladamente. 223-224
[Arte Renascentista e Academia de Arte]
Os princípios da arte renascentista sistematizados passam
a nortear as Academias a partir do lema: quanto mais o
artista conhecer cientificamente o real, mais perfeita será
sua obra, em termos de precisão. O artesanato da obra
passa para o segundo plano e a visão do mundo obtida por
conhecimento intelectual passa a ter significado importante
na própria arte. 224
[Belas Artes]
As artes como pintura e escultura se impõe como Belas
Artes, tendo função espiritual e social definidas – elas que
durante muito tempo foram desprezadas por serem
consideradas artes mecânicas ou artes complementares.
Através de conhecimentos científicos, os artistas
procuraram mostrar a dupla dimensão da arte: sensível e
intelectual. 224
ARTE MANEIRISTA [Maneirismo: à mano (mão); à
maneira de...]
[Individualismo]
Arte polêmica, produzida por individualidades que buscam
um estilo próprio de expressão. Ex.: El Greco, Bruegell.
225
[Busca por estilo próprio]
Que tipo de arte é o maneirismo, decadente ou original? Os
pintores buscavam uma maneira nova de pintar, rompendo
com a serenidade clássica, traduzindo-se num certo
individualismo, isto é, o artista quer trabalhar, a sua
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
maneira. E o quadro começa a ter usa própria realidade,
afasta-se da imitação do real, não quer representar
nenhuma outra coisa, como aparece nas obras de El Greco,
Brueggel. Acaba com a unidade de espaço. Num mesmo
lugar, várias cenas são reproduzidas, revelando uma dose
forte de imaginação. 225
[Michelangelo: estilo próprio; movimento]
Michelangelo é um artista que tem uma obra difícil de ser
classificada nas características de uma escola pois, embora
renascentista, abriu espaço em sua originalidade para o
Maneirismo. Deu nova orientação aos seus discípulos, ao
mostrar o vigor do movimento nas suas figuras. E o
Pontormo, com a obra Depositação pretende “enganar” a
realidade vestindo as figuras com uma malha ardente. 225
FILOSOFIA DA ARTE (ESTÉTICA DE TRANSIÇÃO)
[Teoria Metafísica em crise]
Nesse período renascentista, inicia-se a crise da estética
metafísica, à medida que os parâmetros da verdade
absoluta que orientavam o trabalho artístico começam a cair
por terra, por força da teoria das ciências nascente. 225-226
[Imitação, conhecimentos científicos e Belas Artes]
Os artistas ainda seguem a teoria da imitação, eu é
modificada pelos novos conhecimentos científicos, recursos
técnicos, estéticos e instigantes leituras do mundo. Fazem
uma certa reflexão crítica sobre os critérios de arte e beleza,
que começa a se modificar à medida que começam a dar às
Belas artes um espaço autônomo. 226
[Arte é imitação da realidade como na Grécia (mas com
recursos científicos)]
A arte passa a ser compreendida como imitação da
realidade – desde que conhecida cientificamente. Deste
modo, nos centros de arte, a teoria mimética enquanto
imitação da realidade ainda se mantém, mas a
apresentação da própria natureza, em obra de arte, surge
aperfeiçoada pelo conhecimento científico que possibilitou
um maior domínio sobre as leis da natureza. Todavia, a
verdade formal à luz da ciência, ainda não é um meio para
transformar e revolucionar o sentido de realidade no campo
da arte. Os artistas ainda encontram nos padrões clássicos,
pagãos, a medida da arte, mas começam a experimentar
novas formas ao se libertarem dos dogmas e conceitos pré-
estabelecidos pelo poder eclesial. 226
LEONARDO DA VINCI (1452-1519), Anchiano, Itália
[Biografia]
Se Leonardo da Vinci não é propriamente um filósofo,
todavia é um dos gênios mais completos que a humanidade
conhece; humanista, esteta, cientista, artista de grandes
recursos. Um artista estudioso da natureza, que em obras
diversificadas, vai mostrando e descobrindo os meios de
relacionar beleza natureza artística. Além de ser também
inventor, engenheiro, arquiteto, desenhista, anatomista,
músico e pintor. 226
[Teoria: arte e ciência]
[...] Ele não escreveu uma teoria estética, embora tenha
sofrido influência da linha platônica [e plotiniana], elaborou
uma teoria da pintura onde revela novos conhecimentos de
física e matemática aplicados à arte. Concebe a arte como
uma recriação da natureza a exigir conhecimentos
científicos observados e sistematizados. A aplicação da sua
teoria pode ser visualizada através das noções de
perspectivas usada nas suas obras. [...] 226-227
Pág. 19
CURSO DE ESTÉTICA
[Uso da ciência na sua arte]
Por que a arte e ciência se opõe? Qual a relação entre
Beleza e Natureza? Para Leonardo da Vinci, a natureza
pode ser imitada, cada vez mais com precisão e rigor à
medida que o artista domina as leis e alcança tecnicamente
os meios de fazer arte. Ele mostra que a beleza artística
decorre da beleza natural desde que o artista saiba
transplantá-la para a arte. A obra de arte enquanto
elaborada à luz dos conhecimentos científicos alcança um
nível mais intenso de beleza. A aplicação da sua teoria pode
ser visualizada através das noções de perspectiva e de
anatomia usadas nas suas obras. 227
CAPÍTULO 4 – IDADE MODERNA
Período: Século XVII
Regime Social e Econômico: Liberalismo, capitalismo,
mercantilismo
Formas de Arte: Arte Barroca / Arte Rococó;
Filosofia da Arte: Descarte, Bacon, Locke (Voltados para
questões científicas e políticas, deram novos rumos à
cultura e às artes).
Problemas Estéticos:
[HAUSER]
“Por volta do final do século XVI, dá-se uma mudança
impressionante na história da arte italiana. Um maneirismo
frio, complicado e intelectualista cede o lugar a um estilo
sensual, emocional e universalmente compreensível – o
barroco. É a reação de uma concepção de arte, em parte
intrinsicamente popular, em parte, apoiada pela classe
cultural dirigente, mas com consideração pelas massas,
contra o exclusivismo intelectual do período precedente. O
naturalismo de Caravaggio e o emocionalismo de Carracci
representam as duas orientações”. (HAUSER, A. História
social da literatura e da arte. São Paulo: Mestre Jou, 1982).
229
[Contexto Social: Economia e Religião]
As novas liberdades são forçadas no bojo de grandes
transformações sociais, políticas e econômicas, com a
afirmação da classe burguesa, desenvolvimento do
comércio e manufatura, conquistas de navegação,
descobertas científicas, conflitos religiosos de grande porte
como Reforma e Contra-Reforma. O que sucede no século
XVII senão um choque entre posições sociais, intelectuais e
artísticas? Enfim a promessa de um mundo novo, livre da
autoridade eclesial, livre da subserviência à corte
absolutista. A formação de uma cultura que vai lutando pela
autonomia política, social e econômica através da afirmação
do liberalismo, do laicismo e do capitalismo nos grandes
centros europeus. 222
[Surgimento do Barroco da Itália e Catolicismo]
Na Itália, o barroco irrompe como uma nova forma de
concepção de arte e se impõe ao mundo. Estranhamente,
por força da igreja romana, que pretendeu através da arte
religiosa, reconquistar as glórias do passado. Por ter
perdido espaço no mundo cultural, devido à reforma
protestante, apela para a arte monumental, capaz de refletir
o esplendor da fé. Mas a arte barroca atende também a uma
necessidade dos artistas de ampliar os espaços, de fazer
novas experiências estéticas, fugindo ao formalismo das
regras formas clássicas. 232
ARTE BURGUESA
[Variedade de Barrocos]
Nesta variedade da arte barroca [barroco religioso (católico
e protestante) e profano (burguês: jardins, palácios, etc.)]
surgida no jogo do mundo burguês, capitalista, liberal,
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
versus uma aristocracia decadente que se acha dilacerada
entre protestantes e católicos, a razão e a liberdade nem
sempre se encontram de braços dados como revelam as
obras culturais e os fatos históricos. 222-223
[Literatura]
E como reagem os literatos? Os franceses, embora
burgueses, Racine, La Fontaine, Boileau junto ao duque
de La Rouchefoucault, mostram-se dignos representantes
da época de Louis XIV e fazem uma literatura palaciana, de
estilo. Com exceção, todavia, de Moliére que mantém
relação com a poesia popular. Voltaire e Montaigne,
grandes observadores da psicologia humana, iniciam um
processo de crítica ao modo frívolo e farsante da classe
burguesa usufruir a vida, nos luxuosos salões de festa. 223
[Música]
A música clássica também se bifurca, em músicas de salão
e músicas sacras, embora surjam grandes compositores
como J. S. Bach. 223
FORMAS DA ARTE
ARTE BARROCA
[Estilo e Artistas]
Arte Barroca: Contraste violento entre luz e sombra. Linhas
curvas. Dobras. O barroco assumiu variedade de formas,
difícil de ser reduzido a um denominador comum. Pintores:
Rubens, Rembrandt, Velásquez. No Brasil colonial,
Aleijadinho. 234
[Datação e Nome]
O barroco é o estilo artístico predominante na arte europeia,
da 2ª metade do século XVII e início do século XVIII. Ele
tem este nome – pérola de formato irregular – com sentido
pejorativo. O termo foi usado pelos neoclassicistas, a fim de
depreciar a arte do período anterior, que se mostra
exuberante e livre, diferindo dos novos padrões clássicos.
234
[Origem Italiana, Renascimento e Igreja]
Originário da Itália, o Barroco com seu apelo à liberdade de
expressão e de novas formas artísticas, espalhou-se pela
França, Inglaterra, Espanha e acabou sendo adotado em
todos os países ocidentais. Com muita força se difunde o
barroco devido ao poder político, os choques religiosos e o
clima liberal. O concílio de Trento dita normas para a arte
religiosa, substituindo o humanismo renascentista pelos
valores sobrenaturais e religiosos que precisam ser bem
expressivos. Os jesuítas são os principais divulgadores do
novo estilo, engajado nos movimentos reformatórios da
igreja. 234
O BARROCO ITALIANO
[Artistas]
Tintoretto é o precursor do novo estilo em pleno
Renascimento. Mas cabe a Caravaggio (1573-1610) ser o
primeiro pintor barroco que se consagra pela forma de tratar
a luz, violentas sombras que contrastam com a cor mais
luminosa, colocando em obras dramas profundamente
humanos. [...] 234
Destaca-se também Andrea del Pozzo (1642-
1709) na decoração de tetos, com pinturas ilusionistas. E.
Cortona, Reni, Caracciolo e outros pintores surgem em
vários centros artísticos, como Roma, Veneza, Nápolis,
Gênova. 234-235
[Arquitetura]
Na arquitetura, Gian Lorenzo Bernini (1568-1680) é
considerado expoente máximo do Barroco Italiano,
Pág. 20
CURSO DE ESTÉTICA
arquiteto, urbanista, cuja obra principal é a Praça de São
Pedro, no Vaticano que se caracteriza pela famosa
colunata. Na escultora, campo onde mais se destaca,
produz obras-primas. [...] Nesta obra prima [Êxtase de
Santa Tereza], aparecem belamenta as dobras das vestes
da Santa a se perder no olhar do contemplador. 235
BARROCO NA PENÍNSULA IBÉRICA [Portugal e
Espanha]
[Espanha]
A nova arte se desenvolve, adquire forte conotação
nacional, produz grandes obras na arquitetura, escultura e
pintura, sobretudo na Espanha. Na escultura destaca-se
Alonso Cavo, e Gregório Hernandez, autor da famosa
Pietá que se encontra no Museu de Valadolid. Na pintura, a
genialidade de Velásquez (1599-1660), grande retratista,
como mostram as famosas pinturas: As fiandeiras e As
Meninas. 236
[Países Baixos/Holanda: pintura laica (burguesa)]
Quanto ao Barroco dos países baixos, o setor artístico mais
desenvolvido é a pintura dos artistas holandeses, voltados
para temas laicos, por isso, considerados a arte da
burguesia.
[Artistas Barrocos dos Países Baixos]
[J. Vermeer]
J. Vermeer (1632-1675) retrata ruas, cenas interiores, o
canal da sua cidade, pequena rua, moça lendo uma carta,
jovem com um copo de vinho. 236
[Frans Hals]
Frans Hals (1583-1666) sem esboçar as suas figuras,
previamente, ele desenhava com a tinta na tela como retrato
de um casal, jovem com chapéu de abas largas. 236
[Rembrandt]
(1609-1699) considerado o maior pintor holandês de todos
os tempos e um dos grandes mestres da pintura universal.
Deixou grandes obras, Lição de anatomia, Betsabá, A noiva
judia. 236
[Rubens]
Rubens (1577-1640) que estudou na Itália e influenciado
pelos renascentistas, tornou-se pintor oficial do governador
do Arquiduque Alberto dos Países Baixos. 236
[Van Dick]
[...] E Van Dick (1599-1641) pintou retratos usando temas
mitológicos e religiosos. Ex.: A rainha Henriqueta e seu
anão. 236
[Estilo: Movimento;]
Ao se emancipar de regras ou padrões absolutos, imutáveis,
o artista busca efeitos decorativos e visuais através de curva
e contra-curvas, planejamentos ondulados, movimentação
de formas, colunas retorcidas. O dinamismo na composição
aparece na eliminação da linha reta e predomínio do vertical
sobre o horizontal, formas livres e fuga do geométrico. 237
[Estilo: Arquitetura]
Na arquitetura destacam-se as fachadas simples, com os
frontões triangulares modificados por curvas e volutas,
estabelecendo o contraste frequente entre a simplicidade do
exterior e a opulência decorativa do interior das igrejas. A
forma como dobrada, desdobrada, se insinuando no interior
e transbordando para o exterior. 237
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
[Estilo: Pintura]
Na pintura, a composição se desenvolve em ritmo dinâmico,
violento contrastes de luz e sombra inovam o espaço
pictórico: a figura passa para frente, contrastando com o
fundo escuro do quadro. Na pintura de tetos, com efeitos
ilusionistas, é grande a aparência da profundidade
conseguida, se tem a impressão de uma abertura, através
da qual se pode ver o céu. E novos gêneros de pintura vão
aparecendo, como a pintura paisagística, as naturezas
mortas, o gosto dos retratos-miniatura. 238
[As Dobras do Barroco]
Alguns intérpretes da atualidade se voltam para a arte
barroca, apontando a dobra como função operatória, seu
verdadeiro traço. É a dobra que reúne todos os artistas,
pintores, escultores, arquitetos, músicos, poetas. Dobra que
se manifesta em toda a sua extensão, dobra sobre dobra.
De tal modo que a arte barroca não para de fazer dobras,
se curvar e recurvar em dobras. 238
[Dobras da Alma]
A dobra, compreendida como “as redobras da matéria e as
dobras da alma”, mostra que a matéria transborda no
espaço. A dobra existe como uma liberação sem limites,
sendo essa a grande diferença da arte clássica. O barroco
inventa a dobra “infinita”, seu grande desafio é não findar a
dobra, leva-la e deixa-la no aberto como aquela que separa
ou passa entre a matéria e a alma, a fachada e o
compartimento fechado, deixando o exterior sempre no
exterior e o interior sempre no interior de modo harmônico.
238
[Wölfflin e o transbordamento]
Como diz Wölfflin: “a característica do barroco é a tendência
da matéria para transbordar o espaço, para conciliar-se com
o fluído, ao mesmo tempo em que as águas se repartem na
massa.” 238
[Deleuze e a Dobra]
Segundo estudiosos, em destaque Deleuze, a dobra é a
constatação de que tudo se volta sobre si mesmo, se
desdobra, redobra, transforma-se em outra dobra, de tal
modo que uma dobra remete a outras, num processo sem
fim. 238
FILOSOFIA DA ARTE ESTÉTICA NO SÉCULO XVII
[Mudanças no Século XVIII]
No século XVII, embora no campo das artes haja bruscas
mudanças, não se impõe teorias estéticas críticas, posto
que os pensadores não estão interessados nos problemas
da arte mas estão envolvidos pelas questões científicas e
políticas que estão transformando a visão do mundo.
Descartes, considerado o pai da filosofia moderna,
revoluciona o campo do saber com a sua dúvida metódica.
F. Bacon pretende colocar por terra o método aristotélico
para interpretar a natureza. E Locke, com o sensualismo,
choca o meio intelectual ao negar os princípios
fundamentais do conhecimento humano. 239
[Barroco, Classicismo e Realismo]
Apesar do barroco ter características que vão contrastar tão
fortemente com o classicismo, ele se acha impregnado de
forte realismo. Deste modo, as novas artes como barroco e
rococó mantêm a teoria da imitação com a sua dimensão
figurativa. Todavia, revelam maior liberdade no processo de
criação, libertação da simetria, da estaticidade, da forma
determinada. Em outras palavras, a obra de arte se mostra
num excesso de movimento como aparece nas dobras, no
contraste entre luz e sombra, acúmulo de elementos,
valorização do espaço. 239
Pág. 21
CURSO DE ESTÉTICA
[Barroco e as Academias]
Paradoxalmente, as academias de Arte controlam a
formação do artista, criticam as obras à luz de juízos e
normas de caráter racional, científico, estabelecendo corte
com a tradição cultural medieval. Em alguns centros
artísticos, surgem teorias estéticas que começam a discutir
a questão da normatividade clássica baseada no belo ideal,
que não coincide com a dimensão subjetiva que orienta o
processo barroco de criação. Também não coincide com o
prazer que se vive e que se quer na experiência estética de
beleza, presente à obra de arte tão ornamental. 239
[Influência da Religião e da Ciência]
A cultura neste século começa a se bifurcar em arte e
ciência como campos estanques. De um lado, o barroco de
caráter religioso que, como arte visual, está presa à
figuração, às imagens, principalmente aos modelos dos
santos que servem às funções pedagógica e religiosa. Mas
os artistas conseguem alcançar formas mais dramáticas e
rebuscadas, substituindo elementos retangulares pelos
curvos, buscando recursos para extravasar sentimentos.
240
Por outro lado, no mundo da ciência, profunda é a
mudança na ótica de se entender o saber à luz do
conhecimento e metodologia científica, por força da
credibilidade dada às verdades demonstradas pelos
cientistas como Galileu e Copérnico. Assim, a objetividade
não condiz com uma teoria da arte que flui com tantas
variações. 240
DESCARTES (1596-1650), Le Havre
O pensador francês, fortemente influenciado pela precisão
das matemáticas, dá a grande guinada pera o novo
racionalismo ao apresentar um método lógico, baseado no
indubitável, capaz de chegar à verdade em questões
fundamentais como o homem, Deus e mundo. A natureza,
assim como o corpo, está sujeita às leis da mecânica e a
alma é uma substância pensante. [...] Não deixou texto
importante sobre a questão da arte, mas sua posição crítica
preparou terreno para a grande revolução estética que vai
se dar com Kant. Fez grandes discípulos como Spinoza,
Leibniz, Malebranche, Pascal, que pregam a liberdade ao
mesmo tempo que elaboram teorias racionalistas. 240
BACON (1561-1626), Londres
O filósofo inglês defende a linha do empirismo, fazendo o
elogio do método experimental. Pretende destruir o velho
instrumento da lógica formal aristotélica baseado na
argumentação e indica as etapas do novo método que parte
da experiência sensível e chega à comprovação científica.
Ele classificou as ciências segundo as faculdades da alma:
a) ciências da memória ou históricas; b) ciências da razão
ou filosóficas; c) ciências da imaginação ou poéticas,
considerando a poesia como imitação arbitrária da história.
241
J. LOCKE (1632-1704), Bristol
Locke, defensor da teoria liberal, é um adversário do
absolutismo de Hobbes. O homem livre busca na sociedade
a garantia do seu trabalho e luta pelos seus direitos naturais.
Pela sua posição filosófica, empirista e sensualista, o
pensador vai negar o belo ideal e reduzir à estética ao
campo do prazer. 241
CAPÍTULO 5 – IDADE MODERNA
Período: Século XVIII
Regime Social e Econômico: Liberalismo, capitalismo,
iluminismo
Formas de Arte: Arte Barroca; Arte Rococó
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
Filosofia da Arte: Baumgarten (Estética Moderna);
Winckelmann (História da Arte Moderna); Kant (Filosofia
Estética Moderna); Schiller (Educação Estética).
Problemas Estéticos: O Espaço da Estética; A beleza e o
juízo de valor; Arte educação, a liberdade e a arte.
[Hauser]
“...No século XVIII o comando das atividades intelectuais
passa da França para uma Inglaterra econômica, social e
politicamente mais progressiva. O grande movimento
romântico aí se inicia no meado do século, mas o Iluminismo
recebe também deste país o seu impulso decisivo. Os
escritores franceses da época vêem nas instituições
inglesas a quintaessência do progresso e constroem em
volta do liberalismo inglês uma lenda que só em parte
corresponde à realidade”. (HAUSER, A. História da
literatura e da arte. São Paulo: Mestre Jou, 1982). 423
O ILUMINISMO
[Contexto histórico]
Para procurar compreender a crise, o esgotamento e
classicização do barroco, é preciso buscar as raízes
iluministas. O iluminismo surge como o século das luzes,
graças ao foco da luz da razão, visto como um poder de
iluminar o caminho da humanidade. Grandes esperanças e
grandes promessas, juntamente com as descobertas dos
métodos científicos e a ruptura com a tradição religiosa. E
mais, com as grandes conquistas e tensões que afirmam o
capitalismo, vencendo a fase mercantilista, mediante o jogo
da burguesia com a aristocracia absolutista. 245
[Contexto Religioso]
Época de luta acirrada entre a reforma e a contra-reforma,
instalada entre católicos e protestantes que se expande na
conquista de novos adeptos e se realiza no mundo das
grandes descobertas das Américas. Os jesuítas se
expandem em suas missões e se instalam no Brasil. 245
[Artes]
No campo das artes se afirma, de modo vigoroso, o barroco.
De fato, acontece o embate e a transformação do novo
estilo que se manifesta na passagem de um classicismo
simétrico para as curvas e as dobras que se multiplicam,
sem limites, no campo das artes plásticas. 245-246
[Literatura]
Os literatos acedem a tocha do iluminismo liderado por
Montesquieu, impulsionando o movimento que vai se opor
ao chamado obscurantismo da idade média. É criada a
grande utopia que impulsiona o mundo intelectual a querer
despertar o homem para sua própria luz, abafada pela
ignorância face ao mundo das trevas. 246
[Razão e Política]
[...] Vislumbra-se um novo poder que faz o homem acreditar
que, tomando posse das luzes da razão em qualquer setor
da vida, criará uma nova sociedade. E a ciência passa a ser
vista como mola propulsora do progresso material, do
desenvolvimento social e político. A nova visão de mundo
vai influenciar as reformas políticas, por força dos escritores
franceses que defendem a liberdade, a igualdade, a
fraternidade E a onda desemboca na violenta Revolução
Francesa de 1789. 246
[KANT e o contexto artístico]
Qual é o mundo da arte que um Kant encontra senão o
mundo da arte em crise? O pensador que nasceu em 1724
e morreu na mesma cidade de Königsberg, longe dos
grandes centros artísticos, estava atento às questões
estéticas. Embora professor de ciências naturais,
Pág. 22
CURSO DE ESTÉTICA
influenciado pela ciência de Newton, mas ciente da arte
palaciana de Frederico o Grande, rei-flautista que convida
Bach para seus saraus. Sem nunca viajar para grandes
centros artísticos, viveu em ricas circunstâncias culturais.
246
[SCHILLER e a educação artística]
Seu contemporâneo, Schiller, dramaturgo, poeta e filósofo,
que conheceu bem o clima teatral e literário da época pré-
românica – já bem desiludida com as experiências da
revolução francesa, onde as luzes começam a se apagar.
No clima do idealismo alemão, este dramaturgo se encontra
com algumas ideias de Goethe (1749-1832) que considera
a arte, a verdadeira natureza formadora do homem, pelo
seu vigor capaz de criar formas expressivas que vão revelar
os meios de se chegar ao equilíbrio face ao mundo. [...] 246-
247
[GOETHE: lírico e racionalista]
[...] Goethe é um literato que gerou polêmica porque se de
um lado exaltou a liberdade humana, numa atitude
considerada idealista e romântica, por outro lado o seu
modo de fazer poema foge do lirismo e passa pela linha
racionalista. 247
FORMAS DE ARTE
ARTE BARROCA
[Arte Popular que se espalha pela Europa e América]
Arte que se mantém como forma de arte de inspiração
popular, mas busca novas soluções e surgimento de
talentos.
O barroco, arte convincente popular, chega ao
século XVIII como uma onda luminosa que se espalha por
toda a Europa. Veio da Itália, foi se desdobrando, chega em
Portugal, até na América Latina e deixou grandes heranças
artísticas. 247
ARTE ROCOCÓ
[Simplificação; Elegância; Laicidade;
Aristocracia/Burguesia]
Caracteriza-se pelo excesso de recursos decorativos e
considerada arte delicada, francesa, por excelência. Ex.
Palácios de Luiz XV e Luiz XVI.
O rococó é a arte que se caracteriza pela apuração
e a simplificação do Barroco, com linhas mais delicadas que
dão a impressão de elegância. Tem sua origem na palavra
rocaille que significa concha. Inicia-se no século XVII na
França e se impõe noutros centros principais da Europa
como a Inglaterra. O efeito total, em contraste com a
inquietação barroca, é mais leve e considerado mais
divertido. 248
[Estilo]
Por isso mesmo, o Rococó aparece como um novo estilo
decorativo, que ao invés dos motivos religiosos, utiliza os
florais, e toda sorte de extravagância ornamentais
reaparecendo sempre a concha. Pouco a pouco,
transforma-se o rococó na exacerbação do espírito barroco,
menos profunda, porém mais graciosa. 248
FILOSOFIA DA ARTE (ESTÉTICA CRÍTICA)
[Baumgarten, Winckelmann, Kant e Schiller]
O século XVIII marca um grande momento para a estética
na razão de sua reordenação como saber tendo por fim
conhecer o mundo sensível à luz do conceito de beleza e
código do gosto. Alguns historiadores chegam a estabelecer
a posição kantiana como um marco na história da estética
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
da civilização ocidental à medida que os problemas da arte
são analisados criticamente através de novas leituras da
razão e da verdade. Kant já encontra os legados de
Winckelmann, de A. Baumgarten e faz análises que
possibilitam novos estudos para Schiller. 249
[Winckelmann]
[...] Winckelmann (1717-1768) foi um estudioso da cultura
antiga, principalmente da grega e dá uma guinada ao fugir
do enfoque de estudo, próprio à época. Diferentemente dos
estudiosos de arte que se voltam para o estudo da biografia
dos artistas, ele estuda as condições estéticas necessárias
para explicar o fenômeno artístico. Nos seus livros “Ensaio
sobre a capacidade de sentir o belo na arte” e “Sobre a
graça nas obras de arte” procura analisar os meios estéticos
e sociais que possibilitaram a criação da obra. A influência
de Winckelmann, encantado pelo classicismo, foi tanta que
acabou com o gosto pelo barroco e rococó. 249
[A. Baumgarten]
[...] Mas coube ao seu contemporâneo A. Baumgarten, de
1714 a 1762, abrir o campo da estética como saber reflexivo
sobre o sentido de beleza visando chegar à perfeição do
conhecimento sensível. Ele mostra que, durante séculos de
tradição, este tipo de conhecimento, considerado inferior,
tinha sido reduzido a um estudo sem valor. 249-250
[Kant – Problema da Objetividade x Objetividade]
Na Alemanha, Kant (1724-1804) se impõe como um grande
revolucionário intelectual, embora pouco conhecedor das
artes concretas. Impregnado do rigor científico toca na velha
e intrincada problemática da relação entre a subjetividade e
a objetividade da arte e do belo. Problema que vem
historicamente se dividindo entre a linha clássica e seus
critérios absolutos de normatividade e a linha empirista que
relativiza o gosto ao critério da beleza de cada um. De modo
crítico, ele recoloca a questão buscando as condições de
possibilidade dos juízos estéticos, vistos como diferentes
dos juízos científicos e morais. 250
[Schiller: sensibilidade e inteligência = impulso lúdico /
dimensão espiritual e material e medida vital]
Schiller, estudioso de Kant, não se prende à relação
sensibilidade e inteligência vista como excludentes, não se
pretende à relação sensibilidade e inteligência vistas como
excludentes, mas aponta o impulso lúdico como um jogo
que reconcilia as duas dimensões, material e espiritual,
dando a medida vital do homem. 250
FILOSOFIA DA ARTE
A. BAUMGARTEM (1714-1762), Berlim – Criador da
Estética Moderna.
[Fundação da Ciência Estética]
O pensador funda a estética, ciência do gosto e da criação
artística, em bases cognitivas. Ficou conhecido na história
da arte como pensador que empregou a palavra estética,
pela primeira vez, como percepção sensível, procurando
constituí-la como ciência do gosto e do conhecimento da
beleza. Ela está para o conhecimento sensível assim como
a Lógica para o conhecimento intelectual. 250
[Ciência do Belo inferior ao Racional]
Pretendeu torna-la uma ciência das sensações, teoria do
belo, um estudo ordenador dos signos do pensar e do fazer
de modo belo que não se restringisse estritamente às artes.
Antes o estudo da arte era apenas um campo restrito e
secundário da própria filosofia e o belo não era atribuído à
forma do conhecimento sensível. Um objeto de
conhecimento inferior ao racional. 250-251
Pág. 23
CURSO DE ESTÉTICA
[A Razão para compreender as Sensações]
No seu livro Sobre a Estética e a lógica da arte e do poema
faz várias chamadas de unho racionalista para analisar o
belo como algo que se processa no domínio da
sensibilidade, isto é, da sensação, imaginação e
sentimento, na ordem cognitiva e não instintiva. 251
O CRITICISMO DE KANT (1724-1804), Königsberg
[Estudo das faculdades cognitivas / Autonomia da
Estética]
Kant assegura a autonomia da estética no campo da
filosofia encarando-a como saber do belo. A partir dele a
questão da crítica vai ser a marca do saber estético. Face
ao sucesso das comprovações científicas através do
método experimental faz a filosofia ter por objetivo examinar
as faculdades cognitivas e determinar os elementos
fundamentais do conhecimento. Escreveu: Crítica da razão
pura, Crítica da razão Prática e Crítica da Faculdade do
juízo, recolocando a questão do conhecimento e dos
fundamentos da verdade. 251
[Crítica da faculdade do juízo]
Kant mostra na Crítica da Faculdade do Juízo como são
diferentes os juízos estéticos daqueles da ciência da
natureza que exigem formas a priori de pensar [Crítica da
razão pura]. E também que os juízos morais que necessitam
da adesão da liberdade ao princípio racional do Dever
[Crítica da razão prática]. 251
[Experiência estética]
Kant, em sua análise, aponta a experiência estética como
aquilo que é comum a todos os homens. Ela é produto do
trabalho da imaginação que consegue unir a sensibilidade
ao entendimento que são distintos modos cognitivos,
provocando o prazer estético e o juízo do gosto. Embora as
condições para usufruir o belo sejam as mesmas para todos
os homens, não há juízos decorrentes de um conceito
universal sobre beleza, já que depende do sentimento de
satisfação desinteressada que o sujeito experimenta na
contemplação do objeto belo. E cada belo sendo exemplar,
inimitável, não se presta a ideias gerais, nem a regras
absolutas para produzi-lo. 251-252
[Autonomia do Belo]
Estabelece a autonomia do belo, que é visto como
propriedade das coisas que agradam como “uma imagem-
conceito” segundo a linha aristotélica. O belo é uma imagem
modelar, única exposta concretamente, inconcebível
intelectualmente. Assim, o belo é o que agrada, sem
conceito. 252
IDEALISMO DE F. SCHILLER (1759-1805), Württemberg
[Impulso lúdico]
O dramaturgo e pensador Schiller tem por objetivo conciliar
os campos da sensibilidade e inteligência mediante o
impulso lúdico que se dá em um jogo estético. 252
[Sobre a educação estética]
Um poeta encantado pela Grécia, ciente das teorias do
mestre Kant, Schiller retoma as suas questões sobre arte
e beleza que serão desenvolvidas numa série de cartas
enviadas ao príncipe Frederico Cristiano da Dinamarca,
articuladas no livro Sobre a educação estética. Chama
principalmente atenção para a liberdade como condição da
criatividade, tão sufocada pela ciência, mas que poderá ser
alcançada por intermédio da arte que é capaz de
proporcionar intensidade de vida. 252
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
[A educação estética dá equilíbrio e harmoniza o
homem com relação as forças vitais impulsivas]
Qual a importância do estudo estético para a vida humana?
Como se desenvolve o gosto estético?
Schiller, tendo por modelo a arte grega, prega a
arte como meio de vencer o estado natural instintivo que
descontrola o homem por inteiro e enfatiza o poder da
educação artística. Ele concilia as forças internas do homem
dando equilíbrio e bem estar diante da vida. Tudo se
processa mediante um jogo lúdico que estabelece
adequadas e harmoniosas relações entre inteligência e
sensibilidade. Esse jogo extremamente gratuito se encontra
acima dos interesses práticos e das necessidades impostas
pela vida. Não está envolvido com as questões dos lados
subjetivos e objetivos e assim está aberto pra relacionar
matéria sensível e forma do pensamento, de modo belo.
Pois o jogo estético se manifesta no trabalho da arte em
criar a Beleza como uma forma que dá vida à matéria. 252-
253
[Beleza, Arte, Felicidade e Política]
Na introdução do livro Sobre a educação estética destaca
que as pesquisas dedicadas aos temas Beleza e Arte, longe
de afastar dos problemas da felicidade e da política,
relaciona mais ainda. 253
PROBLEMAS ESTÉTICOS
O ESPAÇO DA ESTÉTICA
A estética é arte ou ciência
A. BAUMGARTEN
A estética é ciência: ela cria espaço para a discussão dos
problemas sobre o belo e a questão do prazer estético que
se encontram no campo do conhecimento, no nível do
mundo sensível. 253
A estética é arte: à medida que um instrumento do
pensamento claro e belo e também uma ciência que tem por
objetivo de estudo toda a riqueza do mundo sensível. 253
[BAUMGARTEN]
Sobre a estética e a lógica do poema
(A estruturação da ciência estética)
A estética (como teoria das artes liberais, como gnosiologia
inferior, como arte de pensar de modo belo, como arte do
analógon da razão) é a ciência do conhecimento sensitivo.
O grau natural das faculdades cognoscitivas,
desenvolvido apenas na prática e aquém da cultura
disciplinar, pode ser denominado de estética natural. Esta
pode ser dividida, segundo a lógica natural, em inata – o
belo talento inato – e em adquirida. Esta última, por sua vez,
pode ser dividida em adquirida através do ensino e em
adquirida através da prática.
... O fim visado pela Estética é a perfeição do
conhecimento sensitivo como tal. Esta perfeição, todavia, é
a beleza. A imperfeição do conhecimento sensitivo é o
disforme, e como tal deve ser evitada. (BAUMGARTEN, A.
Estética, a lógica da arte e do poema. Rio de Janeiro:
Vozes, 1993).
[KANT]
BELEZA E JUÍZO DE VALOR
(Quais os critérios dos juízos estéticos?)
A arte como produto de construção do artista só tem
compromisso com o ato de agradar universalmente a todos,
mediante um objeto belo que encanta por ele mesmo.
Prescinde dos critérios do conhecimento científico, e dos da
vida prática que têm outras implicações cognitivas.
Pág. 24
CURSO DE ESTÉTICA
Se o objeto belo agrada a todos igualmente sem
conceito, é porque algo provoca e espera confirmação. Esta
se dá mediante satisfação estética que se acha no nível da
subjetividade. O belo é uma ocasião de prazer para um
sujeito. De tal modo que não está no objeto, a ele atribuímos
uma quantidade que não é dele, mas uma atitude nossa de
satisfação, desinteressada e contemplativa, apreendida
simplesmente por intuição. Todas as pessoas vendo aquele
objeto podem a ele atribuir propriedades estéticas, embora
sintam e expressem estados afetivos diferentes. Não
havendo, portanto, um consenso conceitual, somente um
encontro entre todos pelo fato dele proporcionar prazer.
Olhando para uma pintura de Rafael sinto prazer,
não porque estou impregnada de conhecimento da sua
pintura, nem da vida, nem da sua obra. Eu experimento a
beleza através do quadro, aprecio-o como um objeto belo
que me provoca sentimentos, me agrada. Isso não precisa
de conceito universal, nem de juízo, mas todos, vendo
aquele quadro, experimentam prazer. 254-255
ANALÍTICA DO BELO (PARTE 1)
(Como explicar o gosto à luz da preferência ou de um
juízo?)
Primeiro momento – Do juízo de gosto, segundo a
qualidade.
I - O Juízo do gosto é estético
Para distinguir se algo é belo ou não, referimos a
representação não pelo entendimento ao objeto, para o
conhecimento, mas pela imaginação (talvez vinculada com
o entendimento) ao sujeito e ao seu sentimento de prazer
ou desprazer. O juízo de gosto não é pois um juízo de
conhecimento, portanto não é lógico, mas estético, pelo que
se entende aquele juízo cujo fundamento de determinação
não pode ser ou que é subjetivo Toda a referência das
representações, mesmo a das sensações, porém, pode ser
objetiva (e significa então que é real em uma representação
empírica): Só não o pode ser a referência ao sentimento de
prazer e desprazer, pela qual absolutamente nada é
designada no objeto, mas em que o sujeito, assim como é
afetado pela representação sente a si mesmo (...). 255
Segundo momento – Do juízo de gosto, ou seja, segundo
sua quantidade. 256
- O belo é aquilo que, sem conceito, é representado como
objeto de uma satisfação universal.
Gosto é a faculdade de julgamento de um objeto ou de um
modo de representação, por uma satisfação ou insatisfação,
sem nenhum interesse. O objeto de tal satisfação chama-se
belo.
(...). Seria ridículo se alguém que imaginasse algo sobre seu
gosto, pensasse legitimar-se com isto: esse objeto (o
edifício que vemos, a roupa que aquele veste, o concerto
que ouvimos, o poema que é apresentado para julgar) o
belo para mim, pois não deve denomina-lo belo, se apraz
meramente a ele. Atrativo e agrado, muita coisa pode ter
para ele com isso ninguém se preocupa mas se ele dá algo
por belo, presume em todos essa mesma satisfação, julga,
não meramente para si, mas para todos e fala então da
beleza como se fosse uma propriedade das coisas. Diz por
isso, a coisa é bela e não conta com a concordância de
outros em seu juízo de satisfação, porque eventualmente os
houvesse encontrado muitas vezes em concordância como
o seu, mas exige deles censura ou se julgam de ouro modo,
e nega-lhes o gosto, do qual no entanto, exige que ele o
tenha e nessa medida não pode dizer cada qual tem seu
jeito particular. Isso equivaleria a dizer: não nenhum juízo
estético que pudesse ter a pretensão legítima ao
assentimento de todos. 256
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
- A condição da necessidade a que pretende um juízo de
gosto é a ideia de um senso comum. 256
EXPLICAÇÃO DO BELO, INFERIDA NO SEGUNDO
MOMENTO
Belo, é aquilo que, sem conceito, apraz universalmente.
Não pode haver nenhum conceito regra de gosto que
determine por conceito o que é belo! Pois todo juízo desta
fonte é estético. E, o sentimento do sujeito e não o conceito
de um objeto é um fundamento de determinação. Procurar
um princípio do gosto, que fornecesse o critério universal
por conceitos determinados, é um empenho inútil, porque o
que é procurada é impossível e em si mesmo contraditório.
Portanto, somente sob a pressuposição de que
haja um senso comum pelo que, porém, não entendemos
nenhum sentido externo mas o efeito do livre jogo de nossos
poderes de conhecimento somente sob a pressuposição
digo eu, de um tal senso comum, pode o juízo de gosto ser
emitido. (KANT, I. Crítica da Faculdade do juízo. Rio de
Janeiro: Forense Universitária, 2002). 257
[SCHILLER]
EDUCAÇÃO, ARTE E LIBERDADE
(Como deve ser a educação da humanidade?)
J. F. SCHILLER
CARTA I
Para o poeta-pensador o jovem ao ter consciência do
impulso estético, eminentemente gratificante, desenvolve-
se espiritualmente, aprende a não ser um joguete da
natureza, procura assumir-se como um ser criador. Ele
assume a atitude de um artista que conforma a matéria em
obra de arte, tornando-se capaz de impregnar de beleza a
sua vida, todavia, com uma condição, que tenha
conquistado a liberdade. Mas dificilmente o homem
consegue chegar a este estado estético. Precisa de um
trabalho educacional, capaz de elevar a imaginação, à
tarefas criativas capazes de reconciliar inteligência e
sensibilidade. E somente, assim, consegue descobrir o
poder de se desprender da natureza, à medida que é capaz
de desenvolver a forma vigorosa do impulso lúdico capaz de
reconciliar a sensibilidade com a inteligência. 257
CARTA II
(Relação entre ciência e arte)
Não quero viver n’outro século, nem quero ter trabalhado
para outro. O cidadão do Estado é também cidadão do
tempo e se é indecoroso ou mesmo proibido furtar-se aos
hábitos e costumes do círculo em que se vive, por que não
seria um dever, ao escolher-se os próprios atos, considerar
a voz do gosto e da necessidade do século? 258
Esta voz, entretanto, não parece resultar em favor
da arte; ao menos não daquela para a qual se voltarão as
minhas investigações; o curso dos acontecimentos deu ao
gênio do tempo uma direção que ameaça afastá-lo mais e
mais da arte ideal. Esta precisa abandonar e elevar-se, com
decorosa ousadia, para além da necessidade; pois a arte é
filha da liberdade e quer ser legislada pela necessidade do
espírito, não pela carência da matéria. Hoje, porém, a
carência impera e curva em seu jogo tirânico a humanidade
caída; o proveito é o grande ídolo do tempo; quer ser servido
por todas as forças e cultuado por todos os talentos Nesta
balança grosseira o mérito espiritual da arte não pesa e ela,
roubada de todo estímulo, desaparece do ruidoso mercado
do século. Mesmo o espírito de investigação filosófica rouba
uma província após outra à imaginação e as fronteiras da
Arte vão se estreitando na medida em que a ciência amplia
as suas. (SCHILLER, F. Sobre a educação artística. São
Paulo: Herder, 1963). 258
Pág. 25
CURSO DE ESTÉTICA
CAPÍTULO 6 – IDADE MODERNA [MODERNISMO]
Período: Século XIX
Regime Social e Econômico: Capitalismo, Cientificismo
Formas de Arte: Neo-Classicismo; Romantismo; Novas
correntes
Filosofia da Arte: Hegel (panlogismo) Nietzsche (Niilismo).
Problemas Estéticos: A Beleza e o Ideal; Beleza e
Aparência
[Hauser]
“As lágrimas que se verteram no século XVIII, provocadas
por romances, peças de teatro, composições musicais não
são apenas o indício de uma alteração no gosto e passagem
dos valores estéticos do delicado e do reservado para o
violento e o indiscreto: assinalam, ao mesmo tempo, o início
de uma nova fase no desenvolvimento dessa sensibilidade
europeia de que o gótico foi o triunfo inicial e no século XIX
viria a ser o ponto mais elevado por ela atingido. Esta
mudança de rumo tem o significado de um rompimento com
o passado, muito mais radical do que se deu no Iluminismo,
o qual, efetivamente, representa apenas a continuidade e a
consumação de uma evolução que vinha a produzir-se
desde o fim da Idade Média. O critério de mero gosto falha
perante um fenômeno como o início desta nova cultura
emocional, que conduz a um conceito inteiramente novo de
poesia”. (HAUSER, A. História da literatura e da arte. São
Paulo: Mestre Jou, 1982). 259-260
NOVAS CORRENTES
[Antagonismos e sociedade industrial]
O que sucede com o pré-modernismo? Durante séculos nos
grandes centros culturais da civilização ocidental
predominou uma tendência ideológica dando certa
identidade às produções sociais e culturais. Todavia, no
século XIX, o que se registra é a tensão entre posições
antagônicas. Há no meio cultural uma busca de novas
identidades e soluções estéticas solicitadas pela nova
sociedade industrial. 261
[Revolução industrial, avanço científico e cientificismo
versus Romantismo, valores da tradição, emoções e
natureza]
De certo modo se sobressai a linha cientificista, em tantos
campos do saber, impulsionado pelo avanço do método
científico e pelas solicitações da revolução industrial. Ele vai
entrar em choque no campo da cultura com o Romantismo,
que se manifesta como uma corrente irracionalista, de
tendência subjetivista, que visa retornar à natureza, ao
panteísmo e ao exotismo. O romantismo se desenvolveu
entre fins do século XVIII e meados do século XIX, segundo
os críticos, romantismo mais do que romantismo, foi uma
postura que assumiu feições muito singulares, em cada
país, mas se caracterizou como uma reação ao classicismo
racionalista. Para o escritor Paul Valéry, isso não é verdade
porque, ao seu ver, o classicismo é um romantismo
“domado” porque “todo classicismo supõe um romantismo
anterior”. 262
[Avanço técnico na ciência – Arte se volta para a
tradição (Neoclassicismo)]
Nesse mundo cultural onde vai predominar o clima da
racionalidade próprio ao desenvolvimento e domínio das
ciências, as artes buscam a ordem e se voltam para as
raízes, para a antiguidade greco-romana e para o conceito
de belo ideal, obtido pelas regras de composição.
[Neoclássico] É uma reação às últimas formas excessivas
e fatigantes do barroco e do rococó, reação moral e
intelectual contra a sociedade aristocrática à qual eles
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
estavam ligados. Consequência do Neoclassicismo que,
como movimento artístico (aproximadamente fim do século
XVIII, o período de 1760 a 1830), visivelmente marcado
pelas transformações políticas, morais, culturais, pela
filosofia das luzes da razão, e pela redescoberta da
antiguidade romana, por força do trabalho da arqueologia,
como os estudos de Winckelmann. De certa forma, persiste
a volta ao passado e repulsa à tendência ornamental. A
admiração votada à Roma e a força do símbolo concedia às
formas oriundas da arte antiga estão submetidas num
conhecimento da antiguidade bem mais completo do que
havia condicionado o classicismo dos séculos XVI e XVII. O
estudo do Monte Paltino (1720) e a Vila Adriana, as
escavações de Herculado e do Foro Romano, enfim, dos
monumentos da própria Grécia. 262
[Irracionalismo e Racionalismo = Naturalismo]
Na guerra entre o irracionalismo e o racionalismo, se impõe
os naturalistas, Lamarck e Darwin, apresentando o homem
como animal evoluído, embora racional. [...] 262
[Karl Marx]
[...] Com esta mentalidade científica aparece no cenário Karl
Marx (1818-1883). Aquele que fala do homem, animal
social, alienado, rico ou pobre, por força da luta de classes
e sua exploração. Aquele que não consegue sair da prisão
porque vive num mundo cultural cimentado numa farsa onde
o poder estabelecido tem inúmeros tentáculos ideológicos
como a arte, a religião, a filosofia e o direito. Elas têm a
função ideológica enquanto constituem a manifestação da
boa consciência nas estruturas culturais, sociais e políticas.
Pregam valores e escondem o lado falso e corrompido da
sociedade. Mas Marx reconheceu a autonomia da arte como
produção de algo que obedece às leis da sua própria
criação, alcançando o que é comum aos homens, de
qualquer época. Admite ainda que as tragédias gregas
comovem esteticamente e denunciam a tirania. 262-263
[Pensadores do século XIX]
O século XIX ficou marcado por pensadores como Hegel,
Marx, Nietzsche e Comte, de linhas tão adversas, mas
todos atentos à história da humanidade e sequiosos por
mudanças sociais, radicais. Na arte, embora o clima seja da
volta aos recursos clássicos, todavia, vai abrindo novos
movimentos pregando a liberdade de expressão em pleno
clima ascensional do capitalismo. 263
[Artistas do século XIX/ Rompimento com o
Naturalismo]
Nesse embate, as novas correntes vão se insurgindo contra
as normas vigentes, profusão de correntes artísticas
acentuadamente dinâmicas chegam, muitas vezes, a negar
à estética o estatuto de ciência e meio de conhecimento da
arte. De qualquer modo, começa a efervescência da
revolução estética, à medida que a finalidade da arte deixa
de ser representar o mundo natural. Caem as funções
morais, pedagógicas, sociais e religiosas que tanto
limitaram a criatividade. A arte descobre o sentido da sua
própria linguagem, ela não tem outra finalidade senão ser
ela mesma, como faze ver as novas correntes como
Impressionismo, Manet; Ex. Expressionismo, Van Gogh;
Cubismo, Picasso. 263
[Fim do Naturalismo]
Diante das grandes conquistas científico/tecnológicas
provocadas pela revolução industrial, os artistas agem com
ar de perplexidade, mostrando nas telas um mundo novo.
Onde estavam que não chegavam a ver a desafiante arte
africana, a transparente pintura japonesa? Como fazer arte
de imitação, diante das conquistas da fotografia e novas
técnicas litográficas? Tantas causas fazem com que os
Pág. 26
CURSO DE ESTÉTICA
sinais do Naturalismo, preponderante em tantos séculos de
arte, se desmantelem. Visivelmente se desfaleceram na
pintura europeia no final do século XIX. Caiu a ilusão
mimética de mostrar a configuração do mundo real através
de transposições artificiais. 264
[Arte Anti-Estética e Anti-Técnica]
Com a revolução industrial, a intensificação da vida urbana
e tecnológica faz a concepção de arte ser modificada por
força da própria tecnologia. E a definição clássica para
muitos não tem mais sentido. Mas a ruptura entre arte e
realidade se dará com força no século XX. De qualquer
modo, o que já se registra é um certo menosprezo à
materialidade da arte, ao tema, ao assunto e arte pode ser
pura invenção sem nada precisar de técnicas e suportes.
265
FORMAS DE ARTE
ARTE-NEOCLÁSSICA
Volta ao racionalismo e ao modelo greco-romano. Ex.: Arco
do Triunfo. 265
[...] O Neoclassicismo se caracteriza pela volta aos
parâmetros da arte clássica. A pintura e a escultura
adquirem feição acadêmica, com seus parâmetros de
ordem, medida e harmonia. [...] Chegam à medida da arte
universal que sendo livre, aberta e consciente, não está
presa a leis de uma corrente ou academia. 266
ARTE ROMÂNTICA
[Definição e Exemplos]
Arte de cunho subjetivista que se caracteriza pela liberação
do eu e do gosto estético. Ex.: romance, Victor Hugo;
pintura, Delacroix. 266
[Objetivos]
O que pretende o romantismo é destacar a força dos
sentimentos e da imaginação, abafados pelos padrões
racionalistas da arte e da vida. O artista não é o homem
inspirado pelos deuses, mas um ser dotado de
originalidade, genialidade, grande sensibilidade. Mas
somente livre dos padrões tradicionais, cria seu próprio
estilo. A filosofia do romantismo prega o individualismo, o
culto da autoconsciência, a exaltação do eu e a libertação
mental das regras e os romances descrevem o herói fatal, o
herói rebelde, o herói doentio. 266-267
[Romance]
[...] O romance se torna o gênero literário por excelência
produzindo obras de grande valor marcadas por
observações psicológicas e históricas. Os personagens
deixam de ser vistos como grandes heróis e são reduzidos
à medida do humano. 267
[Naturalismo]
Como arte expressiva, o romantismo nega que o importante
na obra seja a transparência da realidade, mas aquilo que
move a execução, isto é o sentimento do artista. A
expressão passa para o primeiro plano, revelando que o
homem já não é mais submissão autoridade dos deuses ou
da igreja, mas sujeito da história, embora visto de modo
idealizado. Dá mais ênfase à vida interior do artista,
imaginação, inspiração, que o fazer técnico e a verdade do
conhecimento testificam, muitas vezes, em algum plano.
Cai no perigo de exaltar a confissão como forma expressiva,
que algumas vezes não passa de mera catarse, alívio e
purificação mental. 267
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
[Decadência do Romantismo]
No século XIX, o romantismo vai entrar em choque com o
cientificismo que alimenta os ideais e valores culturais
eminentemente lógicos, pragmáticos, com grande força no
capitalismo. 268
ARTE REALISTA
[Definição]
Arte que dá preferência ao real em relação ao ideal, o
presente ao passado, cenas locais às distantes. Pintura de
Corot. 268
[Literatura]
A nova arte realista sucede ao estilo romântico por força do
vigor das ciências, da aparição da maquinara, da formação
da indústria. Temos como exemplo a torre Eiffel que, em
1889, se impôs junto a edifícios e palácios de estilos
ecléticos. O artista não tem compromissos com a natureza,
com a vida, nem pretendem retratar a realidade em
detalhes, muito menos pretendem captar os fatos da vida
social. Tem grande influência no meio o clima pessimista
dos romances de Stendhal, Balzac, Zola, Flaubert, Dickens,
Tolstói, Dostoievski. 268-269
ARTE IMPRESSIONISTA
[Pintura]
A arte que estabelece alguns princípios básicos: a cor não
é qualidade permanente na natureza a linha não existe na
natureza, mas sombras são cores e luzes de outras
tonalidades. Na Inglaterra, Turner e na França, Manet,
Degas, Renoir. 269
[Novidade Impressionista]
[...] O Impressionismo, como nova corrente, força um estilo
de arte que vai marcar a pesquisa moderna dos valores
plásticos da arte. Os artistas se fundamentam nas verdades
científicas que expressam a transitoriedade e as mudanças
que ocorrem no mundo físico. Para melhor captar a
luminosidade e a realidade como fugidia, os artistas
abandonam os ateliês fechados, pintam ao ar livre, en plein
air. Fazem implicação dos reflexos luminosos ou dos
contrastes das cores baseados na lei das complementares
e a dissociação das tonalidades ou a mistura ótica das
cores. 269-270
ARTE EXPRESSIONISTA
Arte que exagera o real, acentua o movimento e ritmo das
formas. A perspectiva está ausente na composição, quer
figurativa ou paisagística; a obra que expressar um caráter
extremamente tenso de emoções humanas. Na Holanda,
Van Gogh e no Brasil, Portinari.
Os artistas do expressionismo, em oposição ao
termo impressionismo ou ao ilusionismo que de certo modo
vigora desde a renascença, negam a primazia do objeto
como fonte do processo de criação. O mundo é interpretado
através de sentimentos e de sensações. Como resultado, a
deformação da imagem e a exacerbação da cor. 270-271
FILOSOFIA DA ARTE (ESTÉTICA DA CONTRADIÇÃO)
[Contexto filosófico e Hegel]
A Filosofia da arte que vivia em estado latente, durante
séculos, parece acordar para novas condições de
possibilidade de se organizar como saber ou mesmo de ter
vez no mundo cultural. Não encontramos até então livros de
filosofia voltados exclusivamente para a estética, a não ser
alguns textos dos filósofos do século XVIII. [HEGEL] É com
Hegel que se dá uma reviravolta. Sem dúvida, Hegel vai
Pág. 27
CURSO DE ESTÉTICA
polemizar o meio intelectual ao escrever sua Estética, em
quatro volumes, procurando esclarecer o sentido da arte, da
beleza e da história da arte à luz de seu fio condutor que é
a Razão Absoluta. Ainda mais ao preconizar a morte da
arte, superada por outras formas espirituais. 272
[Nietzsche e a crítica à cultura Ocidental]
Nietzsche, como crítico dos rumos da civilização ocidental,
se volta para as questões da arte, principalmente da música.
Considera que a diretriz racional apagou a força da arte
trágica dos gregos, modelo de arte que transfigura e dá
sentido à vida. Como revolucionário da liberdade se insurge
contra o poder da razão, levanta a bandeira do
irracionalismo, do niilismo. 272
[Auguste Comte]
Ao mesmo tempo, novas correntes herdeiras do iluminismo
vão ganhando terreno como o positivismo de Auguste
Comte e seus discípulos falam de progresso,
desenvolvimento social e a promessa de felicidade. De tal
modo que no final do século XIX, o jogo dos contrastes no
campo das interpretações do mundo e da arte se acirra. [...]
273
[Taine / Naturalismo / Historiografia]
[...] Taine (1828-1893), seguindo os estudos positivistas de
A. Comte emprega um método naturalista que vai
estabelecer as condições sociais da arte a partir de sua
teoria sobre a sociedade humana constituído de três fatores
determinantes, meio físico, raça e tempo. Assim a arte é
vista como expressão da cultura de um povo num
determinado momento histórico, com suas qualidades
étnicas, psíquicas e sua história. A arte mostra e junta os
aspectos mais significativos das fases da evolução da
humanidade. A posição tainiana exclui as tensões
subjetivas como determinantes nas relações sociais e na
produção das obras de arte. Mas formou discípulos que
seguindo o positivismo foram elaborando a estética
científica, bem como no clima da revolução industrial que
estimulava as ciências experimentais. 273
[Wundt e Fechner – A Estética experimental]
[...] Wundt e Fechner seguindo o método experimental no
campo da percepção estética fazem experimentos com
resultados matemáticos O primeiro fundou o primeiro
laboratório em Leipzig, em 1878, antevendo a estética como
ciência da arte por vias experimentais, como implantou E.
Soriau. 273
[Arte Modernista]
Para os artistas modernistas, não há mais como manter as
artes como imitativas de uma realidade perfeita. E na
reviravolta, se dá a transformação na concepção de
mimesis, não mais entendida como imitação da natureza,
mas criação de nova ordem, diferente do mundo natural e
cotidiano, a realidade ímpar da obra de arte, impregnada de
novos mundos e valores. Esta concepção que rompe com
toda uma estética dogmática não consegue se impor no
meio cultural de imediato. 275
FILOSOFIA DA ARTE
O PANLOGISMO DE HEGEL (1770-1831) Stuttgart
[Real Racional]
Para o pensador, tudo pode ser explicado através do
princípio absoluto que é a Razão, motor do processo real e
ideal. O real é racional e o racional é real. Em estética
defende a beleza como mera aparência do ideal da Razão
e a arte é vista como manifestação sensível de sua verdade
absoluta. 275
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
[Kant e Hegel]
Hegel, bastante influenciado por Kant e pelo empirismo
inglês, notabilizou-se como esteta pelo estudo histórico que
fez no campo das artes, informando-se como um
enciclopedista, a respeito de todas as produções antigas e
atuais que pode ter acesso. 275
[Fenomenologia do Espírito e Estética]
Sua obra principal onde expõe a doutrina eminentemente
racionalista e dialética é a Fenomenologia do espírito. Mas
fascinado pelo jogo da relação arte e espírito, ele deu
atenção à filosofia da arte escreveu o livro Estética: esta
obra é dedicada à Estética, quer dizer à filosofia, à ciência
do belo e mais precisamente ao belo artístico, pois dela se
exclui o belo natural. 275-276
[Estética]
O ponto de partida da ciência estética é o seu objeto de
estudo: a obra de arte e a beleza. 276
[Arte como expressão dos valores de um povo]
Por isso, uma única representação, começando por
encontrar perante nós: a de que há obras de arte. Isto é: a
obra de arte enquanto existente, situada, datada, visível,
existindo historicamente, manifestando a cultura de um
povo – seus valores éticos, religiosos, sociais (Geistwolks).
276
[Arte como objetivação da Ideia / Morte da Arte]
Analisar a arte como objetivação da Ideia, manifestando
sensivelmente a Verdade absoluta no processo do mundo,
representando o Espírito onde transparece a beleza, “a
emanação da ideia absoluta”, cuja expressão máxima é a
arte grega, clássica. Ela ultrapassou pela forma perfeita, a
arte simbólica oriental e foi substituída pelo romantismo.
Todavia, devido a sua dimensão sensível a arte será
superada pela religião e deverá ser substituída pela filosofia
enquanto forma mais perfeita de manifestação da verdade
universal. Deste modo, a arte não tem mais razão de ser, e
ele profetiza a morte da arte à medida em que esta está em
agonia. 276-277
[História da Arte como expressão histórica sensível da
Ideia]
Para Hegel, a ciência estética se encontra no campo do
saber universal, mas a arte não é uma ilusão, é uma
realidade. Busca fundamentos absolutos comprovados no
processo da história a fim de explicar a verdade dos
conceitos da arte e beleza sua natureza, problemas,
funções e finalidades. 277
[Impossibilidade da filosofia estética frente a
diversidade do Belo (Varia de acordo com o período da
história)]
Nos preâmbulos da ciência estética, ele pontua que há
grandes objeções à Estética como filosofia da arte, em
primeiro lugar devido a uma grande infinidade de variações
do que se chama belo; há muitas projeções imagísticas do
que ele possa ser. E pesa a fluidez da aparência, algo é, e
deixa de ser. 277
[Arte, Religião, Filosofia e Absoluto]
A arte como expressão do pensamento não pode ser vista
isoladamente, mas no mesmo plano da religião e da
filosofia, consideradas esferas mais elevadas do espírito
absoluto. Nesse nível, o Espírito na arte toma consciência
de si, torna-se a idealidade do real, da imanência da razão
presente em todas as coisas. 278
Pág. 28
CURSO DE ESTÉTICA
O NIILISMO DE NIETZSCHE (1844-1900), Rocken
[Crítica]
Critica a decadência da civilização ocidental, descrê seu
futuro glorioso, mas defende a redenção da vida pela arte,
tendo por modelo, a arte trágica dos gregos. 278
Nietzsche como pensador eminentemente crítico,
em suas obras, escritas em linguagem poética, faz uma
dura análise da civilização ocidental. E mostra que ela, ao
se pautar na razão científica, foi abafando o sentido da vida,
a dor, a paixão e hoje os seus valores estão em ruína. Mas
os valores afirmativos da vida foram bem representados na
arte trágica pelos grandes dramaturgos gregos. Arte que
conseguiu dar sentido à vida por mascarar belamente o
antagônico jogo de duas forças instintivas, naturais e
humanas, Apolo (deus da beleza e medida) e Dionísio (deus
da volúpia e paixão). 278
[Ideais]
Afinal, a única maneira de superar a vida dominada pela
vontade de verdade, característica da ciência, seria pela
arte – uma forma de criação baseada na arte trágica dos
gregos. O que sucedeu no pensamento ocidental foi
exatamente a ruptura entre as duas forças, as da razão e as
da paixão. A história aponta que por determinação de
Sócrates e seus discípulos, em nome da razão, em nome
do bem e da verdade absoluta, traçaram um caminho
racional para a moral, expurgando os instintos, dissolvendo
os mitos, matando o próprio sentido da arte que harmoniza
as duas forças. Criando o seu próprio método de persuasão
de Sócrates, leva seus discípulos a agir racionalmente, de
acordo com princípios universais, reprimindo suas paixões
e profundas necessidades. O que tem sentido para
Sócrates é a justiça em si, o conceito universal que
expressa a virtude em si, dando a medida do
comportamento humano. Não importa se Antígona, na
tragédia grega, está em conflito entre a ordem do rei e o
amor fraternal, obedecer ao rei e não enterrar o corpo do
irmão. O que importa é a justiça em si. 278-279
[Moral]
Nietzsche propõe uma nova moral, aquela capaz de fazer
o homem recuperar os instintos vitais do homem,
ultrapassar a domesticação a que foi submetido e alcançar
a sua verdade essencial: a vontade de poder. Aliás, propõe
o além da moral à medida que inverte e transvalora todos
os valores, mantendo somente aquele que traz as potências
da vida. 279
[Além do homem]
O que é o homem livre senão uma ponte para o novo
homem, o Super homem? Aquele que é vontade de vida e
energia, acima do bem e do mal, não atende “aos
preconceitos das pessoas”, nem está à mercê dos débeis
de espírito. Vive a cada dia com mais força e amor. Exalta
a criatividade enquanto afirmação da vida terrena, que é
eterna, deste modo nele a vontade de poder atinge o mais
alto grau no processo do eterno retorno. “Devemos amar a
vida de forma a querer voltar a vive-la por que efetivamente
tudo volta a repetir-se eternamente”. 279-280
[Zaratustra e as mutações do espírito]
Na obra “Assim falou Zaratustra” expõe três metamorfoses
do espírito mostrando como é possível superar as fases
decadentes da vida. Fala do modo como o homem se
transforma em camelo, o camelo se converte em leão e o
leão se transforma em criança. Quem é o camelo senão o
que se ajoelhe e recebe a carga, obedece cegamente às
obrigações sociais? E o leão, o grande negador, simboliza
o niilista, recusa os valores tradicionais que faz do homem
um animal aprisionado. Mas o leão tem necessidade de se
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
transformar em criança, superar a sua autossuficiência,
para viver alegre e criativamente, livre de preconceitos e de
juízo. 280
[Afirmação da vida]
O homem superior ou super-homem é aquele que se afirma
no devir da vida, sem criar subterfúgios. É suficiente forte
para enfrentar revezes, dores, angustias, dominando e se
beneficiando com a imagem trágica do mundo. 280
PROBLEMAS ESTÉTICOS
A BELEZA E O IDEAL
(Em que sentido a beleza equivale a própria verdade?)
HEGEL
[Forma e conteúdo]
Na obra de arte se dá a perfeita relação entre ideia
(conteúdo da arte) e a forma (configuração sensível e
imaginativa). E a beleza é manifestação sensível da ideia.
280-281
[Arte: forma cujo conteúdo é o Belo]
A obra de arte como produto de forma e conteúdo
considerados inseparáveis revela que a forma é a
expressão acabada do conteúdo, e a arte é o resultado de
uma configuração onde o conteúdo se dá à luz da própria
forma. Nesse sentido, a obra de arte é matéria formada,
conformada. O conteúdo da arte é a ideia realizada no
mundo exterior de modo belo. 281
[Arte: a forma pode ser somente simbólica]
Ela não é nem imitação nem negação, mas concretização
da ideia na forma (universal concreto) Mas a arte por estar
limitada a um conteúdo estreito, e recorrer à imaginação, a
símbolos e metáforas e tantas imagens ela não tem poder
de revelar plenamente a verdade absoluta. 281
A representação sensível na Arte
“O conteúdo da arte é constituído pela ideia representada
sob forma concreta e sensível (sinnliche bildliche
Gestaltung). A arte deve conciliar, formando uma totalidade
livre estes dois lados: a ideia e sua representação sensível.
A primeira determinação que aqui se inclui é a exigência de
que o conteúdo, que deve exprimir, se preste à
apresentação artística. Pois, sem tal condição, tem-se uma
má associação, quer aceitando forma concreta exterior para
conteúdo impróprio, quer encontrando para matéria de
natureza prosaica forma certamente oposta ao modo
adequado de sua manifestação. 281
Daí deriva uma segunda condição: o conteúdo da
arte não deve exigir nada de abstrato em si mesmo, nem
também ser apenas sensível e concreto – por oposição a
tudo o que participa do espírito e do pensamento, como algo
abstrato e simples em si. Porque tudo o que é verdadeiro,
tanto do espírito quanto da natureza, é concreto e tem
universalidade, apesar da subjetividade e particularidade
em si. A dizermos por exemplo, que Deus é simplesmente
Um, o Ser supremo como tal, enunciamos somente uma
abstração morta, produto do entendimento irracional.
Semelhante Deus, pelo fato de não ser concebido na sua
verdade concreta, não oferecerá à arte, sobretudo à arte
plástica, nenhum conteúdo. Eis porque os judeus e turcos,
cujo Deus não passa de uma abstração do entendimento,
jamais o puderam representar na arte de modo positivo
como pessoa, como os cristãos. Pois no cristianismo, Deus
é em sua verdade e por isso mesmo concreto, como
pessoa, como sujeito, e representado, na sua determinação
próxima, como espírito. [...] E como um conteúdo, para ser
Pág. 29
CURSO DE ESTÉTICA
sobretudo verdadeiro, deve ser concreto, também se
reclama da arte igual concretude porque o universal
abstrato em si mesmo não possui determinações para
expandir-se em particularidades e manifestações e em sua
própria unidade. 281-282
Para que uma forma ou figura sensível
corresponda ao conteúdo verdadeiro e, portanto, concreto,
é preciso uma terceira condição: que esta figura ou forma
seja igualmente individual e plenamente concreta e única.
Pois, na verdade: o concreto que advém dos dois aspectos
da arte, do conteúdo e da representação (Darstellung) é
precisamente o ponto em que ambos podem confluir e
corresponder-se como, por exemplo, a forma natural do
corpo humano é um concreto sensível capaz de representar
o espírito concreto e revelar-se em consonância. [...] 282
[...] Graças a isso, esse concreto sensível, no qual
se exprime a essência do conteúdo espiritual (geistiger
Gehalt), fala também essencialmente para o íntimo; e a
exterioridade da forma, pela qual o conteúdo se revela e se
representa, não tem senão, o fim de despertar ressonância
em nosso sentimento e nosso espírito. Só por causa desse
fundamento, interpenetram-se conteúdo e realização
artística. O que é apenas concreto e sensível, à natureza
exterior como tal não existe unicamente à vista desse fim. A
plumagem variada e colorida dos pássaros brilha mesmo
quando não vista, seu canto ressoa, mesmo não escutando;
há flores que vivem apenas o espaço de uma noite e
estiolam-se sem terem sido admiradas, nas florestas
virgens do sul; e estas selvas investidas das mais belas e
luxiriantes vegetações, de aromas capitosos e flagrantes;
perecem e por vezes desaparecem sem jamais terem sido
conhecidas”. (HEGEL. Estética. São Paulo: Abril Cultural,
1974). 283
[TRÊS PERÍODOS: SIMBOLISMO, CLASSICISMO,
ROMANTISMO]
Os três grandes momentos da arte: Simbolismo,
Classicismo, Romantismo
[História da Arte e da Cultura - Concepções de Mundo]
Na obra “Estética”, Hegel analisa o sentido da arte à luz dos
seus momentos essenciais que coincidem com os
momentos históricos significativos. Procura unir história d
arte e história da cultura através das formas de concepções
de mundo (Weltanschauung) que têm seu próprio ciclo de
vida. Refere-se a três típicas visões de mundo onde a Ideia
passa por três fases de desenvolvimento que se manifestam
nas três modalidades de expressões artísticas
particularizadas em diferentes artes. 283-284
[Três Períodos de Hegel: Simbolismo, Classicismo e
Romantismo]
Analisa os três momentos fundamentais da história da arte:
Simbolismo, Classicismo, Romantismo. [SIMBOLISMO] Na
arte simbólica, arte oriental com predomínio da arquitetura,
na qual há apenas um esboço de representação do divino,
a ideia-forma não domina a matéria. [CLASSICISMO] Na
arte clássica, arte grega, destaca-se a escultura e a ideia-
forma consegue dominar a matéria e nela transparece
haromonia entre natureza e espírito, relacionando o
humano e o divino, exprimindo o universal no singular
através da forma sensível. Assim a arte clássica é
considerada mais perfeita porque nela forma e conteúdo se
equilibram belamente. [ROMÂNTICA] E a romântica,
moderna, surgida inicialmente na pintura, em seguida com
mais força na música e, finalmente, na poesia – vista como
síntese de todas as artes. Na arte romântica, a liberdade
espiritual faz o artista buscar a realidade dentro de si
mesmo, nesse sentido a beleza se interioriza na junção
matéria/forma. Quanto mais a forma for universal mais
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
esplendorosa será, de tal modo que a beleza constitui a
aparição sensível da ideia plena de beleza, como na arte
grega. 284
ARTE SIMBÓLICA
“A primeira forma de arte é, portanto, a simples busca de
imaginificação (tornar imagem) como uma aptidão de
representação verdadeira; a ideia não encontrou ainda, em
si mesma, a forma; fica assim somente a expressão vaga
de tendência. Geralmente, tal forma artística pode chamar-
se simbólica. A ideia abstrata apropria-se, na arte simbólica,
de formas naturais sensíveis, que não lhe são adaptadas.
Esta apropriação de forma inadequada tem todas as
aparências de violência: para que a forma seja apropriada a
uma ideia, que não se lhe ajusta, é preciso que a forma seja
amolgada e triturada (caráter do panteísmo artístico do
Oriente).” 284
ARTE CLÁSSICA
“Na segunda forma de arte, que desejamos caracterizar
aqui como clássica, é abolido o duplo efeito da arte
simbólica A forma simbólica é imperfeita porque, de um
lado, a ideia entra na consciência somente como
determinação abstrata ou indeterminação, e, de outro lado,
a congruência entre “sentido” e “forma” deve permanecer
sempre defectiva e portanto abstrata. Essa dupla falha
desaparece na arte clássica, onde se depara a livre e
adequada assimilação da ideia e da forma, que é
congruente ao seu próprio conceito. Daí resulta o perfeito
acordo entre sentido e expressão. Destarte, a arte clássica
dá-nos a primeira criação e intuição do ideal completo,
apresenta-o como realidade. (...) O corpo humano, na forma
em que se apresenta na arte clássica, não é simplesmente
representado em sua mera existência sensível, mas
também como existência e forma natural do espírito deve,
portanto, ser despido de todas as exigências peculiares
sensível e à finitude contingente da aparência.” 284-285
ARTE ROMÂNTICA
“A forma romântica da arte é a unidade perfeita da ideia e
da sua realidade, em mais alto nível, para a diferença e
oposição dos dois, que a arte simbólica deixara sem
conciliação. A forma clássica de arte avançara o mais alto
grau de perfeição de que era capaz o processo de
realização da expressão sensível; e se mostra alguns
defeitos, derivam eles da própria arte, em virtude da
limitação de sua esfera artística (...) Daí a indiferença, a
inadequação, o divórcio entre a ideia e a forma, como na
arte simbólica – que reaparece no tipo romântico, embora
com essa diferença essencial: na realidade romântica, o
espírito, cujas lacunas resultavam das formas insuficientes
da arte simbólica, revela-se agora mais perfeita dentro do
espírito e do sentimento, de cujo fundamento extrai a mais
alta perfeição de adequada união com as formas exteriores
de adequada união com as formas exteriores, podendo
buscar e atingir em si mesma apenas verdadeira realidade
sua manifestação.” (HEGEL. Estética, a ideia e o ideal. São
Paulo: Abril Cultural, 1974).
NIILISMO DE NIETZSCHE
A BELEZA E A APARÊNCIA
(Por que a beleza como aparência da obra de arte tem
mais sentido que a verdade?)
[Dionisíaco e Sócrates]
Nietzsche na obra “Sobre o nascimento da tragédia no
espírito da música” apresenta as linhas iniciais da sua
Pág. 30
CURSO DE ESTÉTICA
estética. Confessa que nesse livro há duas inovações
decisivas, primeiro o entendimento do fenômeno Dionísio
entre os gregos a revelar a psicologia e arte deste povo. E
a denúncia do papel do Socratismo, enquanto corrente de
pensamento que acentua o valor da lógica formal,
desprestigiando o vigor dos instintos. 286
[Grécia Dionísio e Apolo]
[...] Na criação da mitologia e das tragédias instauradas em
linguagem poética, o povo grego faz da arte uma forma
capaz de harmonizar as formas do homem: apolínea
(medida-razão) e dionisíaca (transbordamento-paixão). 286
O NASCIMENTO DA TRAGÉDIA NO ESPÍRITO DA
MÚSICA
ASSIM FALOU ZARATUSTRA
[...] Os que amam foram sempre, e os que criam, os que
criaram bem e mal. Fogo do amor arte nos nomes de todas
as virtudes, e fogo a ira. 288
CAPÍTULO 7 – IDADE CONTEMPORÂNEA
Período: Século XX e XXI
Regime Social e Econômico: Revolução tecnológica,
rompimento com a tradição
Formas de Arte: Arte modernista, Fauvismo, Cubismo,
Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo, Abstracionismo, Neo-
construtivismo, Bauhaus, Concretismo, Arte conceitual, Arte
cinética, Pop-art, Minimalismo, Arte cibernética, Happening
e Arte pós-moderna.
Filosofia da Arte: Pluralismo estético, várias correntes em
choque
Problemas Estéticos: a obra de arte e a beleza, a origem
da obra de arte.
[Gerd Bornheim]
(...) No passado, a arte vivia de respostas. E, eu completo
que havia uma resposta em cada período. Hoje, ela vive do
problema e existem milhares de problemas no nosso tempo.
Quer dizer que há essa fantástica diversidade essa riqueza
enorme de arte e se quer sempre um problema. [...] Quer
dizer, essa criatividade quase que não tem limites. Ela é a
experiência originária da arte do nosso tempo, a ausência
total de norma... Então aquele problema que se refere
Hegel está longe de ser a morte da arte. É claro que em
função desse excesso, a partir desse excesso, pode haver
desmedidas de toda ordem. Mas muitas vezes, como diz
Duchamps, a desmedida mesmo é uma espécie de
interesse fatal para a evolução da arte. Quer dizer que, de
fato, a morte não se verifica, o que se verifica é essa
perplexidade que deriva de um excesso de riqueza, que
deriva todo ele, não mais de uma resposta pré-dada, mas
da criatividade da condição humana. (BORNHEIM, GERD.
“Hegel e a morte da arte”. In: a morte da arte. Rio de Janeiro:
UERJ, 1995). 289-290
DA MODERNIDADE À PÓS-MODERNIDADE
[Contexto]
O que caracteriza o século XX é a tensão que se dá no jogo
da multiplicidade de correntes artísticas e de interpretações
estéticas. E o choque do modernismo com suas rupturas e
a pós-modernidade com seus retrocessos e novidades.
Ainda não temos distanciamento para caracterizar o pós-
modernismo, mas encontramos este movimento a partir da
década de 70 como crítica de acirrada ironia às saturadas
formas do modernismo. Nesse jogo: onde a verdade? O que
é a beleza? E arte morreu? A obra de arte foi bem
substituída pelo design? A razão de ser da arte, sendo o
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
conceito, não mais importa a habilidade técnica nem a
criação. 291
[Final do naturalismo]
Em clima de desmantelamentos e de sobras, o que ficou da
história da arte? A ruptura absoluta do modernismo com o
naturalismo parece ter significado, de fato, o corte com a
mimesis, enquanto imitação da realidade, afinal morreu a
figuração. 291
[Dadaísmo e surrealismo]
Aconteceu em 1914 a primeira grande guerra e, em 1916,
surgiu com garra e ímpeto de destruição, o Dadaísmo. Em
seguida, se afirma o Surrealismo, mais aberto à novas
concepções de homem e de mundo, colocando à prova a
Psicanálise. E num pulsar ininterrupto de experimentações
vão se alastrando novas correntes com surpreendentes
mostras e concepções de arte. 292
[Entrada no contemporâneo]
No início e no desenrolar do século, cada vanguarda luta
por inovação e ruptura com os cânones do passado. Numa
efervescência que revela as mudanças que se processam
no mundo cultural, às avessas. A arte morreu. Viva a arte.
Neste clima, muitas vezes, de desorientação, as
experiências estéticas e artísticas de grande intensidade
exigiram novas ordenações e descobertas e experimentos
até a náusea. E chegamos à década de 70 onde artistas e
filósofos denunciam e proclamam: afinal, o que vale? Nada
vale? Por que o passado tem de ser destruído? É verdade
que chegamos ao atual desgaste e saturação do moderno,
apesar dos processos de criação passarem pelo carimbo
tecnológico e virtual. Mas ingressamos no mundo pós-
moderno sem grande esperança e com “muita suspeita” do
que vem do moderno. 292
[Construção e desconstrução]
[...] O que passa um artista não é a paisagem, não é o
retrato, não é uma mancha, nem pontos, nem linhas, é um
trabalho inventivo, imagístico, que exige construção a partir
de uma desconstrução que apresenta sempre novas
possibilidades de criação. 293
[Cotidiano]
Se o artista do século passado ainda se volta para as cenas
mundo cotidiano e para noções como beleza e
expressividade, o que vai marcar o nosso século é a
desrealização, a desmaterialização, a desconstrução. 294
Escola de Frankfurt
No campo da filosofia há muitas interpretações do novo
mundo, movido pelos fios da tecnologia. Nenhum pensador
pode negar a sua força, nem Habermas, nem M. Foucault,
mas muitos criticam o lixo que a indústria cultural produz. A
escola de Frankfurt, com Adorno e Horkheimer, levantara
ao extremo essa crítica ao consumismo no campo da arte.
Embora da mesma escola, Marcuse prega à volta a
natureza como meio de romper com o nefasto princípio de
desempenho que cria necessidades supérfluas. 294
ARTE PÓS-MODERNA
[Ruptura com modernismo]
Arte pós-moderna começa com as obras de ruptura com o
modernismo e se abre às novas perspectivas criativas e
adere às formas antigas, através de um processo de
desconstrução, evitando ser um movimento de repetição.
294
Pág. 31
CURSO DE ESTÉTICA
[Caminhos da arte]
Hoje, a arte seguindo novos caminhos, parece só ter
importância para os artistas e seus fruidores. Apesar de
vivermos num sistema de globalização, onde tudo parece
se interligar – países, costumes, produtos, intercâmbios – o
que vemos é a arte ser notícia como grande exposição ou
peça valiosa no mercado. Embora persistam os artistas da
resistência e no bojo das vanguardas e do desenvolvimento
científico, estes sentem necessidade de inventar estranhas
técnicas e exaltam os novos recursos tecnológicos. Em
exposições aparecem exóticas instalações que não são de
imediato acolhidas pelo público leigo, embora muitas sejam
criadas para interagir com ele. Há um hiato entre as obras
de arte e o fruidor. 295
[Anti-técnica; anti-arte; anti-história da arte]
Muitos não veem necessidade de estudar nem técnicas
artísticas, nem estética. Fazem questão de desconhecer a
herança do passado e negam o valor de um saber filosófico
ou mesmo artístico. 296
FORMAS DE ARTE
ARTE MODERNA E PÓS-MODERNA
[ARTE MODERNISTA]
Arte Modernista: arte de vanguarda, ruptura com a arte do
passado. Prega absoluta independência dos tradicionais
estilos históricos; Art Nouveau e Modern Style. 297
[ARTE FAUVISTA]
Caracteriza-se pela exaltação e pelo uso de cores puras,
consideradas agressivas. Arte que se manifesta pelas cores
fortes e intensas que evocam um mundo fantástico. [...]
Segundo Matisse “é pela cor que eu existo”, a cor é a
alegria de viver. A eles se juntam Braque, Modigliani e
outros. 296
[ARTE CUBISTA]
Em Vez da visão figurativa do mundo propõe uma visão
abstratizada. O cubismo é o movimento que inicia a arte
moderna ao procurar representar e criar técnicas para
reduzir os objetos a formas geométricas, com predomínio
de linhas retas. Arte que se caracteriza por uma composição
bidimensional, cuja profundidade é conseguida pela
superposição dos planos no espaço. O resultado é o jogo
superposto de imagens. 296-297
[ARTE FUTURISTA]
Arte que visa mudanças radicais e força uma espécie de
anarquia artística.
O futurismo é o movimento que em artes rejeita a tradição e
as convenções. Surgiu com Marinetti, em Milão, como um
movimento radical que adota temas básicos da vida
moderna, velocidade, dinamismo. Os futuristas adeptos das
mudanças, entusiasmados por transportes, maquinaria, e
comunicações modernas, representam de certa forma, uma
reação ao cubismo. 297-298
[ARTE DADAÍSTA]
A arte Dadá foi uma reação ao tradicionalismo da arte
estabelecida.
O dadaísmo é o movimento que preconiza a volta
da arte a um primitivismo do tipo infantil. Surge em Zurich,
na Suíça em 1916, com adeptos em toda a Europa e mesmo
nos Estados Unidos. O próprio nome é provocador, sem
sentido. Seria dadá o incompreensível linguajar infantil?
Uma palavra apreendida ao acaso num dicionário? O que
caracteriza o bando de artistas, poetas, teatrólogos,
cineastas é a vontade de criar uma espécie de antiarte para
marcar a ruptura com a tradição. “Fora as normas estéticas
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
estabelecidas pela Razão!”. Surge como grito de protesto
contra uma civilização que se porta de modo hipócritas e
bárbara, uma reação ao desprezo pelos valores humanos
demonstrados na guerra mundial. 299
[ARTE SURREALISTA]
Arte que nega os valores da realidade e da natureza como
conteúdo da arte.
O surrealismo é o movimento que prega no campo
das artes um automatismo puro. A característica principal
deste novo estilo é a expressão plástica dadas às imagens
do subconsciente (influência da psicanálise). 300
[ARTE ABSTRATA]
A arte abstrata é a grande conquista no campo da pintura e
da escultura, e caracteriza por experimentalismos e
readymades.
O abstracionismo como movimento artístico
aponta qualidade ou propriedade do objeto, sem
representa-lo de forma definitiva. Um choque para os olhos
que buscam a figuração. A obra de arte visando criar com
total autonomia de qualquer forma determinada. Ex.:
Kandiski, Mondrian, Mathieu. 301
[...] O Abstracionismo recoloca a questão da
operação mimétca, principalmente, no campo das artes
plásticas. Trata-se de um movimento que, despreza a mera
cópia das formas naturais, e por fim criar formas puras, que
não imitem e nem dupliquem as naturais. [...] 302
[BAUHAUS]
Escola de artes, arquitetura e desenho industrial que tem
nova concepção de arte e de funcionalidade e pretende
eliminar a contradição arte e indústria. Fundador: Gropius.
302
[Objetivo da escola]
O objetivo da escola é integrar o homem à vida natural,
social e política através da arte. Combate “a arte pela arte”,
critica a arte decorativa como a arte nouveau. Estimula o
processo criativo que tem de ser experimentado mediante
materiais que possibilitem a descoberta das potências
criativas. Não pretende criar um estilo Bauhaus, mas indica
que a marca da obra de arte é aquela despojada de
ornamentos, bem feita e a serviço da produção em série.
303.
[VANGUARDISMOS]
Nas últimas décadas do século XX, e ainda de forma
persistente nesse século, surge uma enxurrada de novos
movimentos de vanguarda no afã de fazer experiências.
Cada um pretende inovar formas novas e se diferenciar das
anteriores. 303
[ARTE CINÉTICA]
Arte que se volta para o movimento e a luz, em busca de
efeito visual. Originária das técnicas de projeção
cinematográfica, deixa em destaque o movimento físico
num espaço em profundidade. Ex.: Alexandre Calder, obra
em movimento, móbiles de luz. 303
[POP ART]
Novo tipo de realismo que se utiliza de objetos banais,
formas de expressão publicitárias tópicos de histórias em
quadrinhos. De certo modo, ele se manifesta como um
protesto à ideologia do consumo, da sociedade capitalista.
303-304
[ARTE CIBERNÉTICA]
É aquela que usa os computadores na elaboração de obras
pictóricas, como as esculturas de N. Scheffer. 304
Pág. 32
CURSO DE ESTÉTICA
[COMPUTER GRAPHICS]
Aparecem em filmes animados ou desenhos feitos por
computadores. A cibernética, palavra grega empregada por
Platão na República, significa hoje, como nunca, a arte de
pilotar, dirigir e controlar o animal-homem mediante a
máquina. [...] 304
[OP-ART]
Considerada sinônimo de arte cinética tem por temática o
movimento visual como ilusão de óptica. [...] 304
[MINIMALISMO]
É a arte que tem o mínimo possível de elaboração formal,
procurando reduzir as formas aos elementos mais simples,
cubos, triângulos. Busca materiais já industrializados como
fibra de vidro e alumínio, destaca-se o artista Morris. 304-
305
[HAPPENING]
É a arte instantânea, do evento imediato, visando a
participação ativa do espectador. Passou a ser uma
constante nos centros culturais com espetáculo de arte,
música, poesia, dança e outros. 305
[KITSCH]
Como tendência artística é a busca do efeito pré-fabrcado,
em geral se caracteriza pelo mau-gosto. Choca por se achar
fora de medida, fora de época; exagero em cores, tons,
palavras, enfeites. Nasceu no mundo da contra-cultura
numa atitude que bem denuncia anti-arte. 305
[ARTE CONCEITUAL]
É aquela que o artista prega que a ideia de arte e arte são
a mesma coisa, “uma possibilidade significativa”, aberta ao
receptor. A obra não depende da construção, mas da ideia
significativa. 305
FILOSOFIA DA ARTE
O PLURALISMO ESTÉTICO
O que se processa no século XX? Uma certa perplexidade
que se manifesta num processo que espelha, de certo
modo, a indefinição da estética diante da morte da arte
clássica e da multiplicidade de correntes artísticas e de
teorias que se acham com o direito de enunciar o sentido do
belo e da arte, às avessas do tradicional. De tal maneira
que, no meio cultural, não se sabe mais a essência da arte
e da beleza e, muito menos, da estética. 305
[Wittgenstein]
A filosofia analítica de Wittgenstein pondera a
desnecessidade de definir a beleza. Analisa as palavras em
busca de semelhanças de família, mostrando que não há
propriedade comuns entre as artes tão díspares, portanto é
inútil tentar defini-las. 306
[Sartre e Heidegger]
Já a fenomenologia, na linha de Sartre e Heidegger,
embora tenham fundamentos diferentes, mostram o valor
da linguagem e da arte como meios do homem conseguir
viver livremente, com consciência no âmbito da finitude,
vencendo a queda no cotidiano de modo criativo,
enfrentando a verdade da morte. 306
[Escola de Frankfurt]
O grupo de Frankfurt, Adorno, Benjamin, Marcuse e
Habermas levaram adiante as questões estéticas
apontadas por K. Marx tais como: o valor da arte no tempo
histórico, a relação produção e criação, a participação da
massa na vida artística. Vão adiante, denunciando os
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
perigos da indústria cultural e analisando criticamente a
relação arte e sociedade, enquanto que a obra de arte é
vista como mercadoria vinculada ao lucro. 306
FILOSOFA DA ARTE
[W. BENJAMIN: FILOSOFIA CRÍTICA]
Filosofia Crítica de W. Benjamin (1892-1940) – Berlim
O jovem colaborador da Escola de Frankfurt investigou a
questão da linguagem e da obra de arte a partir do seu
interesse pela poesia, principalmente de Baudelaire e do
cinema. 308
[...] E, em suas obras, trata de temas instigantes
como a desintegração da “aura” da obra de arte, a pobreza
do narrador da história, estudo da obra de arte de um
Proust ou de um Kafka. 308
[M. HEIDEGGER: FILOSOFIA HERMENÊUTICA]
Filosofia Hermenêutica de Martin Heidegger (1889-1976),
Messkirch.
[Arte e Ser]
O pensador M. Heidegger no seu livro fundamental Ser e
tempo apresentou como questão central: rever a filosofia à
luz do esquecimento do ser dos entes, na história do
pensamento, que significou o esquecimento do sentido
essencial das coisas à medida que elas foram sendo
explicadas por conceitos abstratos, por conhecimentos
objetivos e por cálculos ou à luz de representações
subjetivas. 309
Para o pensador alemão, a estética não é um saber
disciplinar, mas uma dimensão ontológica presente ao ser
dos entes que possibilita desvelar o sentido da relação do
homem com o mundo. 309
[Arte e Liberdade]
Que relação existe entre a obra de arte e a essência da
liberdade? A liberdade é um comportamento indispensável
ao desvelamento do ente no mundo. Ela se dá num duplo
movimento, de abertura e de acolhimento ao ente na sua
rede reenvio, possibilitando assim que ele surja no horizonte
de ex-posição onde ele se revela. 310
Como aparece o ente, a coisa, um quadro, um
mito, um poema? A liberdade consiste num poder de
vontade eminentemente projetivo a lançar o homem para
fora de si mesmo, sempre em vista de, não tendo
fundamento fixo, é contínuo movimento de libertação
(transcendência) e produção (desvelamento). Ela se
caracteriza como liberdade para fundar sem se fundamentar
em nenhum poder transcendente, divino, mas somente
transcendência, em direção ao mundo. 310
[...] A liberdade é a razão do fundamento (o fundamento do
fundamento). 310
[Arte e Metafísica]
No livro “A origem da obra de arte” e em outras obras, fala
da destruição da estética como ciência comprometida com
a interpretação metafísica de beleza e arte. Assim não tem
razão de se colocar em pauta a questão de valor estético.
Mas isto significa que a beleza e a verdade deixaram de ter
vez? De fato deixaram de ser vistos como valores absolutos
segundo a linha dualista da filosofia tradicional que
estabelecia a ruptura entre o sujeito e o objeto, o espírito e
a natureza. Neste ângulo não estabeleciam os estetas a
relação do processo de criação ao sentido da obra, do
artista, do ser, e interpretavam a beleza como qualidade
imanente ao objeto tendo por garantia a verdade da
realidade divina, perfeita. 311
Pág. 33
CURSO DE ESTÉTICA
[Poesia]
Em “A origem da obra de arte” Heidegger apresenta a
Poesia como Dichtung, ação de fundamentar, diferente da
Poesia como gênero literário que nela se fundamenta.
Poesia como Dichtung é a poesia-raiz que, como forma de
pensar inaugural, ilumina o que está presente, oculto no
nível ordinário e nomeia-o ao lhe dar sentido e ele irrompe
de modo extraordinário, no esplendor da obra de arte. Seja
uma tragédia, um poema, uma canção, uma escultura.
Nesse enfoque, a Poesia não somente é a essência da
linguagem, mas de qualquer arte, porque sendo poder de
reunir, possibilita a instauração da unidade concreta da obra
de arte, onde se instala belamente a verdade do ser. 311-
312
PROBLEMAS ESTÉTICOS
OBRA DE ARTE E BELEZA
Que função tem a obra de arte hoje, se já não tem de criar
beleza na sua dimensão duradoura? 312
W. BENJAMIN
[Perda da Aura]
W. Benjamin, ao constatar que a arte perdeu a sua “aura”,
não faz apelas para que se volte a posições passadas,
apenas constata que estamos vivendo uma nova fase de
civilização tecnológica, fase em que o objeto real e artístico
são reproduzidos em série e como tal estão mais próximos
do povo que quando eram obras-primas exemplares
inacessíveis e únicas. 312
[O Valor da Arte sem a Aura]
Segundo este pensador, temos de entender as grandes
mudanças históricas para redefinir o sentido da obra de arte
que afinal perdeu a sua aura. Se da Grécia até o século XIX,
a obra de arte era considerada obra original, autêntica,
exemplar de única aparição, aparição única de uma
realidade longínqua, divina; hoje, na época das técnicas da
reprodução em série e do império da difusão das imagens,
a obra de arte não se impõe mais como obra que exige
contemplação, nem valor de culto. A obra de arte não se
esconde no véu divino, nem aponta o mistério das origens,
não parece ser mais fonte de inesgotável significado. O que
ela vale? Valor de uso? De troca? Valor do trabalho do
artista? Ele responde: o valor de exposição, de recreação,
acessível à massa. O cinema, a fotografia estão aí para
contestar definições passadas. 312
[W. BENJAMIN]
A OBRA DE ARTE NA ÉPOCA DA REPRODUTIBILIDADE
TÉCNICA
A obra de arte, por princípio, foi sempre suscetível de
reprodução. O que alguns homens fizeram podia ser refeito
por outros. [...] Com ela [isto é, a fotografia], pela primeira
vez, no tocante à reprodução de imagens, a mão encontrou-
se demitida das tarefas artísticas essenciais que, daí em
diante, foram reservadas ao olho fixo sobre a objetiva. [...]
No fim do século passado, atacava-se o problema pela
reprodução dos sons. Todos esses esforços convergentes
facultavam prever uma situação assim caracterizada por
Valéry: “Tal como água, o gás e a corrente elétrica vêm de
longe para as nossas casas, atender à nossa necessidade
por meio de um esforço quase nulo, assim seremos
alimentados de imagens visuais e auditivas, passíveis de
surgir e desaparecer ao menor gesto, quase que a um
sinal”. (BENJAMIN, Walter. “A obra de arte na época da sua
reprodutibilidade técnica”. In: Obras escolhidas. São Paulo:
Brasiliense, 1985). 313-314
Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020
(HUHNE, 2006)
HEIDEGGER
(Qual a origem da obra de arte?)
[Níveis de Realidade]
Procurando analisar a relação arte e realidade fala de três
níveis de realidade: coisa, útil e obra de arte. A simples
coisa carece de finalidade prática, o útil é o que está
disponível para o serviço. 315
[Obra de arte] Mas o que caracteriza a obra de
arte é um pôr-se em obra da verdade Tanto o objeto útil
quanto a obra são produções, mas a confecção do útil não
cria nenhuma obra, mas a produção da obra de arte cria,
“faz pro-vir o ente por sua aparência à presença”. A obra de
arte é uma criação no sentido que no seu processo de
produção faz algo vir à presença, processo que se dá numa
luta entre velamento e desvelamento. Ela se singulariza por
ser a produção de algo que não se repete, antes não era e
posteriormente nunca voltará a ser. [...] 315
[Instauração do Mundo]
Para Heidegger a obra de arte é sustentada por duas
estruturas fundamentais: pela materialidade e pelo sentido,
fazendo a terra vir à presença e instaurando um mundo. O
confronto acontece na obra de arte e os dois reunidos
permanecem, em jogo de cores, de formas e palavras. 315
[...] Segundo M Heidegger, na obra de arte a
verdade do ente se coloca em obra. Sem ela não se diria o
advento da verdade do mundo porque o mundo não é um
conjunto de coisas externas, mas é a forma instauradora de
inteligibilidade que possibilita que as coisas apareçam com
sentido. De tal modo que a obra de arte não espelha o real,
desvela-o na sua subsistência íntima, na sua presença em
repouso. 316
[Ocultamento e desocultamento]
Para Heidegger a essência da obra de arte é, portanto, o
pôr-se em obra da verdade. A obra é o modo como a
verdade fica presente como desocultamento. Para tornar
clara esta questão da verdade em obra, analisa as obras:
um par de botas de Van Gogh e um templo grego. 317
[Desocultamento e estar-aí]
Como desvelar a obra de arte senão surpreendendo-a no
seu estar-aí que significa no seu repouso revelando o jogo
das tensões e das inter-relações? Ao analisar o par de
votas, não fala da cópia do real porque não se trata de uma
fotografia a indicar o desgaste das botas, lançadas à terra.
No jogo de cores, onde predomina a cor escura, a obra
remete à tensão homem/terra, homem/mundo, a natureza e
a cultura, a tensão e o jogo espetacular da terra, céu,
imortais e mortais. A terra pisada espelha o labor e as
oferendas e a espera de alimentos dados pela terra. Em
outras palavras, um par de botas não mostra somente as
botas, mostra pela circularidade dos elementos, a situação
do camponês a trabalhar, a caminhar, a habitar a terra, a
existir na provisoriedade. O quadro não deixa de ser um
modo de reconstruir um mundo onde o tempo revela seu
jogo com a terra até à morte. 317-318.
[Obra de arte: pôr-se em obra de verdade]
Para Heidegger, a essência da obra de arte, um pôr-se em
obra da verdade, significa a revelação de algo que e dá
devido a uma rede de relações onde sobeja o sentido de
uma totalidade única, que não é toda a totalidade. A obra,
ao liberar possibilidades do que é o mundo das relações do
homem no tempo histórico instaura a verdade da aparição.
Aí, a beleza se mostra como vigor da verdade que se
desoculta. 319
Pág. 34
CURSO DE ESTÉTICA (HUHNE, 2006)

[Arte e Verdade]
Segundo Heidegger a essência da obra de arte é o
desvelamento da verdade e não da coisa, de tal modo que
nas botas pintadas de Van Gogh ou no templo grego não
se esgota a objetividade da bota ou do templo, mas deixa
emergir o existente em sua totalidade. Aí, juntos se acham
o mais longe e o mais perto, o mais e o menos profundo, o
ocultamento e o desvelamento do jogo da terra e mundo,
em recíproca iluminação, que nada mais é que o vigor da
verdade que se mostra na beleza, efêmera beleza de um
raio. 321

A ORIGEM DA OBRA DE ARTE

A instalação da verdade em obra é a produção de um ente

que antes todavia não era e posteriormente nunca voltará a
ser. A produção por conseguinte coloca este ente em
manifesto, de tal maneira que unicamente o produto ilumina
a potência do patente que se produz quando a produção
traz consigo a abertura do ente à verdade, o produto é uma
obra. Tal produção é criação que é um receber e um dentro
da relação com o não oculto (...). 321
(...) A verdade se coloca dentro da obra. A verdade
só existe como a luta entre luz e sombras, na inter-relação
do mundo e terra. A verdade se coloca na obra como essa
luta de mundo e terra. 321-322

Isaac Arrais Gonçalves 13/09/2020 Pág. 35