Arquipélago Drumming

Culturas do Mundo Culturas del mundo

Archipiélago Drumming Drumming Archipelago

Steel Drumming
Reciclajes
Steel Drumming Músicas escénicas
Universos Monográficos

Reciclagens Sonidos del Cosmos

Electrónica
Naciográficos
Músicas cénicas Descubriendo

Monográficos Cultures of the world

Steel Drumming
Recycling
Sons do Cosmos Scenic music
Monographic Universes

Electrónica Sounds of the Cosmos

Electronic
Naciographics
Naciográficos Discovering

À Descoberta
Universos paralelos Parallel Universes

Universos Paralelos
A nossa época vangloria-se de derrubar as fronteiras,
de intensificar as trocas, de promover as diferenças, de
fabricar apaixonantes híbridos e combinações inéditas
em todos os domínios. Muito bem, muito bem. Como se
explica, então, que uma estranha sensação de uniformi-
dade nos invada e que, pelo meio da infinita modulação
dos prazeres que nos vendem, não escutemos mais que
o canto de uma voz única, a que nos diz que devemos
fruir como toda a gente? E que mesmo a melancolia de
Baudelaire, aquela que murmurava “anywhere out of the
world”, se nos afigure no presente como um sentimento
praticamente inacessível?
Como estão longe, já tão longe, como uma nave espacial
violeta e laranja à deriva num espaço-tempo perdido
para sempre, esses imensos concertos de percussão dos
anos 70, essas bacanais sonoras exaltantes onde tudo
coexistia, o vibrafone e o gamelão, o bluff tecnológico e
os tambores primitivos, a reflexiva música de câmara e
o teatro de agit-prop! Mal evocamos a sua recordação e
já a fadiga nos invade — o tédio do grande macrocosmo
espectacular onde ‘tudo é possível’, como se dizia, mas
onde nada acontece para além do gesto repetitivo do
zapper.
A arte de hoje consiste em definir mundos. Em executar
incisões ‘no’ mundo. Desajeitadamente, sem dúvida,
tacteando, talvez, é isso que Drumming tenta no domí-
nio das percussões: construir um mundo no tempo de
um concerto. Um mundo que conserva o golpe d’asa,
um mundo habitável no tempo de uma experiência, na
sua estranheza e obstinação. Uma ilha imaterial, um
espaço sonoro que vem moldar uma dramaturgia invi-
sível… Onde as obras não se empilham, mas se dobram
umas sobre as outras… Porque mesmo se não existe mú-
sica que não enigmática, é preciso apostar num mundo
musical tornado legível: pela ocupação do espaço, pelo
jogo das luzes, pela precisão dos gestos. Drumming não
acumula repertório, constrói um arquipélago.
Our era boasts of knocking down
borders, of intensifying ex-
changes, of promoting difference,
of manufacturing captivating
hybrids and unseen combinations
in all domains. Very well, very
well. How can one explain, then,
that a strange feeling of same-
ness invades us and that, amidst
the infinite modulation of the
pleasures we are sold, we cannot
hear anything other than the
singing of a single voice, telling
us we should enjoy like everyone
else? And that even Baudelaire’s
melancholy, muttering “anywhere
out of the world”, seems to be to
us, at present, a virtually inacces-
sible feeling?
How far, so far already, as a violet
and orange spaceship adrift in a
time and space forever lost, are
those immense percussion con-
certs of the 70s, those exciting
sonorous sprees where everything
co-existed, the vibraphone and
the gamelão, the technological
bluff and the primitive drums, the
reflexive chamber music and the
agit-prop theatre! As soon as we
recall them, fatigue invades us –
tedium of the great spectacular
macrocosm where ‘everything is
possible’, as it used to be said, but
where nothing happens beyond
the repetitive gesture of the
‘zapper’.
The art of today consists of
defining worlds. Of performing
incisions ‘in’ the world. Clumsily,
without a doubt, fumbling maybe,
that is what Drumming tries in the
percussion field: to build a world
for the duration of a concert. A
world that holds the stroke of a
wing, a world that is livable for the
duration of an experience, in its
strangeness and obstinance. An
immaterial island, a sound space
that gives shape to an invisible
dramaturgy... Where the works
are not piled, but folded one over
the other... Because even if there
is no music without enigma, it
is still necessary to wager on
a musical world that becomes
legible: through the way space is
occupied, through the arranging
of lights, through the precision of
movements. Drumming does not
accumulate a repertoire, Drum-
ming creates an archipelago.
Nuestra época se vanagloria por
derrumbar las fronteras, intensifi-
car los cambios, promover las
diferencias, fabricar apasionados
híbridos y combinaciones inédi-
tas en todos los dominios. Muy
bien, muy bien. ¿Cómo se explica,
entonces, que una extraña sen-
sación de uniformidad nos invada
y que, por medio de la infinita
modulación de los placeres que
nos venden, no escuchemos más
que el canto de una única voz,
la que nos dice que debemos
disfrutar como toda la gente? ¿Y
que como la melancolía de Bau-
delaire, aquella que murmuraba
“anywhere out of the world”, se
nos figure como un sentimiento
prácticamente inaccesible?
Están lejos, ya tan lejos,
como una nave espacial
violeta y anaranjada a la
deriva en un espacio-tiem-
po perdido para siempre,
esos inmensos conciertos
de percusión de los años
70, esas bacanales sonoras
exultantes donde todo co-
existía, el vibráfono y el ga-
melán, el bluff tecnológico
y los tambores primitivos, la
reflexiva música de cámara
y el teatro de agit-prop! Mal
invocamos su recuerdo y ya
las fatiga nos invade – el
tedio del gran macrocosmos
espectacular donde “todo
es posible”, como se decía,
pero donde nada sucede
más allá del gesto repetitivo
del “zapper”.
Universos paralelos Parallel Universes
El arte de hoy consiste en
definir mundos. En ejecutar
incisiones “en el” mundo.
Desastradamente, sin duda,
tal vez tanteando, es eso lo
que Drumming intenta en el
dominio de las percusiones:
construir un mundo en el
tiempo de un concierto.
Un mundo que conserva
el golpe de ala, un mundo
habitable en el tiempo
de una experiencia, en su
extrañeza y obstinación.
Una isla inmaterial, un
espacio sonoro que viene a
moldear una dramaturgia
invisible... Donde las obras
no se amontonan, sino que
se doblan unas encima de las
otras... Porque aunque no exista
música que no sea enigmática, es
necesario apostar en un mundo
musical tornado legible: por la
ocupación del espacio, por el
juego de las luces, por la exacti-
tud de los gestos. Drumming no
acumula el repertorio, construye
el archipiélago.
Las leyes de la hospitalidad The laws of hospitality
As Leis da Hospitalidade
Drumming é mais que uma orquestra, é uma equipa, Drumming is more than an
orchestra, it is a team, a group
(community): in it each one of the
uma pool: cada percussionista faz, nele, aquilo que percussionists does what s/he
is best at, there each one goes
melhor faz, cada um aprofunda, aí, aquilo que o intriga, deeper into what intrigues him/
her, each one remains faithful
cada um permanece fiel àquilo que um dia mexeu com to the thing that one day moved
him/her. Because a percussion
ele. Porque um instrumento de percussão é um reen- instrument is a reunion: it needs
seducing, taming, founding. A
contro: há que seduzi-lo, domá-lo, fundi-lo. A cada pro- different team for a different
project: the steel-drummers,
jecto a sua equipa: os steel-drummers, os minimalistas, the minimalists, the drummers,
the electro, the keyboarders,
the afro, the hispanic... They are,
os tamboristas, os electro, os teclistas, os afro, os hispa- sometimes, the same, of course,
but no one is fool enough to want
nos… São, por vezes, os mesmos, claro, mas ninguém é to inhabit all possible worlds.
suficientemente louco para pretender habitar todos os Each island of the archipelago
creates its own laws of hospitality
mundos possíveis.
and exchange. Having formed a
team of ‘timbila’ players (a kind of
African xylophone) with a master
of this instrument, Matchume,
Cada ilha do arquipélago desenvolve as suas leis da our timbila-musicians became
part of a transmission chain, they
took the instrument to new limits,
hospitalidade e da permuta. Tendo formado uma equi- they returned it, finally, to young
composers – in that way opening
pa de músicos de timbila (um tipo de xilofone africano) up a new world.
com um mestre do instrumento, Matchume, os nossos Timbilas, steel drums, classic
or ethnic percussion; sounds
músicos-timbilistas integraram uma corrente de trans- of the Sky, of the Ocean, of the
electrosphere, writing, recycling,
missão, levaram o instrumento a novos limites, resti- or jam-session: sketch your way.
All of you, readers opening this
tuíram-no, por fim, a jovens compositores — abrindo brochure, we welcome into our
universe. No, no, no!... welcome to
our multiverse.
desse modo um novo mundo.
Timbilias, steel drums, percussões clássicas ou étnicas;
sons do Céu, do Oceano, da electroesfera; escrita, reci-
clagem, ou jam-session: traçai o vosso caminho. A todos
vós, leitores, que abris esta brochura, damo-vos as boas-
vindas ao nosso universo. Não, não!… bem-vindos ao
nosso pluriverso.
Drumming es más que una
orquesta, es un equipo,
un grupo (comunidad):
cada percusionista hace,
en éste, lo mejor que sabe
hacer, cada uno profundiza,
ahí, aquello que le intriga,
cada uno permanece fiel a
aquello que un día le tocó.
Porque un instrumento
de percusión es un reen-
cuentro: hay que seducirlo,
domarlo, fundirlo. En
cada proyecto su equipo:
los steel-drummers, los
minimalistas, los tambores,
los electro, los teclistas, los
afro, los hispanos... Son, a
veces, los mismos, claro,
pero nadie es suficiente-
mente loco para pretender
habitar todos los mundos
Las leyes de la hospitalidad The laws of hospitality
posibles.
Cada isla del archipiélago
desenvuelve sus leyes de
hospitalidad y de permuta.
Habiendo formado un
equipo de músicos de “tim-
bila” (un tipo de xilófono
africano) con un maestro
del instrumento, Matchume,
nuestros músicos-timbilis-
tas integraron una corriente
de transmisión, llevaron
el instrumento a nuevos
límites, lo restituyeron, por
fin, a jóvenes compositores
– abriendo de este modo un
nuevo mundo.
Timbilas, steel-drums,
percusiones clásicas o
étnicas, sonidos del Cielo,
del Océano, de la electroesfera;
escrita, reciclaje, o jam-session:
traza vuestro camino. A todos
vosotros, lectores que abrís este
folleto, damos las bienvenidas
a nuestro universo. No, no, no!...
Bienvenidos a nuestro pluriverso.
 Miquel Bernat
Miquel Bernat é percussionista e pedagogo. Entrou no
mundo da música aos seis anos, por herança familiar, na
localidade onde nasceu: Benisanó (Valência). Tal como em
outras pequenas localidades, existem aí exímios músicos
(tocadores de caixa de rufos) de bandas filarmónicas. Desde
essa altura que nunca pensou tocar outra coisa senão
percussão.
Decidido a seguir a carreira musical, estudou no Con-
servatório de Valência. Rumou depois a Madrid para se
formar a nível superior. Aos 19 anos concorreu para a vaga
de percussionista da Orquestra de Barcelona. Entrou, mas
logo percebeu que precisava de novos rumos. Foi estudar
para Bruxelas e Roterdão com o norte-americano Robert
Van Sice, com quem começou a interessar-se por sonorida-
des contemporâneas, e passou pelo Aspen Summer Music
Course, nos Estados Unidos. Ainda não tinha terminado o
Miquel Bernat Miquel Bernat
curso quando o professor o convidou para ser seu assistente
em ambos conservatórios. Começou assim, aos 21 anos,
a carreira como pedagogo que o trouxe, mais tarde, a
Portugal.
Quando foi convidado pelo director da Escola Profissional
de Música de Espinho a leccionar masterclasses, em 1991,
era já um músico de prestígio, fundador dos grupos Ictus
Ensemble de Bruxelas e o Duo Contemporain de Roterdão.
Tinha já arrecadado vários galardões, como o Prémio Extra-
ordinário Final de Curso (conservatórios de Madrid e Bruxe-
las), o Prémio Especial de Percussão e o segundo prémio de
interpretação de Música Contemporânea, com o Rotterdam
Percussive (concurso Gaudeamus, Holanda), bem como o
segundo prémio do Aspen Nakamichi Competition (EUA),
como solista.
Espinho permitiu ao músico começar a criar raízes em
Portugal. Em 1994 surge a oportunidade iniciar novo rumo
tanto na sua vida profissional como na vida da música
portuguesa: é convidado a dirigir o primeiro curso superior
de percussão, na Escola Superior de Música e Artes do
Espectáculo (Porto). Com a liberdade que lhe foi concedida,
implantou um curso virado para a contemporaneidade.
Foi a necessidade de tocar ao vivo, juntamente com os seus
alunos e outros músicos, que surgiu, em 1999, o Drumming
– Grupo de Percussão (DGP), colectivo com um conceito
inovador que cruza diversas sonoridades. O DGP destaca-
se pelas suas propostas irreverentes. Em 2001, foi o grupo
residente do Porto – Capital Europeia da Cultura.
Seguindo a ideia de «espectáculo total» como forma de
expressão artística, Bernat gosta de quebrar fronteiras. Tra-
balhou com coreógrafos conceituados como Anne Teresa
de Keesrmaeker e Roberto Olivan.
Especialista em música contemporânea, tem contribuído
para expandir as suas possibilidades, propondo abordagens
inovadoras e a invenção de novos meios. Já incentivou a
criação de obras e difundiu peças que a ele lhe foram dedi-
cadas. Recentemente, formou o colectivo Musica Presente,
que é já uma referência na criação musical europeia.
Discografia com o Duo Contemporain
“Made in Leiden” (BS-0193);(BS-0298)
“Boat Song/Andrew Ford!” (TP-053)
“High Lights” (Globe 5126)
“Australian Contemporary Music” (Glove 5176)
“Champ D’ Action” (MDC 7877)
“Ensemble Musique Nouvelle” (ADDA 581295)
“Trio Allures” (ETECETERA SCACD 54221)
Discografia com o Ictus
“Drumming, de Steve Reich” (CYP5608)
“Magnus Lindberg” (MDC7835)
“In C de Terry Riley” (CYP5601)
“Fausto Romitelli - Professor Bad Trip” (CYP5620)
“Martin Matalon - de tiempo y arena” (CRMCD 1057)
“Mauricio Sotelo – Night, Concierto de percusión”
(0012832KAI)
Discografia com o Drumming – GP
“Pocket Paradise”, de Jesús Rueda (C33004).
“Unreal Sidewalk Cartoon”, de Bernardo Sassetti (CF070CD)
Miquel Bernat es uno de los
más dinámicos percusionistas
y pedagogos de la actualidad.
Comenzó en el mundo de la
música con apenas seis años, por
herencia familiar, en la localidad
donde nació: Benisanó (cerca
de Valencia). Tal como en otras
pequeñas localidades, existían, y
aún existen, excelentes músicos
(tocadores de cajas de redoble)
de bandas filarmónicas. Desde
ese momento pensó que no que-
ría hacer otra cosa en la vida sino
tocar instrumentos de percusión.
Decidido a seguir una carrera
musical, estudió en el Con-
servatorio de Valencia, donde
hizo su formación elemental.
Se fue después a Madrid para
formarse a nivel superior. A los
19 años optó a a una vacante
de percusionista en la Orquesta
de Barcelona. Consiguió entrar,
pero poco tiempo después se dio
cuenta que necesitaba de seguir
nuevos rumbos. Fue, entonces, a
estudiar a Bruselas y Rotterdam
con el reputado músico norte-
americano Robert Van Sice, con
quien comenzó a interesarse por
sonoridades contemporáneas.
Pasó también por el Aspen Sum-
mer Music Course, en los Estados
Unidos. No había terminado su
curso aún cuando el profesor lo
invitó a ser su asistente en ambos
Conservatorios, con apenas 21
años. Comenzó la carrera como
pedagogo motivo que lo trajo, más
tarde, a Portugal.
Cuando fue invitado por el
director de la Escuela Profesional
de Música de Espinho a impartir
masterclasses en aquel esta-
blecimiento, en 1991, era ya un
músico de prestigio, fundador
de los grupos Ictus Ensemble de
Bruxelas y el Dúo Contemporain
de Rotterdam, grupos con los
cuales actuó en las salas y festi-
vales más importantes del mun-
do. Había también recibido varios
galardones. Entre estos pueden
destacarse el Premio Extraordi-
nario final de carrera (Conser-
vatorios de Madrid y Bruselas), el
Premio Especial de Percusión y el
segundo premio de interpretación
de Música Contemporánea, con el
Rotterdam Percussive (concurso
Gaudeamus, Holanda), así como
el segundo premio del Aspen
Nakamichi Competition (EUA),
como solista.
Espinho fue la puerta que le
permitió al músico comenzar a
echar raíces en Portugal. En 1994
surge la oportunidad de abrir una
nueva página, tanto en su vida
profesional como en la vida de la
música portuguesa: fue invitado
a dirigir el primer curso superior
de percusión en Portugal, en la
Escuela Superior de Música y
Artes del Espectáculo (Oporto).
Con mucho empeño, implementó
un curso único, dirigido a la con-
temporaneidad. Por la necesidad
de tocar en vivo, junto con sus
alumnos y otros músicos surgió,
en 1999, la idea de crear un grupo
únicamente de percusión. Fue así
que nació Drumming – Grupo de
Percusión (DGP), colectivo con
un concepto innovador que cruza
diversas sonoridades. Además de
destacarse por sus propuestas
musicales irreverentes, DGP se
destaca también por su presencia
en los escenarios. En 2001, fue el
grupo residente de Oporto – Capi-
tal Europea de la Cultura.
Continuando la idea de “espec-
táculo total” como forma de ex-
presión artística, a Miquel Bernat
le gusta quebrar fronteras. Ya
trabajó con coreógrafos de gran
prestigio como Anne Teresa de
Keesmaeker y Roberto Olivan.
Especialista en música contem-
poránea, Bernat ha contribuido a
expandir sus posibilidades, pro-
poniendo abordajes innovadoras
y también la invención de nuevos
medios. Ya incentivó a la creación
de innumerables obras y difundió
piezas que le fueron dedicadas
Recientemente formó, con
un grupo de compositores e
intérpretes, el colectivo “Música
Presente”, que ya es una referen-
cia relevante en la creación mu-
sical contemporánea en Europa.
Bernat ha tocado como solista en
innumerables orquestas y grupos,
como la Orquesta de la Radio
TV Española (ORTVE), el Remix
Ensemble o la MusikFabric.
Miquel Bernat is a percussion-
ist and educator. He entered
the world of music when he was
six years old, by family tradi-
tion, in the place he was born:
Benisanó (Valencia). As in other
small localities, one can find
great musicians in philharmonic
groups there. Since then he never
considered playing anything but
percussion.
Determined to follow a career in
music, he studied at Valencia’s
Conservatory. He then roamed to
Madrid to obtain a higher educa-
tion. When he was 19 he applied
for a position as a percussionist
in Barcelona’s Orchestra. He got
in, but he soon realized he needed
to find new ways. He went to
study in Brussels and Rotterdam
with North American musician
Robert Van Sice, with whom he
began to become more interested
in contemporary sonorities, and
took part in the Aspen Summer
Music Course, in the United
States. He had not yet completed
the course when his teacher
invited him to be his assistant in
both Conservatories. When he
was 21 years old,he then started
his career as an educator which
later brought him to Portugal.
When he was invited by the direc-
tor of the Escola Profissional de
Música de Espinho [Professional
School of Music of Espinho] to
teach master classes, in 1991,
he was already a prestigious
musician, and the founder of
the groups Ictus Ensemble in
Brussels and Duo Contemporain
in Rotterdam. He had already
been awarded several prizes such
as the Extraordinary Completion
of Degree Prize (Conservatories
of Madrid and Brussels), the
Special Prize for Percussion and
the second prize of Performance
of Contemporary Music, with the
Rotterdam Percussive (Gaudea-
mus competition, Holland), as
well as the second prize of the
Aspen Nakamichi Competition
(US), as solo performer.
Espinho made it possible for the
musician to start creating roots
in Portugal. In 1994 he gets the
opportunity to begin a new route
both in his professional life and in
the life of Portuguese music: he
is invited to direct the first higher
education degree in percussion
at the Escola Superior de Música
e Artes do Espectáculo [Higher
Education School of Music and
Performing Arts] in Porto. Given
the freedom he was granted, he
could establish a course with a
focus on contemporary music.
Resulting from the need to play
live, together with his students
and other musicians, Drum-
ming – Grupo de Percussão (DGP)
appearedin 1999 as an innovative
collective bringing together vari-
ous sonorities. DGP is known for
its irreverent proposals. In 2001
it was the resident group for the
Porto – Capital of Culture.
Miquel Bernat Miquel Bernat
Following the “total show” ideal
as form of artistic expression,
Bernat likes to cross borders. He
has worked with renowned chore-
ographers such as Anne Teresa de
Keesrmaeker and Roberto Olivan.
A specialist in contemporary
music, he has contributed to
expand its potentialities forward-
ing innovative approaches and
the invention of new means. He
has promoted the creation of new
works and divulged pieces that
were dedicated to him. Recently,
he has formed a collective, Mu-
sica Presente, which is already
a reference in European musical
creation.
 Drumming

Vocacionado para a música contemporânea e de portas abertas a todos os mundos sonoros,

o Drumming–Grupo de Percussão (DGP) afirma-se como um dos mais importantes colecti-
vos do género a nível internacional. Fundado e dirigido por Miquel Bernat, o grupo institui-
se em 1999, aliando a necessidade de tocar ao vivo com a vontade de mostrar o trabalho de
formação desenvolvido na EPME (1° Curso Profissional na área de Percussão) e na ESMAE
(1° Curso Superior de Percussão em Portugal).

Drumming (inspirado na peça homónima de Steve Reich) sintetiza a evolução da percussão

na Europa e contribui, através da divulgação de obras de referência da música contempo-
Drumming–Grupo de Percusión Drumming–Percussion Group

rânea, para a incessante criação de novos programas e para o constante desafio à inovação
sonora. Tem conquistado progressivamente o público, ao qual propõe espectáculos de
carácter diverso mas sempre sustentados pela sua coerência estética e unidade poética que
unem a música à vertente cénica.

A singularidade do papel do DGP na cena musical portuguesa revela-se pelos trabalhos

que tem realizado e no variado repertório que apresenta. Os seus espectáculos viajam da
percussão erudita ao jazz, passando pela electrónica e o rock. O DGP desenvolve igualmente
música de cena para teatro, ópera e bailado. A sua constante actividade criativa não des-
cuida as vertentes didáctico-pedagógica e social, bem como a itinerância, apresentando no
seu cardápio programas concebidos para estes fins, desenvolvidos com não profissionais,
crianças e idosos, em zonas desfavorecidas culturalmente.

A esta área está ligada também a investigação. O Drumming é pioneiro na criação de uma
orquestra de timbilas, que tanto interpreta as músicas de tradição oral (de origem Moçam-
bicana), como músicas concebidas por compositores contemporâneos que escrevem espe-
cialmente para o grupo. Criou também a primeira banda de steel drums da Península Ibérica
baseada não apenas na sua original vertente tradicional como também na experimental.
Colabora ainda na invenção e configuração de instrumentos e baquetas únicas, muito
conceituados internacionalmente. O DGP organiza seminários, conferências e desenvolve
trabalhos de ateliê experimental: obras coreográficas e teatrais, com marionetas, vídeo,
música electrónica e de fusão.

Teve o privilégio de ser grupo residente da Porto 2001 – Capital Europeia da Cultura e actua
com regularidade nas mais conceituadas salas nacionais, entre elas a Fundação Calouste
Gulbenkian, o Teatro Nacional São João, a Culturgest, o Teatro Camões, o Centro Cultural
de Belém, o Teatro Rivoli, a Casa da Música. No estrangeiro apresentou-se inúmeras vezes
em Espanha, na Bélgica, em França, na Alemanha e no Brasil.
Grupo de Percussão
Geared towards contemporary music and with open doors to all the
worlds of sound, Drumming – Grupo de Percussão (Drumming – Percus-
sion Group, DGP) stands, internationally, as one of the most important
collectives of its kind. Founded and directed by Miquel Bernat, the
group was instituted in 1999, by virtue of the experienced need to
perform live and to show the training work being developed at the EPME
(in the 1st Professional Course in Percussion) and in ESMAE (in the 1st
Higher Education Degree in Percussion in Portugal).
Drumming (inspired by the piece with the same name composed by
Steve Reich) synthesizes the evolution of percussion in Europe and, by
divulging some reference pieces of contemporary music, contributes to
the never-ending creation of new programs and to the constant chal-
lenge to musical innovation. The group is progressively conquering a
wider public, to whom it presents a variety of shows supported by their
aesthetic coherence and poetic unity and in which musical and scenic
elements are brought together.
The singularity of DGP’s role in the Portuguese music scene is revealed
by the work it produces and the variety in the repertoire it presents.
Its shows travel from erudite percussion to jazz, passing by electronic
music and rock. DGP also develops music for theatre, opera and dance
shows. Its constant creative activity does not disregard the education-
al-pedagogical and social domains, as well as the need to take shows on
the road – in its set of programs some have been conceived especially
for those ends, developed with non-professionals, with children and
with aged populations in culturally under-served areas.
Research is also part of this domain. Drumming pioneers the creation
of an orchestra of timbilas, which interprets music coming from oral
traditions (of Mozambican origin) as well as music especially written
for the group by contemporary composers. It has also created the first
steel drum band of the Iberian Peninsula based not only on the original
tradition element but also bringing in an experimental side. It still also
collaborates in the invention and configuration of unique instruments
and drumsticks which are highly recognised internationally. DGP organ-
izes seminars, conferences and develops experimental workshops:
choreographic and theatre works, with puppets, video, electronic and
fusion music.
It had the privilege of being the resident band of Porto 2001 European
Capital of Culture and it performs regularly in the most prestigious
halls in the country, among them Fundação Calouste Gulbenkian, Teatro
Nacional São João, Culturgest, Teatro Camões, Centro Cultural de Belém,
Teatro Rivoli, and Casa da Música. Abroad it has had the opportunity to
perform countless times in countries such as Spain, Belgium, France,
Germany and Brazil.
Orientado hacia la música contemporánea y de puertas abiertas a
todos los mundos sonoros, Drumming-Grupo de Percusión (DGP) se
confirma como uno de los más importantes colectivos del género a nivel
internacional. Fundado y dirigido por Miquel Bernat, el grupo se estable-
ce en 1999, combinando la necesidad de tocar en vivo con la voluntad
de mostrar el trabajo de formación desarrollado en la EPME (1º Curso
Profesional en la área de Percusión) y en la ESMAE (1º Curso Superior
de Percusión en Portugal).
Drumming (inspirado en la pieza homónima de Steve Reich) sintetiza
la evolución de la percusión en Europa y contribuye, a través de la
divulgación de obras de referencia de la música contemporánea, para
Drumming–Grupo de Percusión Drumming–Percussion Group
la incesante creación de nuevos programas y para el constante desafío
a la innovación sonora. Ha conquistado progresivamente al público, al
cual le propone espectáculos de diverso carácter pero siempre sosteni-
dos por la coherencia estética y unidad poética que unen la música a la
vertiente escénica.
La singularidad del papel de DGP en la escena musical portuguesa se
revela por los trabajos que han realizado y por el variado repertorio
que presenta. Sus espectáculos viajan de la percusión erudita al jazz,
pasando por la electrónica y el rock. DGP desenvuelve igualmente la
música escénica para el teatro, opera y baile. Su constante actividad
creativa no descuida las vertientes didáctico-pedagógicas y sociales,
así como la itinerancia, presentando en su dossier programas concebi-
dos para estos fines, desarrollados con músicos no profesionales, niños
y ancianos, en zonas desfavorecidas culturalmente.
A esta área también está ligada la investigación. Drumming es pionero
en la creación de una orquesta de timbilas, que interpreta tanto las
músicas de tradición oral (de origen Mozambiqueña), como músicas
creadas por compositores contemporáneos que escriben especial-
mente para el grupo. Creó, también, la primera banda de steel drums
de la Península Ibérica basada no solo en su vertiente tradicional sino
también en la experimental. Colabora en la creación y configuración de
instrumentos y baquetas únicas, muy apreciados internacionalmente.
DGP organiza seminarios, conferencias realiza trabajos de atelier expe-
rimental: obras coreográficas y teatrales, con marionetas, video, música
electrónica y de fusión.
Tuvo el privilegio de ser grupo residente de la Porto 2001 – Capital
Europea de la Cultura y actúa con frecuencia en las salas nacionales
más valoradas, entre ellas la Fundación Calouste Gulbenkian, el Teatro
Nacional São João, Culturgest, Teatro Camões, Centro Cultural de Belém,
Teatro Rivoli, Casa de la Música. En el extranjero se ha presentado en
repetidas ocasiones en España, Bélgica, Francia, Alemania y Brasil.
 Culturas do Mundo
Orquestra de Timbilas Culturas del mundo
Culturas del mundo Cultures of the World

Orquesta de Timbilas
Mozambique
Moçambique (Me) Estoy a Marimbar
Tradicional versus Actual

Estou-(me) a Marimbar Cultures of the World

Timbilas orchestra
Tradicional versus Actual Music from Mozambique
(I am) Marimba-ing
Traditional versus contemporary
Na percussão as músicas étnicas têm um lugar prepon-
derante: inspiram-nos uma grande variedade de instru-
mentos, músicas e músicos em África, um continente
com um destino para ser visitado, revisitado e explorado.
O Drumming GP cria, por isso, o seu espaço neste conti-
nente. Começando num país com que Portugal tem laços
históricos e que por si próprio possui uma riqueza cultu-
ral enorme e variada como é Moçambique, e dentro deste
país concentraremos a nossa atenção num instrumento
da etnia Chope: a Timbila.
Depois de uma pesquisa de campo conduzida pelo tim-
bileiro Matchume Zango, o Drumming tráz ao conheci-
mento do público europeu as músicas tradicionais mais
representativas da cultura Chope. Porém, o processo de
desenvolvimento deste projecto não se limitou às ques-
tões de divulgação, levantando, pelo contrário, várias
outras questões: que aconteceria com a intervenção do
pensamento criativo ocidental nesta formação típica e
genuinamente africana? Que resultado obteríamos se
repensássemos com a nossa mente lógica/cartesiana um
significado musical para um tal tipo de formação típica
africana?
Perguntas como estas conduzem-nos a propostas de
exploração colocadas a diversos compositores europeus
contemporâneos das possibilidades sonoras desta or-
questra, criando peças que com certeza abrirão todo um
campo e paletas de possibilidades, mediante os recursos
mais variados.
En la percusión, las músicas
étnicas tienen un lugar prepon-
derante, una gran variedad de
instrumentos, músicas y músicos
que nos inspiran vienen de un
continente que debe ser visitado,
revisitado y explorado. Drumming
GP crea, por eso, su espacio en
este continente: África. Comenza-
mos por Mozambique, con quien
Portugal tiene lazos históricos
y que por sí mismo posee una
riqueza cultural enorme y variada.
Dentro de este país concentra-
remos nuestra atención en un
instrumento de la etnia Chope,
la Timbila.
Después de un estudio de
campo conducido por el timbilero
Matchume Zango, Drumming
trae al conocimiento del público
europeo las músicas tradicio-
nales más representativas de la
cultura Chope. Sin embargo, el
proceso de desenvolvimiento de
este proyecto no se limitó a la
divulgación, despertando otras
curiosidades: ¿Qué sucedería con
la intervención del pensamiento
creativo occidental en esta for-
mación genuinamente africana?
¿Qué resultado obtendríamos si
repensáramos con nuestra mente
lógica/cartesiana un significado
musical para un tal tipo de forma-
ción típica africana?
Preguntas como estas nos
conducen a las propuestas
de exploración propuestas a
diversos compositores europeos
contemporáneos sobre las posibi-
lidades sonoras de esta orquesta,
creando piezas que, con certeza,
abrirán todo un campo y paleta
de posibilidades, mediante los
recursos más variados.
In percussion, ethnic music
occupies a fundamental
place; a great variety of the
instruments, songs and
musicians that inspire us
come from a continent that
must be visited, revisited
and explored. Drumming GP
therefore creates its space
in this continent – Africa.
We start in Mozambique,
with which Portugal has
historical bonds and that
ín itself has enormous and
varied cultural wealth. In
this country we will focus
our attention on an instru-
ment of the Chope ethnic
group, the Timbila.
After the field work
conducted by the timbila
player, Matchume Zango, Drum-
ming makes the most repre-
sentative traditional songs of the
Chope culture known to European
audiences. But, the develop-
ing process of this project went
beyond divulgation, raising other
questions: what would happen
with the intervention of Western
creative thinking in this genuinely
African formation? Which results
would be obtained if we were to
rethink with our logical/Cartesian
mind a musical meaning for this
kind of typical African formation?
Questions such as these lead
us to proposals of exploration
given to contemporary European
composers about the sonorous
possibilities of this orchestra,
creating pieces that will surely
open up a whole field and a pal-
ette of possibilities, by means of
various resources.
 Sicosana, 2002 Matchume Zango
Palindrumming, 2008/9 Polo Vallejo
Concerto para Violino e Orquestra de Timbilas, 2008 George van Dam
Nova Peça, 2010 Ricardo Climent
Wooden Thought, 2010 Jean Luc Fafchamps
Música Tradicional Chope de Moçambique
70 min. 7 intérpretes. Violino solista: George van Dam, Timbila solista: Matchume Zango

Orquestra de Timbilas
A timbila é o nome genérico atribuído a um ensemble específico de instrumentos Timbila is the generic name given
to a specific ensemble of musical
musicais, da família do xilofone, executado e construído pela etnia Chope do sul de instruments of the xylophone
Moçambique. Os primeiros relatos conhecidos acerca deste povo e da sua música family, built and performed by
datam do século XVI, por meio de cartas enviadas pelo missionário católico portu- the Chope ethnic group from the
south of Mozambique. The first
guês, Padre André Fernandes, a seus colegas na Índia e em Portugal. Nestas cartas known records about this people
faz referência à mestria e sensibilidade particular deste povo, assim como às suas and their music are from the
exuberantes e complexas performances compostas por música, dança e poesia. Já no 16th century, in the letters the
Portuguese Catholic missionary
século XX, os etnomusicólogos Hugh Tracey, seu filho Andrew Tracey e Margot Dias, Padre André Fernandes wrote to
observaram, gravaram e analisaram as tradições musicais dos Chope e os seus instru- his colleagues in India and in Por-
mentos. Destes trabalhos de campo, realizados entre os anos 40 e os 70, resultaram tugal. In these letters reference
is made to the particular mastery
algumas publicações bibliográficas e discográficas que ainda hoje são as fontes mais and sensibility of this people,
importantes sobre as tradições artísticas deste povo. O reconhecimento internacional and to the their exhuberant and
da Timbila surge em 2005, quando a proposta de candidatura a Património Oral e complex performances of music,
dance and poetry. Already in the
Imaterial da Humanidade pela UNESCO é aprovada. 20th century, the ethnomusicolo-
gists Hugh Tracey, his son Andrew
Desde o trabalho realizado por Hugh Tracey nos anos 40 do século XX, Moçambique Tracey and Margot Dias observed,
recorded and analised the Chope
tem sofrido com a devastação provocada por sucessivas guerras. Primeiro um difícil
Orquesta de Timbilas Timbilas orchestra
Since Hugh Tracey conducted his
works in the 1940s, Mozambique
has been suffering from the dev-
astation brought by successive
wars. After a difficult decoloniza-
tion process, civil war followed
that rased all that could exist,
especially at the social and cul-
tural levels. The musical practices
associated with the timbila, like
many other cultural traditions,
were affected in a very negative
way by this long period of conflict.
Nowadays these practices are
already rare, and most of the
young people in Mozambique are
completely distanced from and
uninterested in these cultural
traditions, presenting a serious
risk of extinction. In the specific
case of the timbila, besides the
decreasing number of performers

musical tradition and their instru- and the lack of young people in-
processo de descolonização, a que se sucedeu uma guerra civil que acabou por arrasar ments. From these field works, terested in these practices, there
com tudo o que poderia existir, sobretudo ao nível social e cultural. As práticas conducted between the 40s and are also fewer and fewer makers
the 70s, resulted some of the of this instrument. Since there
musicais associadas à timbila como muitas outras tradições culturais foram afectadas bibliographic and discographic is a lack of apprentices, in a few
de uma forma muito negativa por este longo período de guerras. Hoje em dia estas publications that until today decades there might be no-one
práticas já são raras e a maior parte dos jovens em Moçambique estão completamente are the most important sources left who knows the secrets of how
on the artistic traditions of this it is made.
afastados e desinteressados destas tradições culturais, correndo-se o sério risco de people. International recognition
extinção. No caso específico da timbila, para além do número de intérpretes estar a of the Timbila comes in 2005, with
diminuir e poucos jovens estarem interessados nestas práticas, os construtores dos the approval of the application
to UNESCO’s Oral and Immaterial
instrumentos também são cada vez menos, e como há uma grande falta de aprendi- Heritage of Humanity.
zes daqui a umas décadas pode já não haver ninguém que saiba os segredos da sua
manufactura.

La timbila es el nombre genérico atribuido a un ensemble específico
de instrumentos musicales de la familia de xilófonos, ejecutado y
construido por la etnia Chope del sur de Mozambique. Los primeros
relatos conocidos acerca de este pueblo y de su música datan del siglo
XVI, por medio de cartas enviadas por el misionero católico portugués
Padre André Fernandes a sus colegas en la India y en Portugal. En estas
cartas se hace referencia a la maestría y sensibilidad particular de este
pueblo, así como sus exuberantes y complejas performances compues-
tas por música, danza y poesía. Ya en el siglo XX, los etnomusicólogos
Hugh Tracey, su hijo Andrew Tracey y Margot Dias observaron, grabaron
y analizaron las tradiciones musicales de los Chope y sus instrumen-
tos. De estos trabajos de campo, realizados entre los años 40 y los 70,
resultaron algunas publicaciones bibliográficas y discográficas que aún
hoy son las fuentes más importantes sobre las tradiciones artísticas
de este pueblo. El reconocimiento internacional de la Timbila surge en
el año 2005, cuando la propuesta de la candidatura al Patrimonio Oral e
Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO es aprobada.
Desde el trabajo realizado por Hugh Tracey en los años 40 del siglo XX,
Mozambique ha sufrido con la destrucción provocada por las sucesivas
guerras. A un difícil proceso de descolonización le siguió una guerra
civil que acabó por arrasar con todo lo que podía existir, sobre todo a
nivel social y cultural. Las prácticas musicales asociadas a la timbila,
como muchas otras tradiciones culturales, fueron afectadas de una
forma muy negativa por este largo periodo de conflicto. Hoy en día,
éstas prácticas son raras y la mayoría de los jóvenes en Mozambique
están completamente alejados y desinteresados por estas tradiciones
culturales, corriendo el riesgo de su extinción. En el caso específico de
la timbila, además de que el número de intérpretes está disminuyendo y
pocos jóvenes se interesan por estas prácticas, los constructores de los
instrumentos son también cada vez menos. Como hay una gran falta de
aprendices, de aquí a unas décadas puede ya no existir nadie que sepa
los secretos de su manufactura.
 Música Tradicional Chope para Timbila
Música Tradicional de Chitende
Música Tradicional de Mbira e Nsansy
Músicas para Xigovila, Nyanga e outras Flautas
Músicas para Batuques e outros Tambores
65 min. 6 intérpretes do Drumming + Matchume Zango ou
Timbila Muzimba numa formação reduzida

Músicas de Moçambique
Mostra sonora do rico e surpreendente mosaico de músicas Muestra sonora del rico y sor-
prendente mosaico de músicas
e instrumentos deste país numa fusão entre o Drumming e instrumentos de este país en
GP com músico/s moçambicanos, neste caso com Matchu- una fusión entre Drumming GP
me Zango ou os Timbila Muzimba. Eles contam-nos dos y los músicos mozambiqueños
Matchume Zango o los Timbila
instrumentos: Mizimba. Ellos nos hablan de los
instrumentos;
Xitende (etnias chopis e etnias xaganas), quando antiga-
Xitende (etnias chopis y etnias
mente um homem completava 25 anos sem mulher tocava o xaganas) cuando antiguamente
xitende para consolar-se e assim fazia composições. un hombre completaba 25 años
sin mujer tocaba el xitende para
consolarse y así hacia compo-
Xigovila, é um instrumento feito de uma fruta que se chama siciones.
nditamba (massala) com três furos um no meio e dois nos
lados. Os pastores quando pastam o gado usam o xigovila Xigovila. Instrumento hecho de
unas fruta que se llama nditamba
para afugentarem os animais com o som. (massala) con tres orificios, uno
en el medio y dos de los lados.
Mtchinga, é instrumento com o formato do batuque usa-se Cuando los pastores apacentaban
el ganado usaban el xigovila para
não só para anunciar infelicidades na aldeia, mas também
También para las ceremonias
familiares, como es el caso de
recordar un pariente de la familia
que ya falleció a mucho tiempo,
se toca el instrumento para que el
ritmo anime a los que lloran. Tam-
bién es utilizado para acompañar
los bailadores en varias danzas.
Djele. Sterio de las timbilas para
dar compás de la música. Los
curanderos lo usan como sterio
de la música que llama los espí-
ritus y también para ahuyentar
los pájaros.
Mbila (timbila). Al inicio surgió
de una sola tecla que se tocaba
para ahuyentar a los monos en
las granjas. Era producida con
madera de mwedje quemada y
tenía un buen sonido. Más tarde,
igualmente utilizada para
hacer música de interven-
ción política, en que se
enfocaban los problemas
del pueblo
Mbira. existen varios tipos,
como el Sanzi y el chisumbi,
entre otros. Las músicas
tocadas en mbiras son de
crítica social. Exprimen
las dificultades cotidianas
del pueblo en momentos
críticos.

Mozambique Music from Mozambique

ahuyentar los animales con su
os grandes encontros dos líderes ou regulos com a comuni- sonido
dade local. Também para as cerimónias familiares como é o
Mtchinga. Instrumento con for-
caso de recordar o parente da família que faleceu há muito mato de batuque que se utiliza no
tempo, através do ritmo anima os que choram. Também é sólo para anunciar infelicidades
utilizado para acompanhar os bailarinos em várias danças. en la aldea como también para
grandes encuentros de los líderes
o régulos con la comunidad local.
Djele. Sterio das timbilas para dar o compasso da música.
Os curandeiros usam-no, também, como o sterio da música A sonorous demonstration of
que chama os espíritos e para afugentar os pássaros. the rich and surprising mosaic
of songs and instruments of this
country in a fusion between the
Mbila (timbila) No início surgiu duma tecla que se atirou Drumming GP and Mozambican
para afugentar os macacos nas machambas. Era uma ma- musicians, namely Matchume
deira queimada que se chama Mwedje e tinha um bom som, Zango or the Timbila Muzimba.
They talk to us about the instru-
depois mais tarde veio a timbila. Assim, muitos distritos de ments:
Inhambene, Gaza foram habitados pelo povo chope e a tim-
bila era o instrumento tocando em orquestra Mgodo nas Xitende (Chopis ethnic groups and
xaganas ethnic groups) – in the
missas e para receber os Lideres ou Presidentes que vinham old days, when a man turned 25
visitar Moçambique. Também era música de intervenção years old without having a wife
política sobre os problemas do povo num certo momento he would play the xitende for
consolation and in that way made
em que ocorria a situação. his compositions.
Mbira, existem vários tipos: é o caso de Sanzi e chisumzi… Xigovila – Instrument made from
the Nditamba (massala) fruit with
three holes, one in the middle and
As músicas das mbiras, são canções de crítica social, two on the sides. When the shep-
também como uma maneira de se exprimir das coisas que herds lead the cattle to pasture
they would use the xigovila to
vivem no determinado momento da situação. scare the animals with its sound.
Mtchinga – Instrument with the
shape of a batuque (a kind of
drum) that is used not only to an-
nounce unfortunate events in the
village but also for the big meet-
ese instrumento dio origen a la
timbila. Algunas provincias de
Mozambique, como Inhambene y
Gaza, eran habitadas por el pue-
blo chope. La timbila era tocada
en las misas, en orquestas Mgodo
y también en las recepciones
de los líderes o presidentes que
venían visitar Mozambique. Era
ings of the leaders or kinglets came to visit Mozambique.
with the local community. Also It was equally used to make
during family ceremonies, as in political intervention music,
remembrance of a long deceased focused on the problems of
family member, the instrument is the people.
played so that its rhythm would
enliven those who weep. It is also Mbira – there are several
used to accompany dancers in kinds, such as the Sanzi and the
various dances. chisumzi... The songs played in
mbiras are songs of social criti-
Djele – Stereo of the timbilas cism. They express the day-to-day
that is used to keep the beat of difficulties of the people during
the music. The healers use it as critical moments.
the stereo of the music that calls
the spirits and also to scare birds
away.
Mbila (timbila) – In the begin-
ning it came from a single key
that was played to scare the
monkeys in the machambas. It
was made from burnt mwedje
wood and it had a good sound.
Later, that instrument gave birth
to the timbila. Some provinces in
Mozambique, such as Inhambene
and Gaza, were inhabited by the
Chope people. Timbila was played
at at mass and in Mgodo orches-
tras, as weel as at the receptions
of leaders and presidents who
 Músicas para Kilangay, Tradicional País Bara Madagascar
Mkwajungoma, Tradicional Wagogo, Tanzânia*
Timbilas Chope, Tradicional Moçambique
El Grijalva, Rapsodia Chiapanesca, 1958/9 René R. Nandayapa (Marimba Mexicana)**
Marimba, 1989 Emmanuel Sejourné
Suite, 1990 Takayoshi Yoshioka (Marimba Japonesa)
Pulau Dewata, 1987 Claude Vivier (Gamelão)
Six Marimbas, 1986 Steve Reich
75 min. 6 intérpretes com opção de intervenção do timbileiro Matchume Zango
Existe uma versão deste projecto especialmente concebida para crianças chamada Vamos Marimbar
* assessor Polo Vallejo ** assessor Israel Moreno

Estou(-me) a Marimbar

Espectáculo musical dedicado à Marimba (ou xilofo- Espectáculo musical dedicado
a la Marimba (o xilófono en el
ne no termo genérico da palavra) e às suas diferentes término genérico de la palabra) y
músicas. a sus diferentes músicas.
La Marimba es un instrumento
A Marimba é um instrumento idiofone, constituído idiófono, constituido por láminas
por lâminas de madeira afinadas, amplificadas por de madera afinadas, amplificadas
intermédio de tubos ou cabaças, que assumem uma por intermedio de tubos o cala-
bazas, que asumen una función
função de caixa ressoadora. Por vezes, em modelos mais de caja resonadora. A veces, en
rudimentares, as barras são amplificadas através de modelos más rudimentarios, las
(Me) Estoy a Marimbar (I am) Marimba-ing
En las Américas, encontramos la
Marimba mexicana, la Marimba
de Chiapas, la Marimba de Guate-
mala y la Marimba de Chonta (de
Colombia). En Asia resaltamos el
Gamelan y la Marimba moderna
japonesa.
En occidente, durante el siglo
XX, fueron creados modelos más
desenvueltos y perfeccionados,
en la perspectiva de la música
The Marimba is an idiophonic
instrument, made of tuned
wooden blades, amplified through
tubes or calabashes, that assume
the function of a resonating box.
Sometimes, in more rudimentary
models, the bars are amplified
through a hole in the ground or
simply rest on the legs of the
seated player. There are different
kinds of Marimba throughout
the world. In Africa, we find the

um buraco no chão ou apenas pousadas nas pernas do
intérprete sentado.
Existem diferentes tipos de Marimba espalhadas pelo
planeta. Em África, encontramos o Kilangay ou Xilofone
de Pernas (Bara de Madagáscar), a Mkwajungoma (Tan-
zânia), o Balafon (Guiné, Burkina-Faso, etc.), a Timbila, a
Varimba e a Mbila (Moçambique), a Dujimba e o xilofone
Silimba (Congo), o Magogodo (Malawi), o xilofone Gbeya
(República Centro-Africana). Nas Américas, encontra-
mos a Marimba mexicana, a Marimba de Chiapas, a Ma-
rimba da Guatemala, a Marimba de Chonta (Colômbia).
Na Ásia, ressaltamos o Gamelão e a Marimba moderna
japonesa.
Já no ocidente, no século XX, criaram-se modelos mais
desenvolvidos e aperfeiçoados na perspectiva da música
ocidental.
Este concerto mostra as versatilidades e diversidades da
Marimba num percurso poético, metafórico e didáctico
pelas pluralidades de um instrumento secular, desde a sua
origem até à modernidade que, assumindo nos nossos dias
um papel de ecletismo singular, é cada vez mais um elemento
indispensável do quotidiano musical.
barras son amplificadas a través
de un orificio en el suelo o apenas
colocadas en las piernas del
intérprete sentado.
Existen diferentes tipos de
Marimba difundidas por el
mundo. En África, encontramos
el Kilangay o Xilófono de piernas
(de Madagascar), la Mkwajun-
goma (de Tanzania), el Balafon
(de Guiné, Burkina-Faso, etc.),
la Timbila, la Varimba y la Mbila
(de Mozambique), la Dujimba y
el xilófono Silimba (de Congo),
el Magogodo (de Malawi) y el
xilófono Gbeya (de la República
Centro-Africana).
occidental.
Este concierto muestra las ver-
satilidades y diversidades de la
Marimba en un trayecto poético,
metafórico y didáctico por las
pluralidades de un instrumento
secular, desde su origen hasta la
modernidad que, asumiendo en
el día de hoy un papel de eclecti-
cismo singular, es cada vez más
un elemento indispensable en el
cotidiano musical.
Kilangay or Xylophone with legs
(from Madagascar), the Mkwajun-
goma (from Tanzania), the Balafon
(from Guinea, Burkina-Faso, etc.),
the Timbila, the Varimba and the
Mbila (from Mozambique), the Du-
jimba and the Silimba xylophone
(from Congo), the Magogodo (from
Malawi) and the Gbeya xylophone
(from the Central-African Repub-
lic). In the Americas, we find the
Mexican Marimba, the Marimba
from Chiapas, the Marimba from
Guatemala and the Marimba from
Chonta (from Colombia). In Asia
we highlight the Gamelan and the
modern Japanese Marimba.
In the West, already in the 20th
century, more sophisticated and
perfected models were created,
from the perspective of Western
music.
This concert shows the versatility
and diversity of the Marimba in
a poetic, metaphoric and didatic
course through the pluralities
of a centuries-old instrument,
from its origin until modernity. In
our days, the Marimba assumes
a role of singular eclecticism,
and is increasingly becoming an
essential element of musical day-
to-dayness.
 Músicas Tradicionais de Mkwajungoma, Tanzânia
Audição de Chimpwapwa Chimpwite, trava-línguas Nyembo za wadodo dos Wagogo Tanzânia
Tactus, 2003 Polo Vallejo (baseada no trava-línguas anteriormente ouvido)
Músicas tradicionais de Mbira
She who sleeps in a Small Blanket, 1985 Kevin Volans
Músicas Tradicionais Chope para Timbila
Tambores do Gana e Burúndi
Burrundi, 2005 Andres Valero-Castells
70 min. 6 intérpretes + músico convidado

Tradicional versus Actual

Tradicional versus Actual Traditional versus Contemporary

África alberga possivelmente o legado mais importante das África alberga, posiblemente,
el legado más importante de la
músicas étnicas e de tradição oral do mundo. O mundo oci- música étnica y de tradición oral
dental começou a descobrir a sua vasta produção artística de todo el mundo. El occidente
no inicio do século XX graças aos trabalhos e publicações comenzó a descubrir su vasta
producción artística al inicio del
dos antropólogos e etnomusicólogos e pouco a pouco siglo XX, gracias a los trabajos y
começou a aparecer e a consumir-se com mais frequência publicaciones de antropólogos
assim como a reproduzi-lo. y etnomusicólogos. Poco a poco
ese legado comenzó a aparecer
y a ser consumido y reproducido
Hoje qualquer artista está familiarizado, se não especiali- con más frecuencia.
zado, com o fazer cultural africano e não são excepções as
Hoy, cualquier artista está fami-
influências em compositores. liarizado con el hacer cultural
africano y no se torna rara su
influencia en compositores.
Africa holds, possibly, the most
important legacy of oral tradition
and ethnic music in the world. The
West began to discover Africa’s
vast artistic production at the
beginning of the 20th century,
thanks to the works and publica-
tions of anthropologists and
ethnomusicologists.
Nowadays, all artists are familiar-
ized with African cultural ways
and its influence on composers
is not rare.
 Steel Drumming
Steel Drumming Steel Drumming

Steel Drum… still Drumming Steel Drumming

Steel Drum…still Drumming
Drumming Metalizado
Drumming Metalizado Homenaje a José Afonso
Qué Lata de Música

Homenagem a José Afonso Steel Drumming

Steel Drumming… Still Drumming
Música com Lata Metallized Drumming
Tribute to José Afonso
Tin Music (with nerve!)
A reinvenção ajusta-se à busca e à necessidade de meta-
morfose. Enquanto banda de Steel Pan, o Drumming GP
é, simultaneamente, o mesmo e um outro. Numa forma-
ção apostada em expandir as tradicionais possibilidades
rítmicas, melódicas e harmónicas dos “Steel Drums &
Pans” (os tambores e panelas de aço originárias das Ilhas
de Trinidade e Tobago, nas Caraíbas) para territórios
menos comuns, mais contemporâneos e experimentais,
associando-os a outros instrumentos de percussão e a
alguma electrónica, o Drumming GP acrescenta pontos
aos contos.
La reinvención se ajusta a la
búsqueda y a la necesidad de una
metamorfosis. Si bien la banda
de Steel Pan, Drumming GP, es
simultáneamente, el mismo y
otro. En una formación apostada
en expandir las tradicionales
posibilidades rítmicas, melódicas
y armónicas de los Steel Drums
& Pans (los tambores y cacerolas
de acero originales de las Islas de
Trinidad y Tobago, en el Caribe)
para territorios menos comunes,
más contemporáneos y experi-
mentales, asociándolos a otros
instrumentos de percusión y a
alguna electrónica, Drumming GP
añade puntos a las historias.
The reinvention adapts to the
search and to the need for a
metamorphosis. As a Steel
Pan band, “Drumming GP” is,
simultaneously, the same and
one other. In a formation that is
set on expanding the traditional
rhythmic, melodic and harmonic
possibilities of the “Steel Drums
& Pans” (drums and pans made of
steel that come from the Islands
of Trinidad and Tobago in the Ca-
ribbean Islands) to less common
territories, more contemporary
and experimental, connecting
them to other percussion instru-
ments and to some electronics,
“Drumming GP” adds something
to the tale of steel drumming.
 Steel Factory, 2006 Luis Tinoco
Ofrande, 2001 Javier Alvarez
Nicolai’s Objection, 2005 Damien Ritcketson
Nova Peça, 2010/11 Luis de Pablo
Estudios Expressivos, 2003 Jesús Rueda
Ragg@, 2006 Rui Rodrigues
Nova Peça, 2010/11 Gerard Brophy
Seas of Steel, 2001 Michael Smetanin
75 min. 6 intérpretes

Steel Drum… still Drumming

Se as várias bandas de Steel Drum sempre procuraram Si las distintas bandas de Steel If the various Steel Drum bands
Steel Drum…still Drumming Steel Drumming… still Drumming

Drum buscaron siempre basar have always tried to base their

basear o seu reportório nas músicas tradicionais das
Caraíbas, nas diferentes adaptações de temas Pop e
Rock ou nas derivações clássicas de Bach, Mozart ou
Tchaikovsky, o Drumming GP abre ainda mais as mãos
ao ecletismo. Repensando e reinventando as formas
tradicionais destas orquestras, lança a sua visão sobre
compositores da actualidade, num programa onde
acrescenta outros instrumentos de percussão, alguns
elementos coreográficos, arriscando pisar os terrenos
da musica electrónica como parte nova do seu univer-
so sonoro.
su repertorio en las músicas
tradicionales del Caribe, en las
diferentes adaptaciones de
temas Pop y Rock o en las deriva-
ciones clásicas de Bach, Mozart
o Tchaikovsky, Drumming GP abre
aún más las manos al eclecticis-
mo. Repensando y reinventando
las formas tradicionales de estas
orquestas, lanza su visión sobre
compositores de la actualidad,
en un programa donde agregan
otros instrumentos de percusión,
algunos elementos coreográficos,
arriesgando pisar terrenos de la
música electrónica como parte
nueva de su universo sonoro.
repertoire on the traditional
music of the Caribbean Islands,
in different adaptations of Pop
and Rock songs or in classical
variations of Bach, Mozart or
Tchaikovsky, “Drumming GP”
opens its arms even more to
eclecticism. Rethinking and
reinventing the traditional forms
of these orchestras, it casts its vi-
sion on contemporary composers,
in a program where it adds other
percussion instruments, some
choreographic elements, risking
stepping onto the territories of
electronic music as part of its
new sound universe.
 Mar Pacifico 98, 2006 tradicional arr. Rui Rodrigues
Mas in May, 2006 tradicional arr. Michael Weilacher
Mambo Mindoro, 1968 Cal Tjader arr. Tony McCutchen
Psychedelic Blues, 1968/2007 Willie Bobo arr. Paulo Costa
Você Vai Ver, 1963/2008 Tom Jobim arr. Carme Garrigó
My Band, 1988/2006 Ray Holman arr. Michael Weilacher
Pedra não Enferruxa, 2006 António Sérgio
Bebë, 1973 Hermeto Pascoal
Macondo, 1992 John Paul Jones arr. Steeldrumming
Baión, 2008 tradicional arr. Carme Garrigó
Complicações@, 2006 Rui Rodrigues
Beat, 2007 João Tiago
Ragg@, 2006 Rui Rodrigues
Cantaloupe Island, 1964 Herbie Hanncock
90 min. 8 intérpretes

Drumming Metalizado

Drumming Metalizado Metallized Drumming

Os bidões pintam-se a cores fortes e o programa é festivo.
Concebido para apresentar o Drumming GP a todos os
públicos, este programa apresenta – de forma pioneira na
Península Ibérica – uma panorâmica do seu reportório mais
tradicional, constituído fundamentalmente por músicas
oriundas das Caraíbas, baseadas nos ritmos Soca e Calipso e
em arranjos de diversos temas Clássicos, da Pop ou do Jazz.
Num programa eclética e artisticamente concebido para
clubes, café-concerto, festas ou concertos de rua, também
há espaço para originais dos próprios membros do Drum-
ming GP com temas da sua autoria. A festa, garantida, é de
todos.
Los bidones se pintan de colores
fuertes y el programa es festivo.
Concebido para presentar Drum-
ming GP a todos los públicos,
este programa presenta -de
forma pionera en la Península
Ibérica- una vista panorámica
de su repertorio más tradicional,
constituido fundamentalmente
por músicas originarias del Cari-
be, basadas en los ritmos Soca y
Calipso y en arreglos de diversos
temas Clásicos, del Pop o del
Jazz. En un programa ecléctico
y artísticamente concebido para
clubes, cafés-concierto, fiestas o
conciertos de calle, también hay
espacio para originales de los
propios miembros de Drumming
GP. La fiesta, está garantizado, es
de todos.
The barrels are painted in strong
colours and the program is
festive. Conceived to introduce
“Drumming GP” to all audiences,
this program presents – in a pio-
neering fashion in the Iberian Pe-
ninsula – a panorama of its most
traditional repertoire, consisting
mainly of songs coming from the
Caribbean Islands, based on the
Soca and Calipso rhythms, and of
different arrangements of Clas-
sical, Pop, or Jazz themes. In a
program that is eclectic and that
has been artistically conceived
for clubs, concert-cafés, street
concerts or parties, there is also
space for some “Drumming GP”
members’ originals. The party is
for all, guaranteed.
 À Proa, 2007 António Sérgio
Venham mais Cinco, 2007 Rui Rodrigues
Coro dos Tribunais, 2007 Pedro Moreira
Z, 2007 Nuno Côrte-Real
Que Amor Não Me Engana, 2007 Luis Oliveira
Arcebispíada, 2007 Steel Drumming
Zeca d’Aço, 2007 Carlos Guedes
Redondo Vocábulo, 2007 Mário Laginha
Maio Maduro Maio, 2007 Vasco Mendonça
A Morte Saiu à Rua, 2007 Rui Rodrigues
Canarinho, 2007 Paulo Costa
Canção da Paciência, 2007 Paulo Costa
Índios da Meia Praia, 2007 Telmo Marques
Eu Vou Ser Como a Toupeira, 2007 Rui Rodrigues
Grândola Vila Morena, Steel Drumming, 2007 Miguel Guedes e David Sobral
85 min. 5 intérpretes + 1 vocalista (Miguel Guedes, Sofía Ribeiro, J.P. Simões)

Homenagem a José Afonso

Homenaje a José Afonso Tribute to José Afonso

“Steel Drumming toca José Afonso” é o projecto de um Steel Drumming toca José Afonso
es el proyecto de un hombre
homem de liberdade. Aparentemente, um reencontro de libertad. Aparentemente, un
com a história das canções de um País que se queria reencuentro con la historia de las
livre e se libertou. Surpreendentemente, o que se ouve canciones de un País que quería
la libertad y logró liberarse.
e vê é bem mais do que um desafio: é uma objecti- Sorprendentemente, lo que se
va intenção de ir à descoberta, de arrojo e de rigor, escucha y se ve es mucho más
de ousar cruzar culturas como José Afonso cruzou que un desafío: es una intención
objetiva de ir al descubrimiento,
gerações. Numa singular escolha dos mais emblemáticos de audacia y de rigor, de osar
e mais secretos temas do seu reportório, o Drumming GP cruzar culturas como José Afonso
reinterpreta a mundividência de um dos maiores autores cruzó generaciones. En una
singular elección de los más em-
e intérpretes da música portuguesa, correndo riscos e blemáticos y más secretos temas
correndo o mundo. Sem fronteiras. Sem receio de encontrar de su repertorio, Drumming GP
a ‘portugalidade’ numa guitarra da fado com raízes em re-interpreta la visión del mundo
de uno de los mayores autores
África, algures entre Coimbra e as Caraíbas. e intérpretes de la música
portuguesa, corriendo riesgos y
corriendo el mundo. Sin fronteras.
Sin temor de encontrar la ‘portu-
galidad’ en una guitarra de fado
con raíces en África, dondequiera
entre Coimbra y el Caribe.
“Steel Drumming plays José
Afonso” is the project of a man of
freedom. Apparently, a reunion
with the history of the songs of
a country that wanted to be free
and freed itself. Surprisingly, what
is seen and heard is a lot more
than a challenge: it is an objec-
tive intention to go in search of
boldness and rigour, of daring to
cross cultures the same way José
Afonso has crossed generations.
In a singular choice of the most
emblematic and the most secret
themes from his repertoire,
“Drumming GP” reinterprets the
worldview of one the greatest
authors and performers of Por-
tuguese music, taking chances
and taking (it to) the world.
Without borders. Without fearing
to find the “Portugalness” in a
fado guitar with roots in Africa,
somewhere between Coimbra and
the Caribbean Islands.
 Le Livre des Claviers VI, 1987/88 Philippe Manoury
Hembulli, 2008 Rui Rodrigues
Seas of Steel, 2001 Michael Smetanin
Oil, 2001 Michael Weilacher
Sede, 2006 Carlos Paredes arr. Drumming
Emotional Drumming, 2007 Lucas Palmeira
Cantaloupe Island, 1964 Herbie Hanncock
Mambo Marco, 1980 tradicional arr. Lauren Ferle
65 min. 7 intérpretes + narrador

Música com Lata

Qué Lata de Música Tin Music (with nerve!)

Um narrador e pedaços de história. História da música, Un narrador y pedazos de
historia. Historia de la música,
história das gentes. A estória de como o lixo industrial historias de la gente. La historia
petrolífero se converteu numa tradição musical de alcance de cómo el residuo industrial
global. Este é um percurso pelo Steel Drum, desde o seu petrolífero se convirtió en una
tradición musical de alcance
aparecimento nas ilhas das Caraíbas até à sua expressão global. Este es un recorrido por
actual. Com o recurso à presença de um narrador e a outros steel drum, desde su aparición
suportes, o Drumming GP interpreta um programa eclético en las islas del Caribe hasta su
expresión actual.
que ilustra musicalmente a inventiva humana ao querer Con el recurso de un narrador
transformar lixo industrial e material de guerra, negligen- y otros soportes, Drumming GP
temente deixado ao abandono, num instrumento acústico interpreta un programa ecléctico
que ilustra musicalmente la
que move massas, pacifica bairros, aviva paixões e educa na imaginación humana al querer
convivência e no espírito de solidariedade. Reutilizar bidões transformar basura industrial y
de petróleo para produzir um instrumento musical capaz material de guerra, negligente-
mente dejado al abandono, en un
de criar música viva: eis um belo exemplo de esperança na instrumento acústico que mueve
raça humana. Com narrador, porque há estórias dentro da masas, pacifica barrios, aviva pa-
história. siones y educa la convivencia y el
espíritu de solidaridad. Reutilizar
bidones de petróleo para producir
un instrumento musical capaz
de crear música viva: este es un
bello ejemplo de esperanza para
la raza humana. Con narrador,
porque hay historias dentro de
la historia.
A narrator and pieces of (hi)
story. History of music, history of
people. The story of how garbage
from the oil industry became a
musical tradition with a global
reach. This is a route through
steel drum, from its appearance
in the Caribbean Islands up to
its current expresssion. Through
the presence of a narrator and
other formats, Drumming GP
performs]an eclectic program
that musically illustrates human
inventiveness through wanting
to transform industrial garbage
and war materials, negligently
left abandoned, into acoustic
instruments that can move the
masses, pacify neighbourhoods,
revive passions and educate in
conviviality and in a spirit of soli-
darity. Reusing bidões to produce
a musical instrument capable of
creating music that is alive: now
there is a good example of hope in
the human race. With a narrator,
because there are stories within
history.
 Reciclagens
Reciclajes
Rock Metamorfose
Reciclajes Recyclings

Rock Metamorfosis
Zapping
Zapping Hard Club / Concierto en la Plaza
La Desconstrucción De La Bossa Nova

Hard Club ou Concerto na Praça Recyclings

Rock Metamorphosis
A Desconstrução da Bossa Zapping
Hard Club / Concerto on the Square
Deconstructing the Bossa Nova
Essencial num mundo materialmente finito, as reci-
clagens foram, e continuam a ser, um ponto de partida
para múltiplas criações. Vivemos hoje num denso e
povoado planeta, que se encontra num estado caótico
de sobrepreenchimento, de overdose, da saturação do
tudo num todo, de produtos excessivos, de matérias re-
petidas, de pensamentos intelectuais tendencialmente
redundantes.
Urge, neste contexto, pensar na reutilização de matéria
musical existente. Na nossa proposta, seleccionamos
para reciclagem temas da música Pop, Rock, Bossa
Nova, Flamenco, Fado, quase todos mundialmente
reconhecidos. Servirão como material base para novas
composições, novas perspectivas. Não se pretende aqui
a transcrição nem a adaptação, mas sim a exploração
de novos e singulares pontos de vista por um vasto e
heterogéneo leque de compositores que assumem aqui
a tarefa titânica de serem unos, na sua idiossincrasia,
através do processo urgente da reciclagem.
Esencial en un mundo material-
mente finito, los reciclajes fueron,
y continúan siendo un punto
de partida para múltiples creacio-
nes. Vivimos hoy en un denso y
poblado planeta, que se encuen-
tra en un estado de congestiona-
miento caótico, de overdose, de
saturación del todo en un todo, de
productos excesivos, de materias
repetidas, de pensamientos
intelectuales tendenciosamente
redundantes.
Urge, en este contexto, pensar en
la reutilización de materia mu-
sical existente. En nuestra pro-
puesta, seleccionamos para reci-
clar temas de música Pop, Rock,
Bossa Nova, Flamenco, Fado, casi
todos reconocidos mundialmente.
Servirán como material base para
nuevas composiciones, nuevas
perspectivas. No se pretende aquí
la transcripción ni adaptación,
pero sí la exploración de nuevos y
singulares puntos de vista por un
amplio y heterogéneo abanico de
compositores que asumen aquí la
tarea titánica de ser unos, en su
idiosincrasia, a través del proceso
urgente del reciclaje.
As an essential part of a materi-
ally finite world, recycling has
always been and continues to be
a starting point for multiple crea-
tions. These days we are living on
a densely populated planet that is
in a chaotic state of overcrowded-
ness, of overdose, of a general
saturation from everything, of
excessive products, repeated ma-
terials and of mainly redundant
intellectual thoughts.
In this context the thought of
reutilizing existing musical
material is compelling. For this
recycling we propose a selection
of themes from Pop music, Rock,
Bossa Nova, Flamenco and Fado,
almost all of them well-known
all over the world. They will be
our basic material for new com-
positions and new perspectives.
We do not intend a transition
or an adaptation this way, but
rather the exploration of new and
singular points of view performed
by a wide and heterogenic range
of composers that assume the
titanic task of being unified in
their idiosyncrasy by the urgent
process of recycling.
 Swing, Sing, Swing, 2002 João Pedro Oliveira
Say Beautiful, 2002 Fernando C. Lapa
Drumming the Hard Way, 2002 Carlos Azevedo
Este Pássaro não é Preto, 2002 Mário Laginha
Deep Water Music, 2002 António Chagas Rosa
Step by Step: Wolfs, 2002 António Pinho Vargas
65 min. 7 intérpretes + técnico de luz + técnico de som
Rock Metamorfose
Partindo de vários temas rock, o Drumming GP lançou Partiendo de varios temas de
Rock Metamorfosis Rock Metamorphosis
rock, Drumming GP lanzó el de-
o repto a seis compositores portugueses de trabalha- safío a seis compositores portu-
rem sobre outros tantos temas rock que, para além de gueses para que trabajaran sobre
deverem ser conhecidos pela sua referencialidade na otros temas de este estilo. Estos
temas, además de ser referencias
história do rock, deveriam ter, também, constituído en la historia del rock, también
marcos na vida de cada um deles. Assim, a ousadia do deben haber constituido marco
projecto materializou-se no trabalho sobre temas ‘clás- en la vida de cada uno de los mú-
sicos. De esta manera, la osadía
sicos’ dos Beatles, U2, Frank Zappa, Benny Goodman del proyecto se materializó en
e Steppen Wolf. Originando seis novas criações para el trabajo sobre temas ‘clásicos’
percussão. de los Beatles, U2, Frank Zappa,
Benny Goodman y Steppen Wolf,
originando seis nuevas creacio-
A glosa destes temas do conhecimento universal dos nes para percusión.
públicos ocidentais, no todo ou em parte, permite ins-
La explicación de estos temas,
taurar um jogo cúmplice de identificação e busca, de conocidos del público occidental,
reconhecimento e perda, entre as músicas e a audiência, um en todo o en parte, permite
jogo que passa pelo adivinhar, pelo fantasiar, pelo imaginar, establecer un juego cómplice de
identificación y búsqueda, de
pelo perder e pelo recuperar da identidade de cada um dos reconocimiento y pérdida entre
velhos temas na linguagem das novas obras. las músicas y la audiencia; un
juego que pasa por el adivinar, el
fantasear, el imaginar, el perder
Este jogo alicerça subtilmente um espectáculo de extraor- y por el recuperar la identidad de
dinária fusão e desconstrução dos dogmas ligados à criação cada uno de los viejos temas en el
musical e à sua compartimentação em géneros dissociados, lenguaje de nuevas obras.
estabelecendo ainda um tão peculiar quanto invulgar envol- Este juego basa sutilmente un
vimento do público. espectáculo de extraordinaria
fusión y deconstrucción de los
dogmas unidos a la creación
musical y el compartimiento de
géneros disueltos, estableciendo
también una tan peculiar como
inusual participación del público.
With several rock songs as point
of departure, Drumming GP
has challenged six Portuguese
composers to work on six rock
songs. These, besides being refer-
ence songs in the history of rock,
should also be important refer-
ences in the lives of each one of
the musicians. Thus, the boldness
of the project materialized in the
work on “classic” songs from the
Beatles, U2, Frank Zappa, Benny
Goodman and Steppen Wolf,
giving rise to six new percussion
compositions.
The gloss of these songs,
completely or partly known to
Western audiences, allows for a
complicit game of identification
and searching, of recognition and
loss between the songs and the
audience; a game that concists of
guessing, fantasising, imagining,
losing and recovering the identity
of each one of the old songs in the
language of the new works.
This game subtly cements a
show of extraordinary fusion and
deconstruction of the dogma
regarding musical creation and
regarding compartmentaliza-
tion into separate genres, still
establishing a very peculiar
and unusual involvement of the
audience.
 Drumming the Hard Way, 2007 Carlos Azevedo
PopCisum, 2006/7 Pedro Amaral
Many Z Sounds, 2006/7 Nuno Rebelo
60, 2006/7 @c: P. Tudela & M. Carvalhais
Free Pink Noise, 2006 Vitor Rua
The Salvador Dali Secret Chord Progression, 2006 Oscar Bianchi
Se Acercó y le Mordió, 2007 Javier Arias
Love Boat, 2006/7 Nuno Rebelo
Bad Shape, 2006/7 Nuno Rebelo
The End of The World, 2006/7 Nuno Rebelo
Joezzap, 2006 Rui Rodrigues
75 min. 7 intérpretes, técnico de luz, técnico de som
Zapping
“A percussão possui na sua essência sonora uma vitalidade “La percusión posee en su esen-
cia sonora una vitalidad que los
que os outros instrumentos não têm. Ela tem um aspecto otros instrumentos no tienen. Ella
vivo, um aspecto sonoro que é mais espontâneo e imediato” tiene un aspecto vivo, un aspecto
dizia Francis Vincent Zappa, (1940-1993). Esta peculiaridade sonoro que es más espontáneo e
inmediato” decía Francis Vincent
observada por Zappa e o belíssimo legado musical da obra Zappa, (1940-1993). Esta pecu-
que nos deixou, inspiraram este novo projecto do Drum- liaridad observada por Zappa y
ming GP que convidou diversos compositores a plasmarem el bellísimo legado musical de la
obra que nos dejó inspiraron este
em peças para percussão, o seu olhar sobre o músico norte- nuevo proyecto de Drumming GP
americano, formando uma soirée zapping com todas elas.
que invitó diversos compositores
a plasmar en piezas para la per-
cusión su visión sobre el músico
Oriundo do mundo do rock, Zappa apresenta peculia- norte-americano, formando una
ridades muito próprias. Admirador de John Cage, Igor soirée ‘zapping’ con todas ellas.
Stravinsky e Anton Webern, a influência de Edgar Varèse
Oriundo del mundo del rock,
encontra-se bem patente no trabalho orquestral de ambos Zappa presenta una peculiaridad
e no papel reservado à percussão que se sobrepõe ao resto propia. El músico era admirador
da orquestra, numa forte construção rítmica e de métricas de Cage, Stravinsky y Webern, así
como de Varèse, cuya influencia
complexas. Líder da sua banda, explorador insaciável se encuentra bien patente en su
nos mais variados campos e estilos, sem nunca se deixar trabajo orquestal, en especial por
aprisionar em nenhum deles, do clássico ao rock, do jazz el papel reservado a la percusión,
que se superpone al resto de la
ao blues, Zappa, que chegou a compor para o emblemático orquesta, en una fuerte cons-
Ensemble Moderne, de Frankfurt, evidenciou, acima de trucción rítmica y de métricas
tudo, compromisso decidido e inabalável com a sua arte. complejas. Líder de su banda y
explorador insaciable en los más
É isso que o torna tão inimitável e, simultaneamente, tão variados campos y estilos – del
impossível de captar pelos cânones pré-estabelecidos de clásico al rock, del jazz al blues –,
toda a estirpe de rótulos e catalogadores. pero sin nunca dejarse capturar
en ninguno de ellos, Zappa,
que llegó a componer para el
emblemático Ensemble Moderne,
de Frankfurt, evidenció, por
encima de todo, un compromiso
decidido y firme con su arte. Es
eso que lo torna tan inimitable y,
simultáneamente, tan imposible
de captar por las reglas pre-
establecidas de toda la estirpe de
rótulos y catalogadores.
“Percussion possesses in the
essence of its sound a vitality
that other instruments lack. It has
an alive aspect to it, a sonorous
aspect that is more spontane-
ous and immediate” said Francis
Vincent Zappa, (1940-1993). This
particularity noted by Zappa and
the beautiful musical legacy of
the work he left us have inspired
this new Drumming GP project. In
Zapping Zapping
it, several composers were invited
to meld in percussion pieces their
perspective on North American
musician and a “zapping” is
formed with all of them.
Coming from the universe of rock,
Zappa presents very specific pe-
culiarities. He was an admirer of
Cage, Stravinsky and Webern, as
well as of Varèse, whose influence
is quite present in his orchestral
works, as well as in the role
reserved for percussion, which
overlaps that of the rest of the
orchestra, in a strong rhythmic
construction and complex met-
rics. Leader of his band and insa-
tiable explorer of different styles
and fields – from classical to
rock, from jazz to blues –, without
ever letting himself be trapped
in any of them, Zappa, who got
to compose for the emblematic
Ensemble Moderne of Frankfurt,
has revealed, above all, a decisive
and unshakeable commitment to
his art. That is what makes him
so impossible to immitate and, at
the same time, so impossible to
capture by the pre-established
canon of all kinds of labels and
classifications.
 Onphalo Centric Lecture, 1984 Nigel Westlake
Safári, 1984 Mike Mainieri
Fiesta, 1969 Chick Corea
Peaches in Regalia, 1969/2007 Frank Zappa/Telmo Marquez
Oberture-Finale, 1985 Emmanuel Sejourné
Peaux (das Pléïades), 1978 Iannis Xenakis
Joezzap, 2006 Rui Rodrigues
75 min. 9 intérpretes

Hard Club ou Concerto na Praça

Hard Club / Concierto en la Plaza Hard Club / Concerto on the Square

Mesmo aquelas pessoas que nunca ouviram falar de
uma marimba ou um gongo ficarão cativadas.
Programa pensado para ser apresentado não só em tea-
tros e auditórios mas também em bares e discotecas ou
mesmo em esplanadas, praças ou outros palcos ao ar
livre. Associando harmoniosamente componentes mu-
sicais étnicas e urbanas, de vanguarda e tradicionais,
este programa é formado por um conjunto de peças de
diferentes quadrantes estéticos, dando origem a uma
‘collage’ que recicla o nosso repertório com suficente
impacto para prender todos os públicos.
Incluso aquellas personas que
nunca escucharon hablar de una
marimba o de un gong quedarán
cautivadas.
Este programa fue pensado
para ser presentado no sólo
en teatros y auditorios sino
también en bares, discotecas y
hasta en terrazas, plazas u otros
escenarios al aire libre. Asociando
armoniosamente componentes
musicales étnicos y urbanos, de
vanguardia y tradicionales este
programa está formado por un
conjunto de piezas de diferentes
cuadrantes estéticos, dando
origen a un ‘collage’ que recicla
nuestro repertorio con suficiente
impacto para atrapar a todos los
públicos.
Even those people who have never
heard of a marimba or a gong will
be captivated.
A programme that is conceived to
not only be presented in theatres
and auditoriums, but also in bars,
discos or even in street cafés, on
squares or other open-air stages.
Harmonically connecting ethnic,
urban, vanguard and traditional
music components, this program
consists of a set of pieces that
derive from different aesthetic
backgrounds and that give birth to
a “collage” that recycles our rep-
ertoire with enough of an impact
to capture all of our audience.
 Zoom In Zoom Out, 2009/10 Luís Tinoco
Caldo de Bossa, 2009 Chico Mello
Ingá, 2009/10 Andreia Pinto-Correia
Bossa Destruction, 2009 Jeff Davis
Rebossando, 2009 Marlos Nobre
Mancomaracatu, 2009 Arrigo Barnabé
Bossa Drummimng, 2009 Santiago Lanchares
70 min. 5 intérpretes
A desconstrução da Bossa
A desconstrução pensada como processo compositivo abre La desconstrucción pensada
como um proceso compositivo
um leque de combinações sem fim. Este princípio de cria- abre un abanico de combina-
ção é tão diverso e importante, que em todas as variantes ciones infinitas. Este principio
da arte e até na culinária há vários exemplos bem sucedidos de creación es tan diverso e
importante que en todas las
da sua utilização. variantes del arte y hasta en la
concina de autor hay ejemplos de
No Drumming, lançamos a proposta da desconstrução de su utilisación.
uma música muito divulgada e apreciada em toda a face do El Drumming GP lanza la pro-
planeta.
puesta de la desconstrucción de
una música conocida y apreciada
mundialmente.
Vamos ao  Brasil: as suas palavras, os seus músicos, os seus
ritmos – Samba, Bossa Nova, Frevo, Maxixe, Choro, Baião Vamos a Brasil: sus palabras, sus
maracatu, Ciranda, Milonga e Rítmos Afrobaianos, como músicos, sus ritmos – Samba,
Bossa Nova, Frevo, Maxixe, choro,
Ljexá, Agueré, Alujá, Barravento, Maculelê, entre outros. baião maracatu, ciranda, milonga,
Nova Bossa é “novo ritmo”, “novas composições”… mas é-o y ritmos afrobaianos, como Ijexá,
ainda hoje? Agueré, Alujá, Barravento, Macu-
lelê, entre otros.
Sim, os ritmos brasileiros e suas fascinantes melodias Nova Bossa es “nuevo ritmo”,
têm sido fonte de inspiração permanente para tantos e tão “nuevas composiciones”. Pero, ¿lo
será todavía hoy?  Sí, los ritmos
variados compositores dos nossos dias, que constituem brasileños y sus fascinantes
por si só um património musical de excepção. Uma fonte melodías han sido fuente de
inesgotável de vida e de história, habilmente susceptível inspiración de tantos y variados
compositores que constituyen,
de poder mexer com as sensibilidades de grandes massas por sí solos, un patrimonio musi-
ou com as minuciosas inspirações de compositores mais cal que es una fuente inagotable
serialistas, espectralistas ou de qualquer outra corrente da de vida y de historia, hábilmente
susceptible de poder con-mover
tradição erudita. hasta los compositores mas
serialistas o espectralistas o de
Compositores  do Brasil, Portugal, e não só, partirão de te- cualquiera otra corriente. Compo-
sitores de Brasil, Portugal, y otros
mas da Música Popular Brasileira. Destes, uns são mundial- orígenes, partirán de temas de la
mente conhecidos, outros, mais tradicionais e escondidos Música Popular Brasileña mun-
dos olhares comuns, ou então simplesmente de um ritmo, dialmente conocidos, u otros más
tradicionales y escondidos de las
de uma célula, de uma melodia, de um poema... miradas comunes, o simplemente
Um novo olhar, Nova Bossa. de un ritmo de una célula de una
melodía de un poema….
Una nueva perspectiva, Bossa
Nova.
Deconstruction conceived as a
process for composing opens up
an array of endless combinations.
This principle of creation is so
diverse and important that in all
artistic variants – and even in
culinary art – we have several
successful examples of its use.
In Drumming we now put foward
the proposal of a kind of music
La Desconstrucción De La Bossa Nova Deconstructing the Bossa Nova
which is very well-known and
appreciated world-wide.
We go to Brasil: its words, its
musicians, its rhythms  – Samba,
Bossa Nova, Frevo, Maxixe, Choro,
Baião  Maracatu, Ciranda, Milonga
and Afrobahian  rhythms like
Ljexá, Agueré, Alujá, Barravento,
Maculelê, among others.
Nova Bossa is “new rhythm”,
“new compositions”. But is it still
today? Yes, it is. The Brazilian
rhythms and their fascinating
melodies have been such a source
of inspiration for so many and
such differing composers, that
these on their own already are a
musical heritage. An inexhaust-
ible source of life and history, in
a skilful way capable of moving
the most serialist or spectralist
or composers of any other line,
actually. Composers from Brazil,
Portugal and other countries take
themes from Brazilian Popular
Music as a starting point. Of
these themes, some are know
world-wide; others are more
traditional themes that have been
less present in the eyes of the
general public; and others still
are simply a rhythm, of a cell, of a
melody, of a poem...
A new look at Nova Bossa.
 Músicas Cénicas
Quarto para Quatro Cuarto Para Cuatro
Músicas Escénicas Scenic Music

Trifásico
Pas De Cinq
Trifásico A La Limpieza
Caja De Música

Pas de Cinq Unreal

Technicolor

Tô Limpeza Room for Four

Three Phase

Caixa da Música Pas de Cinq

Neat
Music Box
Unreal Unreal
Technicolor

Technicolor
Dissociar a força expressiva da percussão das artes céni-
cas é tarefa difícil. É no gesto que cada nota encerra, no
movimento imprevisto que produzir o som implica, na
expressão coreográfica que daqui resulta, que se rece-
bem e se narram estas músicas que também são para
ser vistas. É um salto, ou um assalto, às outras artes de
palco: a dança, o teatro. Talvez simbioses tão inatas que
nos seus limites se ultrapassem para entrar num outro
âmbito dimensional.
Disociar la fuerza expresiva de la
percusión de las artes escénicas
es una tarea difícil. Es en el gesto
que cada nota encierra, en el mo-
vimiento imprevisto que implica
producir el sonido, en la expresión
coreográfica que de aquí resulta,
que se reciben y se narran éstas
músicas y que también son para
ser vistas. Es un salto, o un asalto,
a las otras artes escénicas: la
danza, el teatro… Quizá simbiosis
tan innatas que sus límites se
traspasen para entrar en otro
ámbito dimensional.
To dissociate the expressive
strength of the percussions from
the scenic arts is a difficult thing
to do. It is in the gesture involved
in each note, in the unexpected
movement that implies the pro-
duced sound, in the choreography
that emerges here, that these
pieces of music, which should
be seen as well, are born and
told. It is a leap at or perhaps an
attack on the other arts on stage:
dance and theatre. Maybe these
symbioses are so innate that they
enter another dimensional ambit
once they have transcended their
limits.
 Quarto para Quatro, 2001 Emanuel Sejourné
60 min. 4 intérpretes + som + luz
Criação: Emanuel Sejourné
Direcção artística: Miquel Bernat
Desenho de som: José Prata
Desenho de luz: David Sobral
Quarto para Quatro
Espectáculo lúdico-músico-teatral que nos conta a
história mais ou menos imaginária de um dia na vida
de quatro percussionistas. Sem quase recorrer às
palavras a sucessão de sketches desenha aproximações
à mimodramática ou à pantomina, outras vezes roça
o absurdo e o surreal, ficando, noutros momentos,
ainda, pelo puramente musical. Toda a sequência vive
da interpretação dos quatro músicos em palco – e não
só – tem humor, tem lirismo, tem imaginação.
Um espectáculo que, especialmente destinado a públi-
cos de crianças e jovens, não deixa, porém, de seduzir
os adultos, com o seu humor cénico-musical
Cuarto Para Cuatro Room for Four
Espectáculo lúdico-musical-
teatral que nos cuenta la historia,
más o menos imaginaria, de un
día en la vida de cuatro percu-
sionistas. En serie de scketches,
sin casi darle uso a las palabras,
se diseñan aproximaciones a la
mimodramática o a la pantomima;
la obra roza lo absurdo y lo irreal,
quedando, en otros momentos,
por lo puramente musical. Toda la
secuencia vive de la interpreta-
ción de los cuatro músicos en
escena, y no sólo. Tiene humor,
tiene lirismo, tiene imaginación.
Un espectáculo que, siendo espe-
cialmente destinado a públicos
infantiles y juveniles, no deja, sin
embargo, de seducir a los adultos
con su humor escénico-musical.
A playful-musical-theatrical show
that tells us the sort of imaginary
tale of a day in the life of four
percussion players. In the suc-
cession of sketches, almost never
resorting to words, approxima-
tions to miming and pantomime
are drawn; the work touches the
absurd and the surreal, in other
moments having purely musical
parts. The whole sequence lives
through the performance of the
four percussion players on stage,
and more. It has humor, it has lyri-
cism, it has imagination.
A show that, although specially
designed for children or young au-
diences, also seduces the adults
through its scenic-musical humor.
 Les Guetteurs de Sons, 1981 Georges Aperghis
ADKOM, 2002 Edmund Campion
Sol de Invierno, 2001 David del Puerto
6 músicos, Mezzo Soprano e Barítono
Direcção cénica: António Pires
Cenografia: João Mendes Ribeiro
Figurinos: Bernardo Monteiro
Video: Sara Botelho
Som: Suse Ribeiro
Luz: Emmanuel Pereira
Produção TNSJ e Drumming
Trifásico
Cena, interpretação e música. Três elementos que a partir Escena, interpretación y música.
Tres elementos que a partir de
de tres universos sonoros distintos, criados por três compo- tres universos sonoros distintos,
sitores contemporâneos explodem em várias direcções: creados por tres compositores
contemporáneos, explotan en
varias direcciones:
A peça de teatro musical do francês Georges Aperghis tão
sugestiva na intensidade ‘sonora’ do gesto. La pieza de teatro musical del
francés G. Aperghis, tan sugestiva
en la intensidad “sonora” del
A Peça ADKOM – “A Diferent Kind of Measure”, do norte- gesto.
americano Edmund Campion que explora, com ajuda do
computador e de um software especificamente criado para La pieza ADKOM - “A Diferent Kind
of Measure”, del norte-americano
a composição, complexos mapas de tempos que transfor- Edmun Campion, que explora,
mam em autómatas aos intérpretes e serve para juntar-se con la ayuda de un computador y
em simbiosis ao pré-cinema de Eadweard James Muybrid- de un software específicamente
creado para la composición,
ge. complejos mapas de tiempos que
transforman los intérpretes en
A ópera de câmara num acto, “Sol de Invierno”, com libreto autómatas; sirve para juntarse,
en simbiosis, al pre-cinema de
e música do espanhol David del Puerto, que baseando-se Eadweard James Muybridge.
no drama final da peça teatral Espectros de Henrik Ibsen
cria esta original partitura para dois cantores e percussão La ópera de cámara en un acto
“Sol de Invierno”, con libreto y
melódica (a base de marimbas, vibrafones e steel drums), música del español David del
para expressar toda a força do drama contraditório e frio da Puerto, basándose en el drama fi-
eutanásia pedida e implorada pelo filho a sua mãe que lhe nal de la pieza teatral Espectros,
de Henrik Ibsen, crea esta original
deu a vida. partitura para dos cantantes y
percusión melódica (a base de
A química expectante da junção dos elementos é o segredo marimbas, vibráfonos y steel
drums). Logra expresar toda la
inominável destas artes colectivas. fuerza del drama contradictorio
y frío de la eutanasia, implorada
por el hijo a su madre.
La química expectante de la unión
de los elementos es el secreto
innominable de estas artes co-
lectivas.
Scene, performance and music.
Trifásico Three Phase
Three elements which, coming
from three distinct sound uni-
verses, created by three contem-
porary composers, explode into
various directions:
The musical theatre piece by the
Frenchman G. Aperghis, so sug-
gestive in the ‘sonorous’ intensity
of the gesture.
The ADKOM Piece - “A Different
Kind of Measure”, from the North
American Edmund Campion,
that explores, with the aid of the
computer and software specifi-
cally created for the composi-
tion, complex maps of time that
transform the performers into
automatons; serving to join, in
symbiosis, Eadweard James
Muybridge’s pre-cinema.
The chamber opera in a single
act, “Sol de Invierno” (Winter
Sun), with music and libretto by
David del Puerto (who is Spanish),
based on the final drama of the
play Spectres, by Henrik Ibsen,
creates this original score for two
singers and melodic percus-
sion (consisting of marimbas,
vibraphones and steel drums). It
manages to express the entire
force of the cold and contradic-
tory drama of euthanasia, as the
son begs his mother for it.
The expecting chemistry of the
joining of elements is the unnam-
able secret of these collective arts.
 Pas de Cinq, 1965 Mauricio Kagel
Rrrrr…, 1981 Maurico Kagel
Dressur, 1977 Mauricio Kagel
70 min. 6 intérpretes
Direcção cénica: Nuno Cardoso
Produção TNSJ e Drumming
Pas de Cinq
Pas De Cinq Pas de Cinq
A desconstrução do conceito de concerto, pela mão de um La deconstrucción del concepto
por la mano de un pionero y
pioneiro e dos mais interessantes compositores da corrente uno de de los más interesantes
da música teatral, Maurício Kagel. compositores de la corriente de la
música teatral – Mauricio Kagel.
Em Dressur, Pas de Cinq e Rrrrrr…, o humor, a sátira, o En Dressur, pas de cinq e rrrrr…-
drama, o insólito, compõe uma trama musical imperdível el humor, la sátira, el drama, lo
em que os percussionistas são os actores, os cenários são insólito, componen una trama
musical imperdible en que los
instrumentos, e de repente tudo pode acontecer… percusionistas son los actores,
los escenarios son instrumen-
“Sou difícil de imitar.” tos y, de repente, todo puede
suceder…
Mauricio Kagel
“Soy difícil de imitar”
“La situation de la musique contemporaine rappelle celle des Mauricio Kagel
fruits et légumes. On trouve désormais les fruits d’été en hiver et “La situation de la musique
vice versa…Les grandes surfaces ont mis la main sur la création contemporaine rappelle celle des
musicale comme on cueille les bananes vertes. Ca efface les fron- fruits et légumes. On trouve désor-
mais les fruits d’été en hiver et
tières et les points de repère.” vice versa…Les grandes surfaces
Mauricio Kagel ont mis la main sur la création
musicale comme on cueille les
bananes vertes. Ca efface les
frontières et les points de repère”
Mauricio Kagel
The deconstruction of the con-
cept of a concert at the hand of
a pioneer and of one of the most
interesting composers of the
theatrical music trend – Mauricio
Kagel.
In Dressur, pas de cinq and
rrrrrr…, humour, satire, drama,
and the unusual concoct a must-
see musical plot in which the
percussion players are the actors,
the scenery are the instruments
and, all of a sudden, anything can
happen...
“I am difficult to imitate” Mauricio
Kagel
“La situation de la musique
contemporaine rappelle celle des
fruits et légumes. On trouve dé-
sormais les fruits d’été en hiver et
vice versa…Les grandes surfaces
ont mis la main sur la création
musicale comme on cueille les
bananes vertes. Ca efface les
frontières et les points de repère”
Mauricio Kagel
 Tô Limpeza, 2004 Dalga Larrondo
60 min. (ou 50min. na versão para escolas ou crianças)
6 intérpretes + técnico de luz + técnico de som.
Cenografía e encenação: Dalga Larrondo
Direcção Musical: Miquel Bernat e Dalga Larrondo
Produção TNSJ, FITEI e Drumming
Tô Limpeza
Espectáculo de sensibilização – e educação – sobre o meio Mostrar conciencia – y educación
– para el medio ambiente y
ambiente e derivações: a higiene, a atitude de limpar e derivados; la higiene, la actitud de
transformar, de reciclar. limpiar y transformar, de reciclar.
“Tô Limpeza”, “Tô limpo”, expre-
‘To Limpeza’, ‘To limpo’, expressões utilizadas pela popu- siones utilizadas por la población
lação de baixa renda para informar que não carregam ne- de baja renta para informar que
nhum tipo de droga ou não possuem ficha na polícia. Estar no llevan ningún tipo de droga o
que no poseen ficha en la policía.
limpo, neste caso, vai mais além de haver tomado banho, Estar limpio, en este caso, va
escovando os dentes ou lavando as mãos, mas sobretudo más allá de no haberse bañado,
estar de acordo a certas regras sociais. cepillado los dientes o lavado
las manos; es sobre todo estar
de acuerdo con ciertas reglas
O lixo e consequentemente sua limpeza compete à socie- sociales.
dade actual. O problema do lixo nasce no momento em que
La basura y, consecuentemente,
se coloca algo fora de lugar, algo que não se adapta, não se su limpieza le corresponden a la
inclui, não compartilha relações com a natureza. Constan- sociedad actual. El problema de
temente o homem produz lixo, isto é, produz materiais la basura nace en el momento en
que se coloca algo fuera de su lu-
inorgânicos e orgânicos, gazes, líquidos que não partici- gar, algo que no se adapta, no se
pam do eco sistema ou enfim, agridem o meio ambiente. incluye, no comparte relaciones
Constantemente vemos uma atitude relaxada do ser huma- con la naturaleza. Constante-
mente el hombre produce basura,
no sobre as possíveis consequências futuras do problema Esto es, produce materiales
‘lixo’ no nosso planeta. Cada um é responsável sobre o lixo inorgánicos y orgánicos – gases,
que produz. A terra é nossa casa, e provavelmente será de líquidos – que no participan del
ecosistema o dañan el medio
nossos filhos, netos, etc… A mudança de nossa atitude é ambiente. Constantemente,
e será o melhor exemplo para aqueles que irão continuar vemos una actitud relajada del
vivendo neste planeta. ser humano sobre las posibles
consecuencias futuras del
problema “basura” en nuestro
As músicas e as encenações interagem durante o show, planeta. Cada uno es responsable
dando sequência na organização dos instrumentos que sobre los residuos que produce.
La tierra es nuestra casa, y proba-
pouco a pouco são retirados da montanha de lixo que se blemente será de nuestros hijos,
encontra no centro do palco. nietos, etc… El cambio de nuestra
actitud es, y será, el mejor ejem-
plo para aquellos que continuaran
viviendo en este planeta.
Las músicas y las escenas inte-
raccionan durante el show, dando
secuencia a la organización de los
instrumentos que, poco a poco,
son retirados de la montaña de
basura que se encuentra en el
centro del escenario.
Show intending to raise aware-
ness – and educate – regarding
environmental and related issues;
hygiene, attitudes towards clean-
ing and transforming garbage,
recycling.
“Tô Limpeza” (Neat) and “Tô
limpo” (Clean), are expressions
used by low-income popula-
tions to make clear that they are
not carrying any kind of drug or
A La Limpieza Neat
that they do not have any police
record. Being clean, in this case,
goes beyond having had a bath,
brushed the teeth or washed the
hands; it is mainly being in accord
with certain social rules.
Garbage and, consequently,
cleaning it up is part of contem-
porary societies. The garbage
problem comes to be the mo-
ment something is misplaced,
something cannot adapt, cannot
be included and cannot share a
relation with nature. Humankind
constantly produces garbage, i.e.
produces organic and inorganic
materials – gas, liquids – that are
not part of the ecosystem or that
harm the environment. Constantly
we observe human beings’ relaxed
attitude regarding the potential
future consequences of the
“garbage” problem for our planet.
Each one is responsible for the
garbage one produces. Earth
is our home, and most likely, it
will be the home of our children,
grandchildren, etc... Changing
attitudes is the best possible ex-
ample for those who will continue
to inhabit this planet.
The music and staging interact
during the show, giving a
sequence to the organization of
the instruments that, slowly, are
removed from the pile of garbage
that occupies the centre of the
stage.
 1ª parte: Caixa da Música
1. Introdução
2. O exibicionista
3. O telúrico
4. O místico
5. O lírico
6. O peregrino (ou exílio)
7. Final
Caixa da Música
Dodecafonismo, serialismo, rock, jazz, géneros popu-
Caja De Música Music Box
lares: nada é estranho ao compositor Arrigo Barnabé,
um dos expoentes máximos da música brasileira das
últimas décadas e mestre absoluto na conjugação das
invenções formais da vanguarda com os códigos da
cultura pop. Especialmente composto para esta co-
produção que volta a aliar Drumming GP e TNSJ, Caixa
da Música é bem mais do que um encontro há muito
aguardado, e que se tornou irrenunciável após a estreia
do génio ‘paulista’ nos palcos nacionais em 2004, no
âmbito do ciclo Portugofonia, essa pequena amostra do
imenso Brasil teatral e musical.
Arrigo Barnabé + Miquel Bernat + Ricardo Pais: juntos
desenharam o dispositivo de um divertimento, o enredo
de um espectáculo centrado no exibicionismo da perfor-
mance musical, concerto sobre a luta pelo poder cénico!
Com cenografia de João Mendes Ribeiro, Caixa da Música
encaixota os percussionistas do Drumming GP para fazer
deles intérpretes de um jogo de ocultações e desvendamen-
tos, mas também personagens de teatro que procuram uma
libertação.
2ª parte: Out of Cage
1. As maracas dançam
2. Liberação
3. Céu
4. Música no abismo
5. Os trovões também
6. Rosa dos ventos
7. Luz
8. As antenas recebem
9. Alegria
70 min. 5 intérpretes
Encenação: Ricardo Pais
Cenografía: João Mendes Ribeiro
Direcção Musical: Miquel Bernat
Produção TNSJ e Drumming
Dodecafonismo, serialismo, rock,
jazz, géneros populares: nada es
extraño para el compositor Arrigo
Barnabé, uno de los exponentes
máximos de la música brasilera
de las últimas décadas y maestro
absoluto en la conjugación de los
inventos formales de la vanguar-
dia con los códigos de la cultura
pop. Especialmente compuesto
para esta co-producción que
vuelve a unir Drumming y TNSJ,
Caja de Música que es mucho
más que un encuentro esperado
hace mucho tiempo, que se tornó
irrenunciable después del estreno
del genio ‘paulista’ en los esce-
narios nacionales en 2004, en el
ámbito del ciclo Portugofonia, esa
pequeña muestra del inmenso
Brasil teatral y musical.
Arrigo Barnabé + Miquel Bernat
+ Ricardo Pais: juntos diseñaron
el dispositivo de una diversión,
el enredo de un espectáculo
centrado en el exhibicionismo
del performance musical – un
concierto sobre la lucha por el
poder escénico! Con escenografía
de João Mendes Ribeiro, Caja de
Música encaja los percusionis-
tas de Drumming para hacer de
ellos intérpretes de un juego de
ocultaciones y revelaciones, pero
también personajes de teatro que
buscan una liberación.
2008
Dodecaphonism, serialism, rock,
jazz, popular genres: noth-
ing is foreign to the composer
Arrigo Barnabé, one of the top
exponents of Brasilian music in
the past decades and an absolute
master in combining vanguard-
ist formal inventions with the
codes of pop culture. Specially
composed for this co-production
that once again brings together
Drumming and TNSJ, Caixa da
Música (Music Box) is a lot more
than a long-awaited reunion that
became irrefusable after the first
presentation of the genius from
São Paulo on Portuguese stages
in 2004, within the Portugofonia
(Portugophony), a small sample
of the immense Brasilian theatre
and musical production world.
Arrigo Barnabé + Miquel Bernat
+ Ricardo Pais: together they
designed the apparatus for a
light and entertaining musical
composition, the plot of a show
centered on the exhibitionism of
musical performance – a concert
about the struggle over scenic
power! With scenography by
João Mendes Ribeiro, Caixa da
Música (Music Box) boxes in the
Drumming percussion players to
make them the performers of a
hiding and showing game, as well
as characters of a play who are
seeking liberation.
 Composição e direcção musical: Bernardo Sassetti
Bernardo Sassetti: Piano e Percussão
Drumming: 6 instrumentistas de percussão, dir. Miquel Bernat
Perico Sambeat: Saxofones e flauta
Rui Rosa: Clarinete
Alexandre Frazão: Bateria e percussão
José Salgueiro: Bateria e percussão
A música de uma história; a história de uma música (ou La música de una historia; la his-
toria de una música (o viceversa)
vice-versa).
El proyecto Bernardo Sassetti +
O projecto Bernardo Sassetti + Drumming GP, intitulado Drumming, titulado Unreal, surge
con la idea base de reunir varios
Unreal, surge com a ideia base de reunir vários instrumen- instrumentos de percusión – or-
tos de percussão – orquestral e étnica – numa sequência questal y étnica – en una secuen-
musical baseada em padrões rítmicos e tendo como tema cia musical basada en patrones
rítmicos y teniendo como tema
principal (ou guião) uma história insólita, de humor principal (o guión) una historia
satírico, sobre o universo da música e das experiências insólita, de humor satírico, sobre
científicas na península de Quasi-Algures. el universo de la música y de las
experiencias científicas en la
península de Quasi-Algures.
As personagens que se cruzam ao longo da narrativa serão
ilustradas por inúmeros instrumentos de percussão e Los personajes que se cruzan
a lo largo de la narración serán
alguns solistas convidados. Da mesma forma, todos os ilustrados por innumerables
desenvolvimentos circunstânciais da história serão repre- instrumentos de percusión y
sentados pelos vários ritmos compostos para este projecto algunos solistas invitados. De
la misma manera, todos los
– ainda que, por vezes, possam ter um carácter abstracto. desarrollos circunstanciales de
la historia serán representados
Este projecto tem como primeiro objectivo o encontro de por los varios ritmos compuestos
por este proyecto – aunque, por
músicos de diferentes áreas e a procura de uma nova abor- momentos, puedan tener algún
dagem musical dentro do meu percurso como compositor. carácter abstracto.
Tenho também este sonho que é desafiar os músicos de tra-
Este proyecto tiene como primer
dição clássica a improvisarem dentro do contexto musical objetivo el encuentro de músicos
previamente escrito. de diferentes áreas y la búsqueda
de un nuevo abordaje musical
dentro de mi recorrido como com-
Para além do CD Unreal, editado pela Clean Feed em positor. Tengo también este sueño
Outubro de 2006, existirão dois suportes principais de que es desafiar a los músicos de
forma a complementar história: um livro intitulado Unreal tradición clásica para improvisar
dentro del contexto musical.
– Sidewalk Cartoon e um documentário homónimo – com as
imagens do livro em movimento, animação, música espe- Más allá del CD Unreal, editado
cialmente composta para o efeito e as vozes de dois princi- por la Clean Feed a mediados
de Octubre de 2006, existen dos
pais narradores e, também, alguns momentos sonoros dos soportes principales para comple-
músicos, registados durante as gravações do CD. mentar la historia: un libro titulado
Unreal – Sidewalk Cartoon y un
documentario homónimo – con las
imágenes del libro en movimiento,
animación, música especialmente
compuesta para el efecto y las vo-
ces de dos principales narradores
y, también, algunos momentos so-
noros de los músicos, registrados
durante las grabaciones del CD.
Participação especial de Indumentária (mascote do grupo):
Beatriz Batarda
Vídeo: Concepção de B. Sassetti, animação de Filipe Alçada
Livro: Fotografia, patchwork, história e texto de B. Sassetti
Editora: Quasi, direcção Jorge Reis Sá, Dezembro 2006
Unreal
The music of a (hi)story; the (hi)
story of a music (or vice-versa)
The Drumming + Bernardo Sas-
setti project, entitled Unreal,
comes from the underlying idea of
getting together several percus-
sion instruments – both ethnic
and orchestral – in a musical
sequence based on rhythmic
patterns and that has as main
Unreal Unreal
theme (or script) an unheard-of
story, of satirical humour, about
the universe of music and the
scientific experiments in the
Quasi-Somewhere peninsula.
The characters who cross each
other’s paths along the narrative
will be illustrated by several
percussion instruments and some
invited solo players. In the same
way, all the circumstantial devel-
opments of the story will be pre-
sented by the different rhythms
composed for this project – even
though, sometimes, they may
have an abstract character.
The first objective of this project
is to allow for the meeting of
musicians coming from different
areas and the search for a new
musical approach within my
course as a composer. It is also
my dream to challenge musicians
from a classical tradition to
improvise inside the previously
written musical context.
Besides the Unreal CD, published
by Clean Feed in mid-October
2006, there are two other main
formats supplementing the story:
a book entitled Unreal - Sidewalk
Cartoon and a documentary with
the same name – with the images
from the book moving, animated,
music that was specially com-
posed for it and the voices of two
main narrators, as well as some
sound moments from the musi-
cians, registered while the CD was
being recorded.
 Samplers’ Union, 2008 Luís Tinoco
Três Quadros Sobre Pedra, 2008 Luís Antunes Pena
Frame, 2008 Mário Laginha
Lux in Tenebrae (The Mercy Seat), 2008 Eduardo Patriarca
Vibraphone Theories, 2008 Amanda Cole
70 min. 1 intérprete
Luz: Emmanuel Pereira
Produção: António Carneiro, Produções Aleatórias
Apoio à criação: Centro Nacional de Cultura e ZKM-Karlsruhe

Technicolor

O processo criativo do cinema e as imagens como El proceso creativo del cine y las The creative process of cinema
Technicolor Technicolor

imágenes como arranque creativo and images as belongings of crea-

pertença da acção criativa musical.
musical. tive musical action.

Foi sugerido a um grupo de compositores, que conce- Se sugirió a un grupo de compo-
sitores que concibiesen indivi-
bessem individualmente uma peça musical inspirada
dualmente una obra inspirada en
no ambiente artístico do cinema. el ambiente de una película, un
cortometraje que ellos mismos
imaginasen; sus imágenes, sus
Como se da realização de uma curta metragem se tra-
sonidos, sus personajes... poco
tasse, desenvolveriam uma história, as suas imagens, a poco se transformaría en una
os seus sons, as suas personagens… E que aos poucos a realidad sonora plástica, la
fotografía se convierte en ritmo,
renovassem, transformando-a numa realidade musical,
los primeros planos en timbres, la
substituindo a fotografia pelo ritmo, os primeiros planos plantalla en escenario...
pelos timbres, a tela pelo palco…
Una forma inédita de hacer cine.
Cortometrajes musicales que sin
Um novo cinema? Ou curtas-metragens musicais que, sem ser proyectados seran vistos por
serem projectadas na grande tela, serão sempre olhadas ao los ojos de nuestra imaginación.
longe pelos olhos da nossa imaginação?
Conseguiremos nós ouvir um grande plano?
It was suggested to a group
of composers to individually
conceive a musical piece inspired
by the artistic atmosphere of the
cinema.
As if directing a short film, they
would develop a story, and its
images, its sounds, and its char-
acters... And, little by little, they
were to renew it, bringing about a
musical reality, replacing photog-
raphy with rhythm, the first shots
with timbres, the screen with the
stage...
A new cinema? Or musical short
films which, without being
projected onto the big screen, will
always be seen from afar with the
eyes of our imagination?

Can we hear a wide angle?

 A Enciclopédia: A vida dos Animais, 2010 François Sarhan
50 min. 4 intérpretes
Este documentário faz parte da série A Enciclopédia, projecto multimédia
que inclui instalação de sons, textos, livros (com textos, partituras e ilus-
trações), desenho animado, composição musical, colagens, entre outros e
adapta-se a vários espaços, desde a ocupação de museus a bibliotecas.
A Enciclopédia: A Vida dos Animais
Um documentário sobre a vida selvagem, com música ao Um documentario en formato de
película com música al vivo.
vivo.
En las lejanas colinas, donde
Nas terras distantes onde brilham ao longe as aves preda- resplandecen las aves de rapiña,
las cascadas colgantes y sus bri-
doras, os filhos carrascos e os seus peixes, lá onde o sol se
llantes peces, allá donde el sol no
aventura pouco, onde a água jorra abundantemente, pro- osa sentar su mirada, allá donde
liferam também animais que pensamos conhecer mas que el agua cae a raudales, proliferan
animales que creemos conocer,
têm formas de ser tão misteriosas como as dos homens.
aunque en realidad, su compor-
tamiento es tan misterioso como
Faisões dourados, achigãs e outros, sem contar as inúmeras los mismos seres humanos.
variedades de cães, os quais merecem desde há muito um
Gallos, faisanes dorados,
olhar atento, amigo e interessado em descobrir a vida sem riboolins? e innumerables varie-
pretender desvendar o mistério nem perturbar o frágil dades caninas, merecen una ami-
gable pero rigurosa observación,
ecossistema.
una mirada para descifrar su vida
interna, sin pretender destruir
Foi o que fizeram Jocelyne Dusmaillet e Aribert l’Enrfaite la magia ni su, frecuentemente
frágil, ecosistema.
que, após vários anos de estudo no terreno, onde não
hesitaram adoptar as formas e a alimentação dos animais ¡Esta obra maestra está termina-
observados, nos dão agora a conhecer os resultados das suas da!, la observareis en este docu-
mental, y debemos dar las gracias
pesquisas. Não tenhamos dúvida que o choque é intenso
a Jocelyne Dusmaillet y Aribert
e que muitos dos nossos valores incontestados caem pela l’Enrfaite, quienes, después de
base: estes seres desconhecidos são muito mais civilizados varios años de trabajo sobre el
terreno,no dudaron en apropiarse
que nós, humanos deste jovem século XXI.
de las formas y personalidades
de las especies investigadas,
Cumprimentos finalmente muestran el fruto de
sus investigaciones.
Henry-Jacques Glaçon
Sin duda alguna; el choque será
intenso, y muchos de nuestros
mas apreciados valores, aquellos
que tan alto coste tuvieron en
ser alcanzados, esos valores
podrán perder su validad, y ahora
se muestran caducos: estas es-
pecies desconocidas son mucho
mas misteriosas que nosotros,
humanos de este, aún joven
siglo XXI .
Saludos cordiales
Henry-Jacques Glaçon
A wild-life documentary in the
form of a movie with live music
On yonder hills and even further,
where the owl-birds whistle,
where lie the pendling strings
and their fishes, where the sun
doesn’t dare to put its feet and
where the rain falls like water,
there, there proliferate animals
that we think we know, but that
La Enciclopedia: La Vida de los Animales The Encyclopedia : The Life of Animals
actually, we ignore : their behav-
iours are as mysterious as the
humans, at the end.
Limanders, golden pheasants,
riboolins, not to mention the un-
numarable dog variety, deserved
a friendly but firm look since a
while, a look which could tell what
kind of life is inside, but without
pretending killing the magic,
neither destroy their fragile
ecosystem.
This grand work is done now,
thanks to Jocelyne Dusmaillet
and Aribert l’Enrfaite, whom, after
years of practices where they
did not hesitate to borrough the
forms and the personnality of the
observed species, deliver at last
the results of their researches
No doubt, the choc is intense, and
a lot of our values, the ones we
paid such a high price to get, yes
these values are deciduous, now
: all these unknown creatures are
much more misterious than we
are, humans of this still young
21st century.
Best regards
Henry-Jacques Glaçon
 Monográficos
Drumming Playing Drumming
Drumming Playing Drumming
Monográficos Monographics

In C, Open Scores, Minimalismo

versus Maximalismo
John Cage
Iannis Xenakis: Pléiades
In C ou Minimalismo versus Maximalismo
Franco Donatoni
Karlheinz Stockhausen John Cage
Jesús Rueda: Pocket Paradise

Drumming playing Drumming

Iannis Xenakis
In C, Open Scores, Minimalism
versus Maximalism Franco Donatoni
John Cage
Iannis Xenakis: Pléıades
Franco Donatoni
Karlheinz Stockhausen
Karlheinz Stockhausen
Jesús Rueda: Pocket Paradise Jesús Rueda
Cada compositor é em si mesmo um mundo. Cria um
percurso, uma linha e uma história através das suas
composições. As suas biografías são romances de lutas
consigo mesmo, com as suas aprendizagens com o seu
carácter e com os seus ímpetos para ultrapassar aquilo
para que foi ‘programado’: a suas experiências, as suas
práticas e a sua sensibilidade fazem com que intuam
como ninguém o não dito, o não explorado, o inaudito,
o profundo e verdadeiramente original. Aqui, em Mo-
nográficos, apresentamos transversalmente clássicos
incontornáveis da história da música do século XX. Mas
no Drumming GP estamos também a trabalhar para
criar novas e actuais biografias de um grupo hetero-
géneo de compositores com os quais reincidimos nas
parcerias criativas.
Cada compositor es por sí mismo
un mundo. Crea un trayecto, una
línea y una historia a través de
sus composiciones. Sus bio-
grafías son romances de luchas
consigo mismos, con sus apren-
dizajes, con su carácter y con sus
ímpetus para traspasar aquello
para lo que fue “programado”;
sus experiencias, sus prácticas
y su sensibilidad hacen con que
capten como nadie lo no dicho,
lo no explorado, lo increíble,
lo profundo y verdaderamente
original. Aquí, en Monográficos,
presentamos transversalmente
clásicos incuestionables, de la
historia de la música del siglo XX.
Pero en Drumming GP estamos
también trabajando para crear
nuevas y actuales biografías de
un grupo heterogéneo de compo-
sitores con los cuales reincidimos
en cooperación creativa.
Each composer is a world unto
himself. With his compositions he
creates a route, a line and a story.
His biography is the novel about
the fights he had with himself,
with his lessons, his character
and his impetus to overcome
what he was “programmed”
for. Through his experience, his
practice and his sensibility he
intuits in a unique way what no-
body has said, what has not been
explored, what has never been
heard, the profound and, indeed,
original. Here, in Monographics,
we present transversally indis-
pensable classics from the 20th
Century. But in Drumming GP we
are also working on the creation
of new and current biographies of
a heterogeneous group of com-
posers with whom we have gone
into creative partnerships.
 Music for Pieces of Wood, 1973 Steve Reich
Drumming, 1970-71 Steve Reich
65 min. 9 percussionistas, 2 vozes femininas, uma flauta piccolo
Concepção cénica e direcção músical: Miquel Bernat
Luz: Emanuel Pereira, Som: Suse Pereira
Drumming playing Drumming
Drumming é uma obra marcante no repertório de per-
cussão e da música do século XX. Composta ao longo
de um ano, desde o regresso de Steve Reich de África
e a sua estreia, em Dezembro de 1971, a peça, de uma
hora de duração, ainda que interpretada de uma só
vez, é composta por quatro partes, corresponden-
tes a quatro grupos diferentes de instrumentos:
1) oito bongós; 2) três marimbas tocadas por nove
percussionistas e voz; 3) três glockenspiels, piccolo e
Drumming playing Drumming Drumming playing Drumming
assobios; 4) tutti, dos instrumentos anteriores.
De clara influência africana, a peça é construída por
uma só frase rítmica cíclica que é sucessivamente
tratada de múltiplas formas, decomposta, sobre-
posta, gradualmente desfasada… estes mecanismos
criarão o movimento que virá a ser conhecido por
‘Minimalismo americano’.
Esta é a obra de onde provém o nome do ‘Drumming
– Grupo de Percussão’ como homenagem a Reich e
a este momento fundamental da história da música
contemporânea e do repertório de percussão.
O programa deste concerto completa-se com a obra
Music for Pieces of Wood, também de Reich ou por ou-
tra peça de curta duração da autoria de compositores
que participaram com Steve Reich na revista Inter-
funktionen, como Jon Gibson, também ele percussio-
nista e participante na estreia de Drumming.
Drumming es una obra emblemá-
tica en el repertorio de percusión
y de la música del siglo XX.
Compuesta a lo largo de un año,
desde el regreso de Steve Reich
de África, la pieza se estrenó
en Diciembre de 1971. Con una
duración de una hora, aún siendo
interpretada de una sola vez, está
compuesta por cuatro partes,
correspondientes a cuatro grupos
diferentes de instrumentos: 1)
Ocho bongos; 2)Tres marimbas
tocadas por nueve percusionis-
tas y voz; 3)tres glockenspiels,
piccolo y silbatos; 4)Tutti, de los
instrumentos anteriores.
De clara influencia africana,
la pieza surge a partir de una
sola frase rítmica cíclica, que
es sucesivamente tratada de
múltiples formas, descompues-
ta, superpuesta, gradualmente
desfasada… estos mecanismos
crearán el movimiento que vendrá
a ser conocido por “Minimalismo
americano”.
Esta es la obra de donde proviene
el nombre de “Drumming – Grupo
de Percusión” como homenaje a
Reich y a este momento funda-
mental de la historia de la música
contemporánea y del repertorio
de percusión.
El programa de este concierto
se completa con la obra Music
for Pieces of Wood, también de
Reich, o con otra pieza de corta
duración de autoría de composi-
tores que participaron con Steve
Reich en la revista Interfunktio-
nen, como Jon Gibson, también él
percusionista y participante en el
estreno de Drumming
“Drumming” is an outstanding
piece in the percussion repertoire
of 20th century music. Taking
a year to compose, after Steve
Reich’s return from Africa, the
piece had its first presentation
in 1971. With a duration of 60
minutes, and even if played all at
once, it has four parts, that cor-
respond to four different groups
of instruments: 1) eight bongos;
2) three marimbas played by nine
percussion players and voice; 3)
three glockenspiels, piccolo and
whistles; 4) tutti, all of the previ-
ous instruments.
With a clear African influence, the
piece is constructed by a single
cyclic rhythmic phrase, that is
successively treated in multiple
ways, decomposed, overim-
posed, gradually out of phase...
these mechanisms will create
the movement that will become
known as “American Minimalism”.
This is the work after which
“Drumming – Grupo de Per-
cussão” (Drumming – Percussion
Group) is named as a tribute to
Reich and to this fundamental
moment in the history of contem-
porary music and of percussion’s
repertoire.
The program for this show is
completed by the work Music for
Pieces of Wood, also by Reich,
or by another short piece by
composers who participated with
Reich in the “Interfunktionen”
magazine, such as Jon Gibson,
himself a percussion player, and
participant in the first presenta-
tion of “Drumming”.
 In C
In C, 1964 Terry Riley
45 a 120 min. Mínimo de 6
intérpretes do Drumming +
colaboradores locais
Minimalismo versus Maximalismo
Palilalie, 1987 Thierry de Mey
In C, 1964 Terry Riley
Duração a definir. Mínimo de 6 intérpretes
do Drumming + colaboradores locais
In C
Minimalismo versus Maximalismo
In C – Composta em 1964 por Terry Riley que juntamente
com Steve Reich, Philip Glass e La Monte Young consti-
tuem a geração pioneira do minimalismo. In C é conside-
rada a peça fundadora do movimento nos Estados Unidos.
Trata-se de uma obra aberta, destinada a qualquer conjunto
instrumental, cuja escrita não ultrapassa uma simples
página formada por 53 pequenas células, não obstante a sua
duração poder estender-se de 20 minutos até várias horas.
Os intérpretes são convidados a comporem, eles próprios,
uma rede poli-rítmica em constante transformação, me-
diante as recombinações sucessivas das diferentes células
de origem. Por vezes suave e contemplativa, outras vezes
com um forte pulsar, a obra permite a experimentação das
mais surpreendentes combinações tímbricas, bem como,
pela sua imprevisibilidade intrínseca, constitui um desafio
à cooperação com músicos ou agrupações musicais locais a
zona do festival ou teatro.
Minimalismo versus Maximalismo – Em contraponto, surge
em finais dos anos 70, na Europa, mais precisamente na
Bélgica, um movimento de reacção ao minimalismo norte-
americano. Pela mão do compositor Thierry de Mey, a obra
epígona do Maximalismo europeu é Palilaie, também ela
em forma aberta e livre, cuja apresentação aqui se propõe,
na opção dois para este concerto. Minimalismo versus
Maximalismo que vai sintetiza em palco a disputa criativa
entre aqueles dois movimentos de cada um dos lados do
Atlântico.
Open Scores – Se abordamos In C trespassando as premissas
da partitura musical a Dança estaremos criando uma arqui-
tectura sonora coreográfica única e irrepetível, tanto para
os olhos como para os ouvidos. A obra permite a experi-
mentação das mais surpreendentes combinações tímbricas
e coreográficas e pela sua imprevisibilidade intrínseca,
constitui um desafio à cooperação e improviso.
In C – Compuesta en 1964 por
Terry Riley, que junto con Steve
Reich, Philip Glass y La Monte
Young constituyen la generación
pionera del minimalismo, In C es
considerada la pieza fundadora
del movimiento en los Estados
Unidos. Se trata de una obra abier-
ta, destinada a cualquier conjunto
instrumental, cuya partitura no
sobrepasa una simple página
formada por 53 pequeñas células,
no obstante su duración puede
extenderse de 20 minutos hasta
varias horas. Los intérpretes son
invitados a componer, ellos mis-
mos, una red polirrítmica en cons-
tante transformación, mediante
las combinaciones sucesivas de
las diferentes células de origen.
A veces suave y contemplativa,
otras veces con un fuerte golpear,
la obra permite la experimenta-
ción de las más sorprendentes
combinaciones tímbricas, así
como por su imprevisibilidad
intrínseca, constituye un desafío
a la cooperación con diferentes
músicos, denominadamente músi-
cos locales de las zonas donde el
espectáculo sea presentado.
Minimalismo versus Maximalis-
mo – En contrapunto, surge a
finales de los años 70, en Europa,
más concretamente en Bélgica,
un movimiento de reacción al
minimalismo norte-americano. Por
la mano del compositor Thierry de
Mey, la obra epígona del Maxima-
lismo europeo es Palilaie, también
ella en forma abierta y libre, cuya
presentación aquí se propone, en
la opción dos para este concierto.
Minimalismo versus Maximalismo
sintetiza en escena la disputa
creativa entre aquellos dos movi-
mientos de cada uno de los lados
del Atlántico.
Open Scores – Obra abierta,
Coreografia viva! Si abordamos In
C de Terry Riley traspasando las
premissas de la partitura musical
a la danza estaremos creando una
arquitectura sonora y coreográfica
única e irrepetíble tanto para los
ojos como para los oídos. La obra
permite experimentar las mas
sorprendentes combinaciones
tímbricas y coreográficas que
por su imprevisibilidad intrínseca
constituye un desafio a la coope-
ración e improvisación.
Open Scores
Obra aberta, Coreografia viva!
Duração, número de intérpretes, coreografia
e companhia de dança a definir
Open Scores
In C – Composed in 1964 by Terry
Riley, who together with Steve
Reich, Philip Glass and La Monte
Young constitute minimalism’s
pioneer generation, “In C” is con-
sidered to be the founding piece
of the movement in the United
States. It is an open work, to be
played by any instrumental group,
and which written is not bigger
than one simple page consisting
of 53 small cells, even though its
duration can go from 20 minutes
up to several hours. The players
are invited to compose them-
selves in a poly-rhythmic network
in constant transformation via
the permanent recombination of
the different original cells. Some-
times soft and contemplative,
sometimes exhibiting a strong
pulsating, the work allows for ex-
In C, Open Scores, Minimalismo versus Maximalismo In C, Open Scores, Minimalism versus Maximalism
perimenting wih the most surpris-
ing combination of timbres. Also,
given its intrinsic unpredictability,
the work constitutes a challenge
to the cooperation and improvisa-
tion with dance, as well as with
different musicians, namely local
musicians from the place where
the show is being presented.
Minimalism versus Maximalism
– By the end of the 70s, as coun-
terpoint to the North American
minimalism, a reaction movement
appears in Europe, in Belgium
to be exact. At the hand of the
composer Thierry de Mey, the
initiating supporter of European
maximalism is “Palilaie”, also an
open and free work, which pres-
entation is proposed here, in the
second option for this concert.
“Minimalismo versus Maximal-
ismo” (Minimalism versus Maxi-
malism) summarizes on stage the
creative dispute between those
two movements from both sides
of the Atlantic.
 Trio: Allegro, March and Waltz, percussão, 1936
Imaginary Landscape nº 1, electrófonos, piano mudo e prato Chinês, 1939
Second Construction, quarteto de percussão, 1940
She is Asleep, quarteto para 12 tom-toms, 1943
Imaginary Landscape nº 4, rádios ou gira discos, 1951
Credo in US, percussão, piano e rádio, 1942
Living Room Music, quarteto de percussão, 1940
Child of Tree, solo de percussão, 1975
Branches, percussão, 1976
Third Construction, quarteto de percussão, 1941
75 min. 4 intérpretes
Direcção musical e concepção cénica: Miquel Bernat
Vários programas possíveis com a junção de piano preparado e/ou voz

John Cage (1912- 1992) filósofo, inventor, ritualista,
compositor, estudioso do mundo e do universo…
Homem visionário e uma das figuras fundamentais na
evolução do pensamento musical do Século XX.
A criação e o pensamento por trás da obra de John
Cage marcam uma renovação e simultaneamente
uma ruptura com os princípios estruturais e criativos
da música da sua época. Desacreditado da tradição,
rompeu formas e convenções e alienou a harmonia
enquanto matéria principal da composição, assumin-
do um papel pioneiro e de força contrária ao instalado
pensamento dodecafónico, com Schönberg, mestre de
Cage, como principal figura: “I certainly had no feeling
for harmony, and Schoenberg thought that that would
make it impossible for me to write music. He said, ‘You’ll
come to a wall you won’t be able to get through.’ So I
John Cage John Cage
John Cage (1912- 1992) filósofo,
inventor, ritualista, composi-
tor, estudioso del mundo y del
universo… Hombre visionario y
una de las figuras fundamentales
en la evolución del pensamiento
musical del Siglo XX.
La creación y el pensamiento tras
la obra de John Cage marcan una
renovación y simultáneamente
una ruptura con los principios
estructurales y creativos de la
música de su época. Desacredita-
do de la tradición, rompió formas
y convenciones y transmitió la
armonía como materia principal
de la composición, asumiendo un
papel pionero y de fuerza con-
traria al instalado pensamiento
dodecafónico, con Schoenberg,
maestro de Cage, como principal
John Cage
La música de John Cage, libre de entonces, cuyo vanguardismo
las amarras formales, comienza y aparente infinitud de medios
entonces a organizarse con soni- fascinaban a Cage.
dos y silencios propios y a exten-
derse en un pendiente temporal Podrá decirse, sintetizando, que
único, que hasta ahí no formaba fue tarea de este maestro del
parte del universo creativo musi- siglo XX organizar y reorganizar
cal con la condición de elemento, los sonidos de la condición
pero sí de consecuencia. Estaban humana y presentarlos después,
firmes las bases del minimalismo recordando al oído que la música
y de la música repetitiva que apa- es el silencio y la materia que nos
recían más tarde como una fuerte compone.
corriente en la música americana.
El Piano Preparado es el ejemplo
más conocido de las capacidades
imaginativas y creadoras de Cage
en la incesante búsqueda de la
materia. También fue por él im-
pulsado el ensemble de percusión
en sus múltiples y varias facetas.
La utilización de los sonidos
cotidianos, del ruido aparente-

figura: “I certainly had no feeling mente no musical, del silencio, de

said, ‘I’ll devote my life to beating my head against that for harmony, and Schoenberg
wall.” thought that would make it
impossible for me to write music.
He said, 'You'll come to a wall you
A música de John Cage, livre das amarras formais, won't be able to get through.' So I
começa então a organizar-se com sons e silêncios said, 'I'll devote my life to beating
my head against that wall.”
próprios e a estender-se num pendor temporal único,
que até aí não fazia parte do universo criativo musical
com a condição de elemento, mas sim de consequên- John Cage (1912 – 1992) philoso-
cia. Estavam assentes as bases do minimalismo e da música pher, inventor, ritualist, composer,
repetitiva que apareciam mais tarde como uma fortíssima scholar of the world and the
universe. A visionary and one of
corrente na música americana. O Piano Preparado é o the most important figures in the
exemplo mais conhecido das capacidades imaginativas evolution of 20th century musical
e criadoras de Cage na incessante procura da matéria. thought.
Também foi por ele impulsionado o ensemble de percussão The thinking and creation behind
nas suas múltiplas e várias facetas. A utilização dos sons John Cage’s work signal a renova-
quotidianos, do ruído aparentemente não musical, do tion and simultaneously a rupture
with the structural and creative
silêncio, do aleatório, do casual, permitiram que a criação principles of the music of his
‘Cageana’ não tivesse limites semânticos de qualquer índo- time. Discredited by the tradition,
le, aportando uma carga cultural, filosófica, ritual, poética he broke forms and conventions
and alienated harmony as the
e de mensagem, só se aproximando conceptualmente das main subject of composition, as-
artes plásticas e da dança de então, cujo vanguardismo e suming a pioneering and forceful
aparente inesgotabilidade de meios fascinavam Cage. role contrary to the dodecaphonic
thinking, with Schoenberg, Cage’s
master, as its main figure: “I
Poderá dizer-se, sintetizando, que foi tarefa deste vulto certainly had no feeling for
maior do Século XX organizar e reorganizar os sons da con- harmony, and Schoenberg thought
that would make it impossible
dição humana e apresentá-los depois, lembrando o ouvido for me to write music. He said,
que a música é o silêncio e a matéria que nos compõe. ‘You’ll come to a wall you won’t be
able to get through.’ So I said, ‘I’ll
devote my life to beating my head
against that wall.”
lo aleatorio, de lo casual, permi-
tieron que la creación “Cageana”
no tuviera límites semánticos
de cualquier índole, aportando
una carga cultural, filosófica,
ritual, poética y de mensaje, sólo
aproximando conceptualmente
las artes plásticas y la danza de
Cage’s music, free from formal
bounds, starts then to be organ- In sum, one can say that it was
ized in sounds and silences of its a task for this major icon of the
own and stretching into a unique 20th century to organize and
temporal incline, that until then reorganize the sounds of the
was not part of the musical crea- human condition and then to have
tive universe as an element, but them presented, reminding the
only as a consequence. The bases ear that music is the silence and
for minimalism and for repetitive the substance of which we are
music, that would later appear as composed.
a strong movement in North Ameri-
can music, were set. Prepared
Piano is the best known example
of Cage’s creative and imaginative
abilities, in his permanent search
for material. He was also a promo-
tor of the percussion ensemble in
its multiple and varied facets. The
use of everyday sounds, of appar-
ently non-musical noise, of silence,
of the random, of the accidental,
made it possible for the “Cagean”
creations not to have semantic
limits of any kind, contributing a
cultural, philosophical, ritual and
poetic charge as well as one with
a message, that conceptually ap-
proaches the visual arts and dance
of those days, which vanguardism
and apparent endlessness of
means fascinated Cage.
Rebonds, 1987/88 ou Psasppha, 1975
Okho, 1989
Pléïades, 1978
Dmaanthen, 1976
Persephassa, 1969
Duração a definir. 6 intérpretes + 1 oboé
Iannis Xenakis
Iannis Xenakis, a homenagem a uma das mais marcantes
figuras da música do século XX.
Um compositor pioneiro inspirado pelo cálculo matemáti-
co, pelas fórmulas, pelas formas arquitectónicas, pela com-
posição assistida por computadores, pelo aleatório, pelo
caos, pela observação do universo como fonte de conheci-
mento. No entanto, um poeta. Um poeta da objectividade.
Abrimos este programa com o solo de multi-percussão
Rebounds para rapidamente entrar nas latitudes de remem-
berança africana com o trio Okho, seguindo-se as Pléïades,
obra composta em 1978, peça central deste programa de
música estelar onde o Drumming GP refaz uma interpreta-
ção assistida por computador para captar a essência e exac-
tidão da ‘matematização’ com que o compositor a dotou.
Iannis Xenakis, el homenaje a una
de las más destacadas figuras de
la música del siglo XX.
Un compositor pionero inspirado
por el cálculo matemático, por
las fórmulas, por las formas ar-
quitectónicas, por la composición
asistida por computadoras, por
lo aleatorio, por el caos, por la
observación del universo como
fuente de conocimiento. Sin
embargo, un poeta. Un poeta de la
objetividad.
Abrimos este programa con el
solo de multipercusión Rebounds
para rápidamente entrar en las
latitudes de recuerdos africanos
con el trío Okho, siguiendo las
Pleiades, obra compuesta en
1978, pieza central de este pro-
grama de música estelar donde
Drumming GP rehace una inter-
pretación asistida por el compu-
tador para captar la esencia y la
exactitud de la “matematización”
con que el compositor la dotó.
Iannis Xenakis, the tribute to one
of the most outstanding figures in
the music of the 20th century.
A pioneer composer inspired by
mathematical calculation, by for-
mulas, by architectonic shapes,
by computer-assisted composi-
tion, by the random, by chaos, by
the observation of the universe
as a source of knowledge. Yet, a
poet. A poet of objectivity.
Iannis Xenakis Iannis Xenakis
We open this program with the
multi-percussion solo, Rebounds,
then quickly enter, with the Okho
trio, the lattitudes of African
remembering, and following this,
Pleiades, the work composed in
1978, the central piece of this
program of stellar music in which
Drumming GP remakes a compu-
ter-assisted performance to cap-
ture the essence and preciseness
of the “mathematization” that the
composer has given it.
 Mari II, quarteto de Marimbas, 1992
Cinis III, Clarinete Baixo, Marimba, Congas e bongos, 1995
Cloches III, 2 perc. 2 Pianos, 1991
Bok, Marimba + Clarinete Baixo, 1990
Omar, Vibrafone solo, 1985
Darknness, sexteto de percussão, 1984
68 min. 10 intérpretes:
6 percussionistas, 1 clarinete baixo, 2 pianistas, maestro
Consultar ao Drumming GP para programa só com percussão
Franco Donatoni
A prodigiosa singularidade da figura do compositor
italiano Franco Donatoni emerge e corporiza, ao
mesmo tempo, a história da composição contemporâ-
nea, através da riqueza assombrosa das suas fases de
criação, adesão e rupturas e com as diversíssimas ten-
dências por que foi passando. Desde o post-bartokiano
das primeiras obras, ao período mais estritamente
serialista, passando pela experimentação aleatória e
pela etapa negativa do ‘decomponieren’, até culminar
na renúncia à composição para vestir a figura do mero
‘copista’.
A despeito de os seus materiais serem atemáticos,
microscópicos e inimitáveis pela natureza interválica
individual e absolutamente singular, as formidáveis
cambiantes da sua linguagem musical, tornam o
compositor italiano num epígono dos grandes mestres
Franco Donatoni Franco Donatoni
do contraponto renascentista.
Considerando-se a si mesmo como um ‘artesão’, Dona-
toni parte do conceito-base do próprio “procedimento
enquanto forma”, luz que vai transformar velhas
composições em novas obras, atingindo uma poética
sumamente pessoal, em que as partes se juntam para
formar um todo holístico.
A música de Donatoni torna-se, pois, pela plurali-
dade da sua inspiração, procedimentos e recursos,
simultaneamente nervosa e deslumbrante, vertiginosa e em
permanente mutação. A sua linguagem transformista, de
incessante refinamento, cria um estilo próprio e uma escola
compositiva de influência determinante em toda uma gera-
ção de compositores. São estas características que as peças
reunidas neste programa se propõem ilustrar.
As peças deste programa são deste período tão prolífico do
compositor e cada uma de elas explora um o um conjunto
surpreendente de instrumentos passando por todo o cro-
matismo tímbrico da percussão.
La prodigiosa singularidad de la
figura del compositor italiano
Franco Donatoni emerge y se
materializa al mismo tiempo en
la Historia de la Composición
contemporánea, a través de la
riqueza asombrosa de sus fases
de creación, adhesión y ruptura y
con las diversas tendencias por la
que fue pasando. Desde el post-
bartokiano de las primeras obras,
al periodo más estrictamente
serialista, pasando por la experi-
mentación aleatoria y por la etapa
negativa del “decomponieren”,
hasta acabar en la renuncia de la
composición para vestirse con la
figura del mero “copista”.
A pesar de sus materiales ser ate-
máticos, microscópicos e inimita-
bles por la naturaleza interválica
individual y absolutamente sin-
gular, las formidables cambiantes
de su lenguaje musical convierten
al compositor italiano en un epí-
gono de los grandes maestros del
contrapunto renacentista.
Considerándose a sí mismo como
un “artesano”, Donatoni parte
del concepto base del propio
“procedimiento en cuanto a
forma”, luz que va a transformar
viejas composiciones en nuevas
obras, logrando una poética
sumamente personal, en que las
partes de juntan para formar un
todo holístico.
La música de Donatoni se torna,
pues, por la pluralidad de su ins-
piración, procedimientos y recur-
sos, simultáneamente, nerviosa
y deslumbrante, vertiginosa y en
permanente mutación. Su len-
guaje transformista, de incesante
refinamiento, crea un estilo pro-
pio y una escuela compositiva de
influencia determinante en toda
una generación de compositores,
que las piezas reunidas en este
programa se proponen ilustrar.
Las piezas de este programa son
de este periodo más productivo
del compositor y cada una de
ellas explora uno o un conjunto
sorprendente de instrumentos
pasando por todo el cromatismo
tímbrico de la percusión.
The prodigious singularity of the
Italian composer Franco Donatoni
both emerges from and embod-
ies contemporary History of
Composition, by the astonishing
richness of his phases of creation,
adherence and rupture, and with
the very diverse tendencies he
has passed. From the post-Bartok
tendency of the first works until
the more strictly serialist period,
passing through the random
experimentation and the negative
stage of the “decomponieren”,
till it culminates in renouncing
composition, adopting the figure
of a mere “copier”.
Despite the fact that his materi-
als have no theme, and that they
are microscopic and impossible
to imitate given their individual
interspaces and absolutely sin-
gular nature, the amazing shades
of his musical language make this
Italian composer an imitator of
the great masters of the Renais-
sance counterpoint.
Considering himself a “crafts-
man”, Donatoni begins with the
key concept of the “procedure
as form” itself, light that will
transform old compositions into
new works, achieving an highly
personal poetic, in which the
parts come together to form an
holistic whole.
Donatoni’s music becomes,
therefore, given the pluralities
of inspiration, procedures and
resources, simultaneously nerv-
ous and dazzling, vertiginous and
ever-changing. His transformist
language, of incessant refine-
ment, creates a particular style
and a composition school that
had a determining influence on a
whole generation of compos-
ers. This is what the pieces put
together in this program intend to
illustrate.
This program’s pieces are from
this very prolific period of the
composer’s life and each one of
them explores one or a surprising
ensemble of instruments going
through all of percussion’s multi-
colour of timbre.

Karlheinz Stockhausen
Artista visionário, Stockhausen foi o renovador da escola Artista visionario, Stockhausen
fue el renovador de la escuela
weberiana e transformou a paisagem da música da segunda weberiana y transformó el paisaje
metade do século XX. Inicialmente com o serialismo de la música de la segunda mitad
integral e o indeterminismo e posteriormente com a del siglo XX. Inicialmente con el
serialismo integral y la indeter-
música concreta (microfone) e electrónica (osciladores minación y, posteriormente, con
e síntese), com peças produzidas em estúdio com banda la música concreta (micrófono)
magnética que dispensavam a instrumentação tradicional y electrónica (osciladores y
síntesis), produjo piezas en es-
e os intérpretes, ou ao vivo, com executantes a manipular a tudio, con banda magnética, que
parafernália electroacústica em directo – música intuitiva dispensaban los instrumentos
– e, finalmente na situação pós-moderna e multimédia de tradicionales y los intérpretes. En
vivo, puso ejecutantes a manipu-
Licht, a obra de Stockhausen abrange um período de quase lar la parafernalia electroacústica
60 anos. en directo – música intuitiva.
Finalmente, creó “Litch”, obra
multimedia de la situación post-
Este programa centra-se na sua composição Mikrophonie moderna. La obra de Stockhausen
I, de 1964, para seis intérpretes. Destes, dois excitam com abarca cerca de 60 años.
diferentes materiais um enorme Tam-tam, outros dois
Este programa se centra en la
manipulam, de acordo com indicações da partitura, dois composición MIKROPHONIE I, de
microfones em relação ao Tam-tam e outros dois intérpre- 1964, para seis intérpretes. De
tes, já a uma relativa distância para ter a percepção total do estos, dos excitan con diferentes
materiales un enorme Tam-tam;
som acústico e amplificado, manipulam filtros, amplifica- otros dos manipulan – de acuerdo
ção e espacialização do som captado pelos microfones. con indicaciones de la partitura
– dos micrófonos en relación al
Tam-tam; otros dos intérpretes,
Os microfones são utilizados como microscópios, uma ya a una relativa distancia para
analogia proposta pelo título da peça, sendo usados para
descobrir e tornar perceptíveis sons que de outra forma A visionary artist, Stockhausen
não seriam aparentes. O microfone transforma-se num renewed the Weberian school and
instrumento musical que influencia todas as características transformed the musical land-
scape of the second half of the
do som: forma os tons, ritmos, níveis dinâmicos, timbre e 20th century. Initially with integral
projecção espacial dos sons. O microfone não é apenas um serialism and indeterminism and,
objecto mas sim todo um sistema de captação, proces- after, with concrete music (micro-
phone) and electronic (oscillators
samento, amplificação e difusão dos sons produzidos no and synthesis) , he produced
Tam-tam, única fonte acústica nesta peça. studio pieces, with magnetic
band, that would not need the
traditional instrumentation and
performers-. In live shows, he
made performers manipulate the
electro-accustic paraphernalia
live – intuitive music. Finally, he
created “Licht”, the multimedia
work of the post-modern situa-
tion. Overall, Stockhausen’s works
cover about 60 years.
Ziklus, 1959
Vibra-Elufa, 2003
Mikrofonie I, 1964
60 min. 6 intérpretes
Programa opcional com Kontakt,
com 7 intérpretes (+ 1 pianista)
tener la percepción total del
sonido acústico y amplificado,
manipulan filtros, amplificación
y especialización del sonido
captado por los micrófonos.
Los micrófonos son utilizados
como microscopios – una analo-
gía propuesta por el título de la
pieza – para descubrir y tornar
perceptibles sonidos que, de otra
forma, no serían aparentes. El
Karlheinz Stockhausen Karlheinz Stockhausen
micrófono se transforma en un
instrumento musical que influen-
cia todas las características del
sonido: forma los tonos, ritmos,
niveles dinámicos, timbre y
proyección espacial. El micrófono
no es apenas un objeto pero si
todo un sistema de captación,
procesamiento, amplificación y
difusión de los sonidos produci-
dos en el Tam-tam, única fuente
acústica en esta pieza.
microscopes – an analogy that
This program centres on his is also proposed by the title of
composition MIKROPHONIE I, the piece – in order to reveal and
from 1964; for 6 musicians. Of the make perceptible sounds that,
6 musicians, two, using different otherwise, would not be heard.
materials,beat an enormous Tam- The microphone becomes a musi-
tam; another two manipulate – cal instrument that influences all
according to the directions on the of the characteristics of sound:
music sheet – two microphones gives form to the tune, rhythm,
in relation to the Tam-tam; the dynamic levels, timbre and spa-
other two musicians, already at tial projection. The microphone
a relative distance so that they is not only an object but a whole
can have a complete perception system for capturing, processing,
of the accustic and amplified amplifying and diffusing the
sound, manipulate filters, and the sounds produced in the Tam-tam,
amplification and spatialization the only acoustic source in this
of the sound captured by the piece.
microphones.
The microphones are used as
 Perpetuum Mobile, 1998
Marimba Estudio, 2007
Estudios Expresivos, 2003
Luna Nueva, 2000
Pocket Paradise, 2006/8
65 min. 6 intérpretes e electrónica
Pocket Paradise
Jesús Rueda
Um concerto é um espaço temporal, uma parcela Un concierto es un espacio
temporal, una pequeña parcela,
dentro do nosso quotidiano mundano, onde se pode dentro de nuestra mundana
vislumbrar, e mesmo sentir, o paraíso. cotidianeidad donde se puede
vislumbrar, inclusive sentir, el
Paraíso.
Pocket Paradise é um projecto, ou melhor, é o veículo
que Jesús Rueda imaginou para nos transcendermos. Pocket Paradise es el proyecto, o
Para isso, utiliza os mais diversos recursos de composi- más bien, el vehículo que Jesús
Rueda imaginó para transcen-
ção que se podem imaginar, criando momentos carnais dernos. Para eso utiliza los más
(o primeiro movimento A Flor de Piel, com percussão diferentes recursos compositivos
corporal), momentos mais esplendorosos (como Fuente imaginables, desde sus momen-
tos carnales (el primer movimien-
e Arbol de Vida), e outros espirituais (Cruzar el Umbral). to A Flor de Piel, con percusión
corporal) a los momentos más
Pocket Paradise é a obra central do programa que esplendorosos (como Fuente y
Arbol de Vida) pasando por otros
conduz, através da evocação do paraíso, às restantes espirituales (Cruzar el Umbral).
obras do programa, com as quais partilha a inspiração
e algumas referências. Pocket Paradise es la obra central
del programa, que conduce a tra-
Jesús Rueda Jesús Rueda
vés de la evocación al paraíso al
As peças reunidas neste monográfico formam um todo resto de las obras del programa,
com personalidade própria, pois surgem da colabora- con las que comparte algunas
referencias e inspiraciones.
ção de Jesús Rueda com Miquel Bernat (e por afinidade
com o Drumming GP) e aproximam-nos dos dife- Las obras reunidas en este
rentes momentos criativos do compositor. A técnica monográfico forman un tándem
con personalidad propia que
levada a limites quase impossíveis, a busca de novas surge de la colaboración de Jesús
sonoridades, inventando instrumentos e desenvolven- Rueda con Miquel Bernat y por
do técnicas sem perder nunca o lirismo, bem como extensión con Drumming GP nos
acercan a diferentes momentos
uma extrema musicalidade, fazem-nos deambular creativos del compositor. La
pelas referências recorrentes de Rueda: a busca do paraíso técnica llevada a límites casi
interior, o rito, a noite ou a ascensão e a queda, tanto física imposibles, la búsqueda de
nuevas sonoridades “inventando”
como espiritual. O imaginário criado vai mais além – das instrumentos o desarrollando las
artes plásticas à poesia, da dança à literatura. De Perpetuum técnicas sin perder nunca lírismo
Mobile até Pocket Paradise realizaremos uma viagem através y una extrema musicalidad nos
pasean por referentes a menudo
da percussão, experimentaremos uma parcela de êxtase: recurrentes en las obras de Jesús
Pocket Paradise. Rueda; la búsqueda del paraíso
interior, el rito, la noche o el as-
censo y el descenso, tanto físico
como espiritual… el imaginario
creado va mas allá, de las artes
plásticas a la poesía, de la danza
a la literatura. De “Perpetuum
Mobile” hasta “Pocket Paradise”
realizaremos un viaje a través de
la percusión, experimentaremos
una parcela “extática”: Pocket
Paradise.
A concert is a temporal space, a
portion within our earthly every-
day life, where we can catch a
glimpse or even feel paradise.
Pocket Paradise is a project, or
better, a vehicle imagined by
Jesús Rueda for us to transcend.
For this purpose he uses the most
diversified means of composi-
tion one can imagine in order to
create carnal moments (the first
movement A Flor de Piel, with
body percussion), splendid mo-
ments (like Fuente and Arbol de
Vida) and other spiritual moments
(Cruzar el Umbral).
Pocket Paradise is a central
work of the program that leads,
through the evocation of paradise,
towards the other works of the
program with which it shares
inspiration and some references.
The pieces that are rejoined in
this monographic form a whole
with its own personality, as they
result from the collaboration of
Jesús Rueda with Miquel Bernat
(and through affinities with the
Drumming GP) and brings us
closer to the different creative
moments of the composer. Tech-
nical possibilities are brought
to almost impossible limits,
the search for new sonorities
inventing, new instruments and
developing techniques without
ever loosing the lyricism or the
extreme musicality make us
stroll through the recurrent refer-
ences of Rueda: the search for
the interior paradise, the rite, the
night or the rise and fall, physical
as well as spiritual. The created
imaginary world goes even further
beyond – from fine arts to poetry,
from dancing to literature. From
“Perpetuum Mobile” to “Pocket
Paradise” we will undertake a
journey by percussion, we will
experience a portion of ecstasy:
Pocket Paradise.
 Sons do Cosmos
O Som das Estrelas, o Som dos Oceanos El Sonido de las Estrellas,
Sonidos del Cosmos Sounds of the Cosmos

el sonidos de los océanos

Pléïades
Pléïades The Sound of Stars, The
Sound of Oceans
Pléïades
Conhecer, escrever e escutar a música celestial foi, so-
bretudo a partir de Pitágoras, uma ambição da condição
humana. Uma tentativa de diálogo com o intangível,
de aproximação ao fascinante desconhecido. A música
como modo de tentar dominar o enigma do universo e
entrar na sua inexplicável lógica , um foguete espacial
em metáfora, que desde tempos remotos acompanhou
os homens nesse insaciável querer saber e perceber
quem somos num contexto global, de infinidade dimen-
sional geográfica e sobretudo espiritual.
Em tempos idos, a religião apoderou-se da música celes-
tial. Os compositores de épocas várias criaram sob a tu-
tela do mecenas religioso uma música verdadeiramente
bela, que era de deus, ‘música celestial’, no seu fim.
Hoje em dia, numa perspectiva cientificamente sofis-
ticada do mundo e com o domínio tecnológico a nosso
favor, já é possível detectar os reais sons do espaço, o
som dos planetas e das estrelas nos seus movimentos
perpetuos. E é então por isso, hora certa para difundir
e utilizar estas descobertas, para fazer uma arte sonora
actual, trazendo do fundo do mar, do espaço, matérias
para as novas paisagens musicais da terra.
Conocer, escribir y escuchar la
música celestial fue, sobretodo a
partir de Pitágoras, una ambición
de la condición humana. Una ten-
tativa de diálogo con lo intangible,
de aproximación al fascinante
desconocido. La música como
modo de intentar dominar el
enigma del universo y entrar en
su inexplicable lógica, un cohete
espacial en metáfora, que desde
tiempos remotos acompañó a
los hombres en ese insaciable
querer saber y entender quiénes
somos en un contexto global, de
dimensión geográfica infinita y
sobre todo espiritual.
En tiempos pasados, la religión
se apoderó de la música celestial.
Los compositores de varias
épocas crearon bajo la tutela del
mecenas religioso una música
verdaderamente bella, que era de
Dios, “música celestial”, en su fin.
Hoy en día, en una perspectiva
científicamente sofisticada del
mundo y con el dominio tecnoló-
gico a nuestro favor, ya es posible
detectar los verdaderos sonidos
del espacio, el sonido de los
planetas y de las estrellas en sus
movimientos perpetuos. Y es por
eso, la hora cierta para difundir
y utilizar estos descubrimientos,
para hacer un arte sonoro actual,
trayendo del fondo del mar o del
espacio, materias para los nuevos
paisajes musicales de la tierra.
Discovering, writing and
listening to celestial music
begun to become an ambi-
tion for the human condi-
tion since Pythagoras: an
attempt to dialogue with the
unreachable, to approach
the fascinating unknown.
Music as a way of trying to
dominate the enigma of the
universe and to enter its
inexplicable logic; a metaphorical
spaceship accompanying humans
since distant times in this
insatiable desire to know and
to understand who we are in a
global context, in the context of
geographic and dimensional, but
above all, spiritual infinity.
In bygone times religion had
seized celestial music. Compos-
ers of various eras created, under
the custody of religious Maece-
nas, truly beautiful music that
came from God, “celestial music”
for their purpose.
Nowadays, from the perspective
of a scientifically sophisticated
world and with technological
dominance on our side, we are
able to detect the real sounds of
space, the sound of the planets
and the stars in their perpetual
movement. Therefore it is the
right time to spread and use
these sounds in order to make
a contemporary sonorous art,
where materials from the bottom
of the sea and from outer space
are brought to new musical land-
scapes on earth.
 Mares, 2007/9 António Chagas Rosa
Noir de l’Etoile, 1989/90 Gérard Grisey
75 min. 6 intérpretes, técnico de luz, PA com 12 altifalantes.
Disposição dos percussionistas em volta do público.

O Som das Estrelas,

o Som dos Oceanos
Em 1967 um jovem astrónomo detecta no céu um En 1967 un joven astrónomo
detecta en el cielo una señal
sinal de rádio em forma de impulsão periódica. Esta de radio en forma de impulso
descoberta fez sensação! Os astrofísicos revelam esta periódico. Este descubrimiento
verdade surpreendente: os sinais são sons emitidos creó sensación! Los astrofísicos
revelan esta verdad sorprendente:
por um pulsar, um resíduo fantástico compactado, las señales son sonidos emitidos
engendrado por explosões da supernova que desinte- por un pulsar, un residuo fantás-
gram estrelas massivas. O céu não é o espaço aprazível tico compactado, engendrado por
explosiones de las supernovas
que desde Aristóteles ficou no inconsciente humano, que desintegran estrellas
a ‘Música Celestial’ não é o que ainda está na mentali- masivas. El cielo no es el espacio
dade das pessoas, não podemos continuar a ver o céu placentero que desde Aristóteles
quedó en el inconsciente humano
desta maneira, desenganemo-nos e sejamos coerentes y la “Música Celestial” no es lo
com as novas descobertas: o céu inter-espacial é uma que todavía está en la mentalidad
fúria de movimentos, uma turbulência de ondas em de las personas. No podemos
continuar viendo el cielo de
fluído constante. Estas ondas de rádio captadas podem esta manera. Desilusionémonos
ser transformadas em sinais eléctricos, que tanto y seamos coherentes con los
podem excitar a membrana de um altifalante como de nuevos descubrimientos: el cielo
interpersonal es una furia de
ser ouvidas pelo ouvido humano.
El Sonido de las Estrellas, el sonidos de los océanos The Sound of Stars, The Sound of Oceans
El pulsar Vela, que explotó hace
12000 años pudo ser visto por los
humanos, y el Pulsar 0239+54,
que explotó hace 5 millones de
años, guiaron esta navegación
musical y constituyeron el punto
de partida de la partitura de este
gran compositor Gérard Grisey,
conductor del movimiento es-
pectral, inventor de la música de
nuestro futuro. La presente obra,
al proponer un sofisticado juego
sonoro y luminoso en torno del
acontecer científico en su dimen-
sión de enigma humano, nos sitúa
en la dimensión aventurera del
futuro y, al mismo tiempo, en la
introspección de nuestro pasado,
anterior a nosotros mismos. Un
sutil viaje musical dirigido, pues,
al epicentro de la condición
humana.
Este concierto vuelve también
a visiones intemporales del
imaginario portugués – para
los pueblos con unión a mares
y océanos – con la inclusión de
la nueva pieza del compositor
António Chagas Rosa, construida
a partir de sonidos descubiertos
en las profundidades de los
océanos.
Abracemos y demos las bien-
venidas al ignoto, el enigma y al
descubrimiento; re-descubramos
las sonoridades provenientes
de dos extremos-limites (Cielo
y profundidad de los mares) y
aprendamos a vivir en esta nueva
realidad sonora.

movimientos, una turbulencia de

O pulsar Vela, que explodiu há 12.000 anos e os huma-
nos puderam observar no céu, e o Pulsar 0239+54, que
explodiu há 5 milhões de anos guiaram esta navegação
musical e constituíram o ponto de partida da partitura
deste grande compositor Gérard Grisey, impulsionador
do movimento espectral, inventor da música do nosso
futuro. A presente obra, ao propor um sofisticado jogo
sonoro e luminoso em torno do acontecer científico
na sua dimensão de enigma humano, situa-nos na
dimensão aventurosa do futuro e, ao mesmo tempo,
na introspecção do nosso passado, anterior a nós
próprios. Uma subtil viagem musical dirigida, pois, ao
epicentro da condição humana.
Este concerto remeterá também para invocações in-
temporais do imaginário português, e dos povos com
ligação aos mares e oceanos, com a inclusão da nova
peça do compositor António Chagas Rosa construída a
partir de sons pertencentes e descobertos nas profun-
dezas dos oceanos.
Abracemos e demos as boas-vindas ao ignoto – o
enigma e a descoberta. Redescubramos as sonoridades
provenientes dos dois extremos-limites (Céu e pro-
fundeza dos Mares) e aprendamos a viver nesta nova
realidade sonora.
ondas en fluido constante. Estas
ondas de radio captadas pueden
ser transformadas en señales
eléctricas, que tanto pueden
excitar a la membrana de un al-
toparlante como ser escuchados
por el oído humano.
In 1967 a young astronomer
detected a radio signal with
the shape of a periodic pulse in
the sky. This was a sensational
discovery! The astrophysicists
revealed this surprising truth: the
signals are sounds emitted by a
pulsar, a condensed fantastical
residue engendered by supernova
explosions that disintegrate
massive stars. The sky is not
the pleasurable space that has
captured the human unconscious
since Aristotle and the “Celestial
Music” is not the one that is still
in people’s minds. We cannot
continue to see the sky like this.
Let us not fool ourselves and let
us be coherent with the new dis-
coveries: the inter-spatial sky is a
fury of movements, a turbulence
of waves in permanent flow. The
captured radio waves can be
transformed into electrical sig-
nals that can cause the speaker’s
membrane to vibrate as well as be
heard by the human ear.
The Vela pulsar, which exploded Let’s embrace and welcome the
12,000 years ago and that could unknown, the enigma and the
have been witnessed by human discovery; let’s rediscover the
beings, and the 0239+54 Pulsar, sounds coming from two extreme-
which exploded 5 million years limits (Sky and the Depth of the
ago, guided this musical naviga- seas) and let us learn to live with
tion and were the starting point this new sonorous reality.
for the music written by the
great composer Gérard Grisey, a
promotor of the spectral move-
ment, an inventor of the music of
our future. The current work, by
proposing a sophisticated game
of sound and light around the
scientific happening in its dimen-
sion of human enigma, places us
simultaneously in the adventur-
ous dimension of the future and
in the introspection of our past,
that of a time before us. A subtle
musical trip directed, then, at the
epicenter of the human condition.
This concert also refers to a time-
less invocation of the Portuguese
imagination – to peoples con-
nected to seas and oceans – by
including the new piece by the
composer António Chagas Rosa,
a piece constructed from sounds
discovered in the depth of oceans.
 Pléïades
Rebonds, 1987/88 ou Psasppha, 1975
Okho, 1989
Pléïades, 1978
65 min. 6 intérpretes
Iannis Xenakis, a homenagem a uma das mais marcantes
figuras da música do século XX.
Um compositor pioneiro inspirado pelo cálculo matemáti-
co, pelas fórmulas, pelas formas arquitectónicas, pela com-
posição assistida por computadores, pelo aleatório, pelo
caos, pela observação do universo como fonte de conheci-
mento. No entanto, um poeta. Um poeta da objectividade.
Abrimos este programa com o solo de multi-percussão
Rebounds para rapidamente entrar nas latitudes de remem-
berança africana com o trio Okho, seguindo-se as Pléïades,
obra composta em 1978, peça central deste programa de
música estelar onde o Drumming GP refaz uma interpreta-
ção assistida por computador para captar a essência e exac-
tidão da ‘matematização’ com que o compositor a dotou.
Iannis Xenakis, el homenaje a una
de las más marcantes figuras de
la música del siglo XX.
Un compositor pionero inspirado
por el cálculo matemático, por
las fórmulas, por las formas ar-
quitectónicas, por la composición
asistida por computadoras, por
lo aleatorio, por el caos, por la
observación del universo como
fuente de conocimiento. Sin
embargo, un poeta. Un poeta de la
objetividad.
Abrimos este programa con el
solo de multipercusión Rebounds
para rápidamente entrar en las
latitudes de recuerdos africanos
con el trío Okho, siguiendo las
Pleiades, obra compuesta en
1978, pieza central de este pro-
grama de música estelar donde
Drumming GP rehace una inter-
pretación asistida por el compu-
tador para captar la esencia y la
exactitud de la “matematización”
con que el compositor la dotó.
Pléïades Pléïades
Iannis Xenakis, the tribute to one
of the most outstanding figures in
the music of the 20th century.
A pioneer composer inspired by
mathematical calculation, by for-
mulas, by architectonic shapes,
by computer-assisted composi-
tion, by the random, by chaos, by
the observation of the universe
as a source of knowledge. Yet, a
poet. A poet of objectivity.
We open this program with the
multi-percussion solo, Rebounds,
then quickly enter, with the Okho
trio, the lattitudes of African
remembering, and following this,
Pleiades, the work composed in
1978, the central piece of this
program of stellar music in which
Drumming GP remakes a compu-
ter-assisted performance to cap-
ture the essence and preciseness
of the “mathematization” that the
composer has given it.
 Electrónica
Electrónica Electronic

Algo-ritmos
Pabellón Electrónico Algo-Ritmos
Algo-rhythms
Electronic Pavilion
Pavilhão Electrónico
Com o aparecimento da electrónica e das tecnologias da
música, uma imensa e poderosa dimensão sonora inva-
diu os nossos ouvidos. Um novo instrumento? Mais do
isso, uma nova maneira de pensar a música, de compor,
de difundir, de escutar. Um transformador da pureza
acústica dos instrumentos, um ponto mais, um aliado
e, sobretudo, uma porta para um planeta sonante virtu-
almente infinito.
Con la aparición de la electrónica
y de las tecnologías de la música,
una inmensa y poderosa dimen-
sión sonora invadió nuestros
oídos. ¿Un nuevo instrumento?
Más que eso, una nueva manera
de pensar la música, de compo-
ner, de difundir, de escuchar. Un
transformador de pureza acústica
de los instrumentos, un punto
más, un aliado y, sobretodo una
puerta para un planeta sonoro
virtualmente infinito.
With the appearance of electron-
ics and technological music an
enormous and powerful sonorous
dimension invaded our ears. A
new instrument? Rather a new
way of thinking music, of compos-
ing, of spreading music and of
listening. It is a transformer of
the acoustic purity of the instru-
ments, another point, an ally, and
above all, a door to a virtually
infinite sound planet.
 Pendulum Music, 1968/73 Steve Reich
62, 2007 @c: Miguel Carvalhais & Pedro Tudela
63, 2006 @c: Miguel Carvalhais & Pedro Tudela
69, 2008/10 @c: Miguel Carvalhais & Pedro Tudela
58, 2006/7 @c: Miguel Carvalhais & Pedro Tudela
75 min. 4 intérpretes: 2 laptops + 2 percussões
Som e luz

Algo-Ritmos

Do fundo do tempo até ao presente e além. Dos Desde las profundidades del From the depth of time until
Algo-ritmos Algo-rhythms

tiempo hasta el presente y más the present and beyond. From

instrumentos ancestrais aos instrumentos do agora allá. De los instrumentos del
e do futuro. Do físico ao imaterial. São estes os motes “ahora” y del “futuro”. De lo físico
do espectáculo que funde as valências ancestrais do a lo inmaterial. Son éstos los le-
mas del espectáculo que fusiona
Drumming GP com os laptop do colectivo @c de Pedro los aspectos antepasados de
Tudela e Miguel Carvalhais. Drumming – Grupo de Percusión
con los portátiles (laptop) del co-
lectivo @c, Pedro Tudela y Miguel
Explorando um cruzamento de abordagens comple- Carvalhais.
mentares e quase polares à música, o Drumming e o
@c partem de temas bem definidos para o desenvolvi- Explorando un cruce de enfoques
complementarios y casi polariza-
mento de várias peças, quase estudos, sobre as diferentes dos de la música, Drumming y @c
matérias que podem constituir as raízes do som. parten de temas bien definidos
para el desarrollo de varias
piezas, casi estudios, sobre las
Em palco o processo de trabalho versa a exploração dos diferentes materias que pueden
instrumentos numa vertente física, acústica e táctil e o constituir las raíces del sonido.
cruzamento desta com a digitalização do som e manipula-
En el escenario, el proceso
ção do mesmo no universo do computador, recontextuali- de trabajo versará sobre la
zando características físicas e tímbricas que se metamor- exploración de los instrumentos
foseiam ou ampliam digitalmente. Para além do trabalho en una vertiente física, acústica
y táctil y el cruzamiento de ésta
especificamente sonoro, a composição é repartida entre con la digitalización del sonido y
elementos tocados – pré compostos ou improvisados – e la manipulación del mismo en el
outros elementos gerados algoritmicamente, mais uma vez universo del ordenador, recontex-
tualizando características físicas
contrapondo ancestralidade e contemporaneidade. y tímbricas que se transforman
o amplían digitalmente. Más
allá del trabajo específicamente
sonoro, la composición será re-
partida entre elementos tocados
– pre-compuestos o improvisados
– y otros elementos generados
algorítmicamente, una vez más
confrontando lo ancestral y la
contemporaneidad.
ancestral instruments till those
of “today” and “tomorrow”. From
the physical to the immaterial.
These are the mottos of the show
that fuses togethet the ancestral
valence of Drumming―Grupo de
Percussão (Drumming – Percus-
sion Group) with the laptops of
the @c collective, Pedro Tudela
and Miguel Carvalhais.
Exploring a crossing between ap-
proaches to music that are sup-
plementary and almost polarized,
Drumming and @c begin with
well-defined themes to develop
several pieces, almost studies,
on the different matters that may
constitute the roots of sound.
On stage, the work process will
traverse the exploration of the
instruments in their physical,
acoustic and tactile aspects and
on crossing these with sound
digitalization and manipulation
in the context of the computer,
recontextualizing physical and
timbric features that are digitally
metamorphed or amplified. Be-
sides the work done specifically
with the sound, composition will
consist of played elements – pre-
composed or improvised – and
of algorithmically generated
elements; again the counter-
point of the ancestral and the
contemporary.
 Scratch Data, 2004 Raphaël Cendo
Le Grand Jeu, 1999 Bruno Mantovani
Três Quadros Sobre Pedra, 2008 Luis Antunes Pena
Offrande, 2001 Javier Alvarez
Losing Touch, 1995 Edmund J. Campion
Manège, 2002 Benjamin de la Fuente
70 min. 2 intérpretes, técnico de som
Pavilhão Electrónico
A percussão, gesto primeiro nas manifestações musicais La percusión, el primer gesto en
las manifestaciones musicales
da humanidade, funde-se aquí com a tecnologia musical de la humanidad, se funde aquí
mais avançada dos nossos días. Está lançada a base musical con la tecnología musical más
que suporta a construção do ‘pavilhão Electrónico’. Uma avanzada de nuestros días. Está
proyectada la base musical
edificação sonora urbana de envolvência sonora total de que soporta la construcción del
‘arquitectura’ surpreendente, que desperta os sentidosem “Pabellón Electrónico”. Una edifi-
todas as direcções e que nos remete para a modernidade. cación sonora urbana de entorno
total, de “arquitectura” sorpren-
Este ‘Pavilhão’, quando em movimento, funcionará como dente, que despierta los sentidos
um meio de transporte invulgar, um ovni, que na sua en todas las direcciones y que
metáfora nos levará pelas mais ousadas e distintas paragens nos lleva a la modernidad. Este
“Pabellón”, cuando se encuentre
musicais da criatividade musical contemporänea e tecnoló- en movimiento, funcionará como
gica num ambiente alimentado pelo Homen e pela Máquina un medio de transporte inusual,
que aquí conversam como pares, dando voz aos caminhas un OVNI, que en su metáfora
nos llevará por las más osadas
do nosso tempo. y distintas paradas de la crea-
tividad musical contemporánea
y tecnológica, en un ambiente
alimentado por el Hombre y por
la Máquina que aquí conversan
como pares, dándole voz a los
caminos de nuestro tiempo.
Pabellón Electrónico Electronic Pavilion
Percussion, the first gesture in
humankind’s musical manifesta-
tions, blends here with the most
advanced musical technology
of our days. The musical basis
supporting the construction of
“Electronic Pavilion” is launched.
An urban sonorous edification of
complete surrounding, of surpris-
ing “architecture”, that awakes
senses in all directions and that
points towards modernity. This
“Pavilion”, when in motion, will
work as an unusual means of
transporattion, a UFO, that in
its metaphor will take us to the
most daring and distinct stops in
contemporary and technological
musical creativity, in an athmos-
phere fed by Human and Machine
that converse as pairs, giving
voice to the ways of our time.
 Naciográficos
Naciográficos Naciographics

Atlantic Folk Songs Atlantic Folk Songs

Música Portuguesa: Allá fuera, aquí dentro
Ibérico, I, II, III
Música Portuguesa: lá fora, cá dentro Música Japonesa
East Meets West

Ibérico I, II, III Pan Europe

Atlantic Folk Songs

Música Japonesa Portuguese Music: Out there, In here
Iberian, I, II, III

East Meets West Japanese Music

East Meets West
Pan Europe
Pan Europe
Os Movimentos Nacionalistas são parte da identidade
histórica dos povos e das suas pátrias, são geradores de
amores e ódios, de guerra e paz. O nacionalismo criativo
também marcou a arte ao longo dos séculos. Que ponto
de situação fazer agora? Terá a globalização atenuado,
anulado ou protegido as nossas diferenças na criação
musical folclórica ou erudita? Desprendido de interes-
ses de ordem política, o Drumming GP criou uma série
de concertos em que se delimitam áreas geográficas,
por forma a procurar identidades e perceber que sons
transporta cada bandeira. Será que ainda nos restam
diferenças num mundo cada vez mais igual a si próprio?
Escutemos.
Los Movimientos Nacionalistas
forman parte de la identidad
histórica de los pueblos y de
sus patrias, son generadores
de amores y odios, de guerra y
paz. El nacionalismo creativo
marcó también al arte a lo largo
de los siglos. ¿En qué punto se
encuentran ahora? ¿La globali-
zación habrá atenuado, anulado
o protegido nuestras diferencias
en la creación musical folclórica o
erudita? Desprendido del interés
político, Drumming GP creó una
serie de conciertos en que se de-
limitaron áreas geográficas, a fin
de buscar identidades y entender
qué sonidos transporta cada
bandera. ¿Será que todavía nos
quedan diferencias en un mundo
cada vez más igual a sí mismo?
Escuchemos.
National movements are part of
people’s historical identity and
their homelands. They are genera-
tors of love and hatred, of war and
peace. The creative nationalism
has also marked art throughout
the centuries. What is the current
state of the situation? Has glo-
balization attenuated, ripped out
or protected our differences in
folkloric or erudite musical crea-
tion? Detached from any interests
of political rank, Drumming GP
has created a series of concerts
where geographical areas are de-
limited pro forma in order to look
for identities and to understand
the sounds that each flag carries.
Is it possible that there are still
differences left in a world that
increasingly resembles itself?
Let’s listen.
 Divina Santa Cruz, 2008 Zé Eduardo
Baixo Miño, 2008 Eduardo Soutullo
Pode ser una Serra, 2008 João Paulo Esteves da Silva
Apólogo da D. Silvana, 2008 Dimitri Andrikopoulos
Noséquenosé, 2008 Javier Arias Bal
Um Dia de Noite, 2009 Ricardo Dias
Bailarico, 2008 Paulo Perfeito
75 min. 6 percussionistas, 2 trompetes, 2 trombones, 3 saxofones
Atlantic Folk Songs
El grupo de percusión Drumming
Atlantic Folk Songs Atlantic Folk Songs
O Grupo de percussão Drumming GP e a Orquestra
GP y la Orquesta de Jazz de Mato-
de Jazz de Matosinhos juntam-se neste projecto de sinhos se juntan en este proyecto
reinvenção e revisitaçao da música popular galaico- de reinvención y revisitación de la
portuguêsa. música galaico-portuguesa.
Se invitó a ocho compositores,
Foi feito o convite a oito compositores, da música con- desde la música contemporánea
temporânea ao jazz, para a criação de um repertório hasta el jazz, para la creación de
un repertorio original inspirado en
original inspirado na história musical do povo desta la historia musical del pueblo de
franja atlântica da península ibérica, uma música que esta franja atlántica de la penín-
em grande parte chegou aos nossos dias salva pela sula ibérica – una música que en
gran parte llegó a nuestros días
tradição oral e por outra parte gracias a documentaçao salvada por la tradición oral y por
faita por etnólogos que tem estudiado o Folclore como otra parte gracias a la documen-
o Cancioneiro Popular Galego de Dorothe Schubarthe e tación hecha por etnólogos que
han estudiado el Folclore como
Antón Santamarina ou o Cancioneiro Popular Português de el Cancionero Popular Gallego de
Michel Giacometti e Fernando Lopes-Graça. Dorothe Schubarthe y Antón San-
tamarina o el Cancionero Popular
Portugués de Michel Giacometti y
Drumming e OJM juntam-se numa formação pensada espe- Fernando Lopes-Graça.
cificamente para a interpretação destas composições, um
cruzamento dos metais da orquestra com as possibilidades Drumming y OJM se juntan en una
formación pensada específica-
da percussão enriquecida com instrumentos tradicionais. mente para la interpretación de
estas composiciones, un cruce
o encuentro de los metales de la
orquesta con las posibilidades
de percusión enriquecida con
instrumentos tradicionales.
The percussion group Drumming
GP and the Orquestra de Jazz de
Matosinhos (Matosinhos Jazz
Orchestra) join in this project
for reinventing and revisiting
Galician-Portuguese popular
music.
An invitation was addressed to
eight contemporary jazz compos-
ers to create an original repertoire
inspired by the musical history of
the people of this Atlantic fringe
of the Iberian peninsula – music
that to a large extent has made it
to our days through oral tradition,
and thanks to the documenta-
tion produced by ethnologists
who studied Folklore such as the
Traditional Galician Songbook by
Dorothe Schubarthe and Antón
Santamarina and the Traditional
Portuguese Songbook by Michel
Giacometti and Fernando Lopes-
Graça.
Drumming and OJM got together
in a formation that was specifi-
cally conceived for the interpreta-
tion of these compositions, a
crossing of the metals of the
orchestra with percussion’s pos-
sibilities, enhanced by traditional
instruments.
 Repertório “Lá fora”
Vermalung III_Batman, 2006 Luís Antunes Pena
Estudo, 2010 Andreia Pinto-Correia
SMPG, 2005/9 Rita Torres
Clivages, 1987 Emmanuel Nunes
70 min. 7 intérpretes
Repertório “Cá dentro”
Nova Peça, 2010 Rui Rodrigues
Proyector 1, 2009 José Alberto Gomes
Estudo de Marimba, 2010 Nuno Corte-Real
Estudos e interlúdios, 1987 António Pinho Vargas
72 min. 6 intérpretes
Música Portuguesa: lá fora, cá dentro
Portugal tem no povo um forte sentir musical, tanto dentro Portugal tiene en su gente un
fuerte sentir musical, tanto
do seu limite geográfico como no imaginário daqueles que dentro de sus límites geográficos
habitam fora dele. como en el imaginario de aquellos
que viven fuera de él.
A sua diversidade é tanta como as suas paisagens. Mesmo o Su diversidad es tanta como sus
mar, aquele que o rodeia e que demarca as suas terras, não paisajes. Hasta el mar, aquel
limita: expande e amplia, como se fosse mesmo habitável – que lo rodea y que demarca sus
tierras, no limita: expande y
um país com paisagens de água. amplia, como si fuera en sí mismo
habitable – un país con paisajes
Portugal tem muitos compositores, criadores do imaginá- de agua.
rio sonoro. Algums compõem Cá, para se fazerem ouvir Lá Portugal tiene muchos composi-
fora, outros compõem Lá, para serem Cá dentro reconheci- tores, creadores del imaginario
dos. Todos formam uma ideia sonora do País, um imaginá- sonoro. Algunos componen Aquí,
para hacerse escuchar Allá
rio em construção, um País em expansão. afuera, otros componen Allá,
para ser Aquí reconocidos. Todos
forman una idea sonora del País,
un imaginario en construcción, un
País en expansión.
Música Portuguesa: Allá fuera, aquí dentro Portuguese Music: Out there, In here
The people of Portugal have a
strong musical sensibility, both
within their geographic limits and
in the imaginaries they inhabit
beyond them.
They are as diverse as their
landscapes. Not even the ocean
that surrounds and delimits their
country can restrict it: it extends
and amplifies as if it was inhabit-
able – a country with a watery
landscape.
Portugal has many composers,
creators of sonorous imaginaries.
Some compose in here to become
audible out there; others com-
pose out there to gain recognition
in here. All together they form
a sonorous idea of the country,
an imaginary in construction, a
country in expansion.
 IBÉRICO I, Sexteto
Dánae, 2000 Jesús Torres
Nova peça, 2010 Inés Thiebaut
Estudos e interlúdios, 2000 António Pinho Vargas
70 min. 6 intérpretes

IBÉRICO II, Quarteto

Estudio sobre la Modulacion Métrica, 2003 José Manuel López López
Limited Colors, 2006 Agustí Charles
Deep Water Music, 2002 António Chagas Rosa
Liquid Bars, 2002 João Pedro Oliveira
Acte Prealable, 1978 Francisco Guerrero
65 min. 4 intérpretes, electrónica

Ibérico I, II, III

IBÉRICO III, Duo
African Winds, 1998 José Manuel López López
Crazy Mallets, 1998 João Pedro Oliveira
Precipitaciones, 2008 Cesar Camarero
En Una Gota El Mar, 2005 Polo Vallejo
Estudo para Marimba, 2010 Rui Rodrigues
Perpetuum Mobile, 1998 Jesús Rueda
65min. 2 intérpretes
Ibérico, I, II, III Iberian, I, II, III

Para além das suas fronteiras políticas internas, o Beyond their internal political
borders, the exceptional Iberian
excepcional entreposto cultural ibérico representa-se cultural depository represents
em duas grandes vertentes. A interna, na diversidade das itself on two main sides: the
suas línguas, tradições e costumes. E a exterior, produ- inner, that of the diversity of its
languages, traditions, customs;
to desta encruzilhada entre norte e sul (Europa-África), and the outer, that produced
Novo e Velho mundo (América-Europa), que estabelece a in the crossing between north
Península como ponto de encontro e, ao mesmo tempo, and south (Europe-Africa), New
and Old world (America-Europe)
ponte de passagem multicultural no coração do mundo. with its meeting point in the
A arte alimenta-se de todos estes pontos de convergência Peninsula, at the same time,
e diversidade, congrega a forte atracção pelas tendências a multicultural passage at the
heart of the world. Art is fed by all
centro-europeias, ao mesmo tempo que escapa a qualquer these convergence points and all
ortodoxia, tomando rumos próprios e diversos. Estes três this diversity, and it congregates
programas retratam a riqueza desta diversidade e singula- the strong attraction for Central-
European tendencies and simul-
ridade, que pautam a criação musical contemporânea de taneously, escapes any orthodoxy,
Portugal e Espanha. taking its own diverse routes.
These three programs portray the
wealth of this diversity and singu-
larity that marks Portuguese and
Spanish contemporary musical
creation.
Más allá de las fronteras políticas
internas, el excepcional almacén
cultural ibérico se representa
en dos grandes vertientes: la
interna, en la diversidad de sus
idiomas, tradiciones, costumbres;
la externa, producto de esta
encrucijada entre norte y sur
(Europa-África), Nuevo y Viejo
mundo (América-Europa) que es-
tablece la Península como punto
de encuentro y, al mismo tiempo,
puente de pasaje multicultural en
el corazón del mundo. El arte se
alimenta de todos estos puntos
de convergencia y diversidad,
reúne la fuerte atracción por las
tendencias centro-europeas al
mismo tiempo que se escapa de
cualquier ortodoxia, tomando
rumbos propios y diversos.
Estos tres programas retratan
la riqueza de esta diversidad
y singularidad, que marcan la
creación musical contemporánea
de Portugal y España.

Música Japonesa
Da elegância da sua música clássica ou cortesã, o Gagaku,
às manifestações musicais mais indeterminadas do Teatro
Noh, o arquipélago nipónico é um universo de uma riqueza
musical assombrosa e de enorme peculiaridade. Tradicio-
nalmente, a sua música é percorrida pelo carácter estático,
pela ritualidade da sua execução, pela espiritualidade da
sua busca de harmonia com o cosmos, pela interpretação
sensorial repleta de estímulos expressivos como o glissan-
do, por exemplo.
Esta importante História e bagagem cultural começou a
interpenetrar-se com a música de tipo europeu a partir dos
inícios do século XX, forjando-se como viveiro de músicos
e compositores de grande originalidade, cuja obra, adop-
tando formas musicais e instrumentos ocidentais, preserva
toda a essência da sua longa tradição oriental.
De la elegancia de su música
clásica o cortesana – el Gagaku –
a las manifestaciones musicales
más indeterminadas del Teatro
Noh, el archipiélago nipón es un
universo de una riqueza musical
asombrosa y de una enorme pe-
culiaridad. Tradicionalmente, su
música es recorrida por el carác-
ter estático, por la ritualidad de
su ejecución, por la espiritualidad
de la búsqueda de la armonía con
el cosmos, por la interpretación
sensorial repleta de estímulos
expresivos como el glisando, por
ejemplo.
Esta importante herencia cultural
comenzó a introducirse con la
música europea a partir del inicio
del siglo XX, forjándose como
vivero de músicos y compositores
de gran originalidad, cuya obra,
adoptando formas musicales
e instrumentos occidentales,
preserva toda la esencia de larga
tradición oriental.
Rain Tree, 1981 Toru Takemitsu
Bones, 2002 Keiko Harada
Thirteen Drums, 1985 Maki Ishii
Volcano Mouth, 1986 Jo Kondo
Hierophonie V, 1974 Yoshihisa Taira
70 min. 6 intérpretes
From the elegance of its classical
Música Japonesa Japanese Music
or courtesan music – the Gagaku
– to the more indeterminate mu-
sical manifestations of Noh Thea-
tre, the Japanese archipelago is
a universe of astonishing wealth
and of enormous peculiarity.
Traditionally, a static character
runs through its music, given the
ritual aspect of its performance,
given the spirituality of its search
for harmony with the cosmos,
given the sensorial interpretation
full of expressive stimuli such as
the glissando, for example.
This important cultural heritage
began blending with European
music by the early 20th century,
becoming a vivarium of musicians
and composers of great original-
ity, whose works, assuming
Western musical forms and using
Western musical instruments,
still preserve the whole essence
of the long oriental tradition.
 Double Music, 1941 John Cage/Lou Harrison
Songs of the Mouse People, 1999 Martin Bresnick
<TSI-SHIN-KUT>, 1994 Younghi Pagh-Paan
The Birth of Drupadi, 2009 Ananda Sukarlan
Elegy: Snow in June, 1991 Tan Dun
65 min. 5 intérpretes: 4 percussionistas e violoncelo

East Meets West

O sentido de mestiçagem cultural e multiculturalismo
surgido ao longo do século XX com o desenvolvimento
dos meios de comunicação, o desejo de superação
cultural das fronteiras políticas e étnicas assim como
a necessidade de alargamento da linguagem musical,
provocou nos autores do século XX (com Debussy
como precursor) um considerável fascínio pelas mani-
festações musicais, literárias, filosóficas e religiosas de
países asiáticos, gerando uma subsequente influência
East Meets West East Meets West
The sense of multiculturalism
and cultural mixing that appeared
during the 20th century with
the development of means of
communication, with the desire
for culturally surpassing ethnic
and political borders and with the
need for broadening musical lan-
guage, provoked in 20th century
authors (Debussy being a precur-
sor) considerable fascination for
the musical, literary, philosophi-
El sentido de mestizaje cultural
y multiculturalismo surgido a lo
largo del siglo XX con el desenvol-
vimiento de los medios de comuni-
cación, con el deseo de superación
cultural de las fronteras políticas y
étnicas y con la necesidad de alar-
gamiento del lenguaje musical,
provocó en los autores del siglo
XX (con Debussy como precursor)
una considerable fascinación por
las manifestaciones musicales,

na criação artística. cal and religious manifestations literarias, filosóficas y religiosas

of Asian coutries, subsequently
Reciprocamente, muitos compositores orientais bringing about its influence on
aderem às correntes de vanguarda musical ocidental, artistic creation.
estudando nas escolas europeias e americanas e em
In a reciprocal manner, many
muitos casos aí se radicando. Eastern composers adhered to
Western musical vanguardist cur-
Entre as intermináveis variantes possíveis, o programa rents, studying at European and
American schools and, on many
ilustrativo deste encontro de culturas e civilizações occasions, choosing to live there.
propõe John Cage e Lou Harrison, compositores forte-
mente influenciados pelo Budismo Zen, que compõem Among the never-ending possible
variations, the program that il-
conjuntamente Double Music enquanto libelo sobre a lustrates this meeting of cultures
desvinculação do sentido de propriedade. Martin Bresnick and civilizations proposes Cage
pela síntese mágica de um prodigioso ecletismo cosmopoli- and Harrison, composers that
were strongly influenced by Zen
ta numa belíssima página musical. Buddhism, with the work “Double
Music”, a satire on the detachment
Do outro lado, chega a compositora coreana Younghi from the sense of property. Still
from the West there is Martin
Pagh-Pann e as suas evocações de ambientes oníricos de Bresnick that brings to the
enorme exotismo, criados pela mistura da electrónica com program the magical synthesis of a
os instrumentos tradicionais do seu país. E, para fechar, prodigial cosmopolitan eclecticism
with a stunning musical page.
Tan Dun, o mais internacional dos compositores chineses,
emigrado e residente em Nova Iorque, numa preciosa elegia From the other side there is the
para Violoncelo solo e 4 percussionistas, um discurso musi- Korean composer Younghi Pagh-
Pann who invokes oneiric atmos-
cal em torno dos massacres da Praça Tiananmen. pheres of tremendous exoticism,
created through the mixing of
electronics and traditional Korean
instruments. And, to close, Tan
Dun, the most international of
Chinese composers, an immigrant
living in New York, with a precious
elegy for Cello solo and four
percussionists: a musical oration
around the massacres of Tianan-
men Square.
de países asiáticos, generando
una subsiguiente influencia en la
creación artística.
Recíprocamente, muchos compo-
sitores orientales se adhirieron a
las corrientes de vanguardia mu-
sical occidental, estudiando en las
escuelas europeas y americanas y,
en muchos casos, ahí radicándose.
Entre las interminables variantes
posibles, el programa ilustrativo
de este encuentro de culturas
y civilizaciones propone John
Cage y Lou Harrison, composito-
res fuertemente influenciados
por el Budismo Zen, con la obra
“Double Music”, libelo sobre la
desvinculación del sentido de
propiedad. También llega del
occidente Martin Bresnick que
aparece en este programa con una
síntesis mágica de un prodigioso
eclecticismo cosmopolita, en una
bellísima página musical.
Del otro lado llega la compositora
coreana Younghi Pagh-Pann con
evocaciones de ambientes oníri-
cos de enorme exotismo, creados
por la mezcla electrónica con
instrumentos tradicionales de su
país. Y, para cerrar, Tan Dun, el más
internacional de los compositores
chinos, emigrado y residente en
Nueva York, con una preciosa
elegía para Violoncelo solo y
cuatro percusionistas: un discurso
musical en torno de la masacre de
la Plaza Tiananmen.
 Litani, 1980 Karel Goibaerts Bélgica
Vermalung III_Batman, 2006 Luis Antunes Pena Portugal
Sonata a Tre, 2006 Jesús Torres Espanha
Stonewave, 1990 Rolf Walling Noruega
Thunder, 1993 Peter Eötvös Hungria
Les Uns, 2001 Phillippe Leroux França
Worker’s Union, 1975 Louis Andriessen Holanda
85 min. 3 intérpretes
Pan Europe
Nos nossos dias, em que a avalanche de informação e de En nuestros días, la avalancha de
información y de comunicación
comunicação é tão imensa que mais facilmente do que com
es tan intensa que establecemos
os vizinhos da nossa rua, estabelecemos relações e inter- más fácilmente relaciones e
conexões com terceiros, aos quais, do outro lado do mundo, inter-conexiones con personas
del otro lado del mundo que con
apenas podemos ter a unir-nos laços de interesses, tendên-
nuestros vecinos. Con aquellas,
cias ou estéticas partilhadas (neste caso a música e os seus compartimos intereses, tenden-
autores), poderemos continuar ainda a falar de identidades cias o estéticas (en este caso la
música y sus autores). ¿Podre-
específicas de um ou de outro país, de geografias culturais/
mos, así, continuar hablando de
musicais nacionais? identidades específicas de uno o
de otro país, de geografías cultu-
rales/musicales nacionales?
Existem países na cartografia artística do criador contem-
porâneo? Alguma vez terão eles existido, no labirinto da ¿Existen países en la cartografía
inteligência criativa ao longo dos tempos? E, nesse caso, artística del creador contem-
poráneo? ¿Alguna vez habrán
qual e como seria essa tal identidade específica, partilhada
ellos existido en el laberinto de
com a comunidade nacional pelo criador, por definição um la inteligencia creativa? Y, en ese
ser tão individual e absolutamente singular? caso, ¿Cuál y cómo sería esa tal
identidad específica, compar-
tida con la comunidad nacional
Cada uma das peças que constituem este programa possui por el creador, por definición un
uma origem física e geográfica diferente. Entre algumas ser individual y absolutamente
singular?
delas existem ‘escolas composicionais’ comuns. Mas, para
além da singularidade própria que emerge da idiossincrasia Cada una de las piezas que
artística de cada um dos seus criadores, curiosamente o que constituyen este programa posee
un origen físico y geográfico
parece revelar-se em todas elas, como traço de distinção
diferente. Entre algunas de ellas
e/ou de união, é a diferença dos seus lugares sonoros de existen “escuelas estructurales”
proveniência! comunes. Pero, más allá de la
singularidad propia que emerge
de la idiosincrasia artística de
Pan Europe é a questão resultante de uma viagem musical cada uno de sus creadores, lo
vanguardista pela Europa. Um programa que relaciona que, curiosamente, parece reve-
larse en todas ellas como un trazo
peças da produção composicional portuguesa dos séculos
de distinción y de unión es la
XX e XXI com as de outros compositores europeus contem- diferencia de sus lugares sonoros
porâneos. Incorporar Portugal na cartografia da música de de proveniencia.
vanguarda europeia e esta na geografia musical portugue-
“Mapas” es el resultado de
sa, assumindo as relações estéticas de similitude e de dife- un viaje musical vanguardista
renciação, é a operação cultural em causa neste programa. por Europa. Un programa que
relaciona piezas de la producción
Onde os mapas parecem continuar tão indispensáveis.
composicional portuguesa de los
siglos XX y XXI con las de otros
compositores europeos contem-
poráneos. Incorporar a Portugal
en la cartografía de la música de
vanguardia europea y ésta en la
geografía musical portuguesa,
asumiendo las relaciones estéti-
cas de semejanza y de diferencia,
es la operación cultural en cues-
tión en este programa, donde los
mapas parecen ser absolutamen-
te indispensables.
These days, the information and
communication avalanche is so
intense that it is easier to relate
and connect with people on the
other side of the world than with
our neighbours. With those, we
share interests, tendencies or
aesthetic views (in this case
music and its authors). Can we,
hence, continue to speak of
specific identities of one country
or another, of musical/cultural
national geographies?
Are there countries in the artistic
cartography of the contemporary
creator? Has there ever been, in
the labyrinth of creative intel-
ligence? And, if there were, which
would be that specific identity
and how would it be shared by the
creator, by definition an individual
Pan Europe Pan Europe
and absolutely singular being,
and the national community?
Each one of the pieces in this
program has a different physical
and geographical origin. Among
some of them there are common
“composition schools”. But,
besides the particular singularity
that emerges from the artistic
idiosincrasy of each of their crea-
tors, that which, curiously, seems
to be revealed in all of them as a
distinctive and/or similar feature
is the difference between the
sonorous places they come from.
“Mapas” (Maps) is the result of a
vanguardist musical trip through
Europe. A program that relates
pieces by Portuguese composers
of the 20th and 21st centuries to
pieces from other contemporary
European composers. To integrate
Portugal in the cartography of
the European musical vanguard
and the latterinto the Portuguese
musical geography, assuming the
aesthetic relations of similarity
and difference, is the cultural op-
eration taken on by this program,
where maps seem to continue to
be absolutely indispensable.
 À Descoberta
Drumming Movil Drumming Movil
Descubrimientos Discovering

Sincro
Cuarto para Cuatro
Sincro Constructions de John Cage
Vamos a Marimbar

Quarto para Quatro Música con Lata

¿Qué es el Ritmo?

Constructions de Jonh Cage Mobile Drumming

Synchro

Vamos Marimbar Room for Four

Constructions of John Cage
Let’s go Marimba-ing
Música Com Lata Tin Music
What is Rhythm?

O Qué é o Ritmo…?
Descobrir é aprender, e aprender é integrar a vontade da
descoberta na vida. Na actualidade social, a informação
está tão ao nosso alcance que tendencialmente se perde
em si mesma como um elemento de futilidade quoti-
diana, como um já anónimo habitue que lá está outra
vez nas paredes, montras, jornais, telemóveis e demais
meios. Mas, no meio deste turbilhão, os impulsos hu-
manos mais primários mantêm-se e nós só captaremos,
afinal, o que de facto nos tocar e motivar. Esse é precisa-
mente o mote destes programas: captar, pelo teor e pela
forma, para o acto da descoberta.
Todos os concertos desta série têm uma magnética
performance cénica, uma capacidade imediata de atrac-
ção. Serão algo simultaneamente espectacular e vasto
de conteúdo. Há histórias de instrumentos para escutar,
viagens pelo mundo, reais e imaginárias, pensamentos
criativos e filosofias para reflectir.
Descubrir es aprender, y aprender
es integrar lo descubierto en la
vida. En la actualidad social, la
información está tan a nuestro
alcance que de forma tendencio-
sa se pierde en sí misma como un
elemento de frivolidad cotidiana,
como un anónimo hábito que está
otra vez en las paredes, vitrinas,
periódicos, celulares y demás
medios. Pero, en medio de este
remolino, los impulsos humanos
más primarios se mantienen y no-
sotros solo captaremos, al final,
lo que de hecho nos toque y nos
motive. Ese es precisamente el
lema de estos programas: captar,
por el contenido y por la forma,
para el acto del descubrimiento.
Todos los conciertos de esta serie
tienen una magnética perfor-
mance escénica, una capacidad
inmediata de atracción. Serán
simultáneamente espectacula-
res y bastos de contenido. Hay
historias de instrumentos para
escuchar, viajes por el mundo,
reales e imaginários, pensamien-
tos creativos y filosofías para
reflexionar.
Discovering is learning and
learning is making the desire
to discover a part of life. In our
current social world, information
has become so attainable that
it tends to get lost in itself, like
a futile element of daily life, an
already anonymous habit that we
notice once again on the walls,
windows, in the newspapers,
mobile phones and other media.
But in the middle of this whirl-
wind our most primal human
impulses continue, alive, and we
only capture what really touches
or motivates us. That is precisely
the motto of these programs: to
capture through content and form
for the act of discovering.
All the concerts of this series
have a magnetic, scenic perform-
ance, an immediate capacity of
attraction. They will be something
simultaneously spectacular and
profound in content. There are
stories of instruments to listen
to, real and imaginary journeys
around the world, creative and
philosophical thoughts for
reflecting.
 Drumming I, 1970/1 Steve Reich
Temazcal, 1984 JavierAlvarez
Musique de Table, 1987 Thierry de Mey
Steel Factory, 2006 Luís Tinoco
DGD / 13 Faces SEQ. 00, 2003 Ricardo Nova
Third Construction, 1941 John Cage
65 min. versão concerto, 50 min. versão para crianças
4 intérpretes + técnico de luz
Sistema de som para difusão e amplificação das mesas
Este programa figura uma viagem através dos instru-
mentos de percussão do mundo. Por outras palavras,
trata-se daquilo que conhecemos como música étnica,
ou world music, na expressão anglo-saxónica, vista pelo
prisma dos compositores ocidentais.
Na verdade, o fascínio despertado pelo instrumentário
e pelas músicas extra-ocidentais, a par dos contributos
crescentes da ciência da etnomusicologia, constituem
Drumming Movil Mobile Drumming
elementos que se conjugam para nos facilitar uma
aproximação cada vez mais concreta e tangível às mais
plurais formas musicais do planeta. Este fascínio tanto
se encontra no despertar da criatividade e da inspira-
ção dos compositores e músicos, quanto na curiosida-
de e adesão crescentes dos mais diversos públicos.
Os instrumentos utilizados neste programa consti-
tuem apropriações ocidentais das criações originais
do engenho cultural dos homens por todo o planeta:
das maracas aos djembés, dos bongós aos steeldrums,
passando ainda pela mesa preparada de Musique de Table.
Pelo seu formato, este é um programa de alta versatilidade,
fácil de transportar e de inserir em todos os contextos e
espaços. Reforçando a sua plasticidade e interesse, o pro-
grama contém também uma versão didáctica, ligeiramente
diferente, capaz de abranger todos os públicos, nomeada-
mente jovens e crianças.
Drumming Móvil
En este programa figura un viaje
a través de los instrumentos de
percusión del mundo. En otras
palabras, se trata de aquello que
conocemos como música étnica,
o world music, en la expresión
anglosajona, vista por el prisma
de los compositores occidentales.
En realidad, el encanto avivado
por los instrumentos y por las
músicas extra-occidentales, junto
de las contribuciones crecientes
de la ciencia de la etnomusicolo-
gía, constituyen elementos que
se conjugan para facilitarnos
una aproximación cada vez más
concreta y tangible a las más
diversas formas musicales del
planeta. Esta fascinación se en-
cuentra tanto en el despertar de
la creatividad y de la inspiración
de los músicos y compositores,
como en la curiosidad y adhesión
creciente de los más diversos
públicos.
Los instrumentos utilizados
en este programa constituyen
créditos occidentales de las
creaciones originales del ingenio
cultural de los hombres por todo
el planeta: de las maracas a los
djembés, de los bongos a los
steeldrums, pasando todavía por
la mesa preparada de “Musique
de Table”.
Por su formato, este es un progra-
ma de alta versatilidad, fácil de
transportar y de adaptar a todos
los contextos y espacios. Refor-
zando su plasticidad e interés, el
programa contiene también una
versión didáctica, ligeramente
diferente, capaz de abarcar todos
los públicos, particularmente
jóvenes y niños.
In this program we take a trip
through the world’s percussion
instruments. In other words, it is
what we know as ethnic music,
or world music, to use the Anglo-
Saxonic expression, as seen
from the perspective of Western
composers.
In truth, the fascination that is
brought about by the instruments
and music that come from non-
Western places, together with
the scientific contributions from
ethnomusicology, are elements
that combine to facilitate a more
concrete and tangible approxima-
tion to the plurality of musical
forms on the planet. This fascina-
tion is found in the awakening of
composers and musicians’ crea-
tivity and inspiration, as well as in
the growing curiosity and support
of a variety of audiences.
The instruments used in this pro-
gram are Western appropriations
of the original creations of the
cultural resourcefulness of peo-
ple from all over the world: from
the maracas to the djembés, from
the bongos to the steeldrums, and
still the set table of the “Musique
de Table”.
Given its format, this is a highly
versatile program, easy to trans-
port and to insert into all sorts of
contexts and spaces. Reinforcing
its plasticity and interest, the
program also contains an educa-
tional version, slightly different,
that can be performed for all
audiences and, particularly, for
young people and children.
 Estudio de Modulación Métrica II, 2003 José Manuel López López
Estudos para Percussão, 2003 Isabel Soveral
Estudios Expresivos, 2003 Jesús Rueda
Fragmentada Luz, 2003 Polo Vallejo
Temblores, Estudio do Rufo, 2007 Javier Arias Bal
Sincro, 2003 Nuno Corte Real
70 min. 6 intérpretes
(*) Para este programa concebeu-se um desdobramento pedagógico sob a forma de
Master Class com duração de vários dias, para escolas de percussão e respectivos
alunos que, no final, poderão parcialmente integrar o concerto. Neste caso, considera-
se a apresentação ainda de “Fragment 5” de Jean François Lézé (concerto grosso,
que contrapõe as tarefas rítmicas a dois solistas que dialogam com um grupo de per-
cussão harmónica) e “Estudio de Modulación Métrica I” de José Manuel López López.
Sincro
Quando os desafios técnicos se transformam em arte… Cuando los desafíos técnicos se
transforman en arte…
Las obras de este programa na-
As obras deste programa nascem da equação de diferentes cen de la ecuación de diferentes
desafios técnicos, intrínsecos à interpretação em ensemble desafíos técnicos, intrínsecos a
la interpretación en ensemble de
de percussão, e respectiva solução musical. percusión y respectiva solución
musical.
Simultaneamente desafio artístico e material didáctico,
Simultáneamente desafío artís-
cada uma destas peças representa uma explicação para tico y material didáctico, cada
dificuldades pré-determinadas oriundas da própria execu- una de estas piezas representa
ção, assumindo, para além da sua beleza estética, um valor una explicación para dificultades
predeterminadas oriundas de
pedagógico, como materiais de trabalho didáctico*. la propia ejecución, asumiendo,
además de su belleza estética, un
Sincro op. 33, de Nuno Corte-Real, elabora um discurso valor pedagógico, como materia-
les de trabajo didáctico*.
musical que visa sincronizar dos grupos de percussionistas
fluindo em ritmos antagónicos e arrítmicos. “Sincro op. 33”, de Nuno Corte-
Real, elabora un discurso musical
que tiene como objetivo sincro-
Nos seus Estudios Expresivos, Jesús Rueda lança o duplo
nizar grupos de percusionistas,
desafio de conseguir uma expressão em quarteto de Steel- fluyendo en ritmos antagónicos y
drums comparável ao quarteto de cordas arrítmicos.
Por seu lado, Javier Arias introduz-nos de forma muito ex- En sus “Estudios Expresivos”,
pressiva neste seu Solo de Marimba, as diferentes densidades Jesús Rueda lanza el doble desa-
e possibilidades dos rufos. fío de alcanzar una expresión en
cuarteto de Steeldrums compara-
ble al cuarteto de cuerdas.
Já Isabel Soveral utiliza a forma Tema y Variações nos seus
Estudos para Percussão para ensaiar em cada uma delas a re- When technical challenges
alização de diversas utopias técnicas e Pólo Vallejo, compo- become art...
sitor e musicólogo especializado na música dos Wagogo da The works in this program come
from the equation of different
Tanzânia, recreia-se na sua Quebrada Luz, com o Hoquetus, technical challenges, intrinsic to
tão utilizado na música africana. performing as a percussion en-
semble, and its musical solution.
Simultaneously a technical and
Por fim, José Manuel López López apresenta em Estudio de artistic challenge as well as
Modulación Métrica II, resultados das suas investigações em educational material, each one
redor dos paralelismos entre altura e duração; as doze notas of these pieces represents an
explanation to pre-determined
de uma oitava convertem-se em doze tempos, formulando difficulties coming from perform-
dessa maneira uma ‘dodecaritmia’ (dodecafonia rítmica), ance itself, thus assuming,
criando uma pulsação em transformação constante. besides its aesthetic beauty, a
pedagogical value, as materials
for educational work*.
Este é o pulsar de Sincro.
“Sincro op. 33” (Synchro op. 33)
by Nuno Corte-Real, formulates
a musical discourse that aims to
synchronize groups of percussion
players, flowing in antagonistic
and arrhythmic rhythms.
In his “Estudios Expresivos”
(Expressive Studies), Jesús Rueda
launches the double challenge of
achieving expression in a Steel-
drum quartet that is comparable
to that of a String quartet. In
turn, with his “Solo de Marimba”
Por su lado, Javier Arias introduce
de forma muy expresiva, en su
“Solo de Marimba”, las diferentes
densidades y posibilidades de
los rufos.
Ya Isabel Soveral utiliza la
forma Tema y Variaciones, en sus
“Estudios para Percusión”, para
ensayar en cada una de ellas la
realización de diversas utopías
técnicas. Polo Vallejo, compositor
y musicólogo, especializado en
la música de los Wagogo, de Tan-
zania, se recrea en la “Quebrada
Luz”, con el Hoquetus, tan utiliza-
do en la música africana.
Por fin, José Manuel López
López presenta, en “Estudio
de Modulación Métrica II”, los
resultados de sus investigaciones
alrededor de los paralelismos
entre altura y duración; las doce
notas de una octava se convierten
en doce tiempos, formulando de
esa manera una “dodecaritmia”
(dodecafonía rítmica) y creando
una pulsación en constante
transformación.
(Marimba Solo), Javier Arias
introduces, in a very expressive
fashion, the different densities
and possibilities of rolls
Isabel Soveral uses the form
Theme and Variations, in her
“Estudos para Percussão” (Stud-
ies for Percussion), to rehearse in
each of the variations the making
of diverse technical utopias.
Pólo Vallejo, musicologist and
composer, specialist in the
Wagogo music, from Tanzania,
finds recreation in “Quebrada
Luz” (Broken Light), with the
Hoquetus, very widely used in
African music.
Finally, José Manuel López López
presents, in “Estudio de Modu-
lación Métrica II” (Study of Metric
Modulation II), the results of his
research around the parallels
between height and duration; the
twelve notes of an octave become
twelve beats, formulating in
that manner a “dodecarhythmy”
(rhythmic dodecaphony) and cre-
ating a permanently transforming
pulsation.
Éste es el pulsar de
“Sincro”.
(*) Para este programa
se imaginó un desdobla-
miento pedagógico bajo la
forma de Master Class con
duración de varios días,
para escuelas de percusión
y respectivos alumnos que,
al final, podrán parcial-
mente integrar el concierto.
En este caso, también se
considera la presentación
de “Fragment 5” de Jean
François Lézé (concierto
grosso, que contrapone
las tareas rítmica a dos
solistas que dialogan con
un grupo de percusión
armónica) y “Estudio de
Modulación Métrica I” de
Sincro Synchro
José Manuel López López.
This is the pulse of “Sincro”
(Synchro).
(*) For this program an educa-
tional variation was conceived in
the form of a Master Class which
has the duration of several days,
and which was made for percus-
sion schools and their students
who can, in the end, be partially
integrated into the concert. In
this case, and in addition, to
be considered is the presenta-
tion of “Fragment 5” by Jean
François Lézé (gross concert, that
counterposes the rhythmic tasks
to two solo players entering a
dialogue with a group of harmonic
percussion) and of “Estudio de
Modulación Métrica I” (Study
of Metric Modulation I) by José
Manuel López López.
 Quarto para Quatro, 2001 Emanuel Sejourné
60 min. 4 intérpretes, som + luz
Quarto para Quatro
Espectáculo lúdico-músico-teatral que nos conta a
Cuarto para Cuatro Room for Four
história mais ou menos imaginária de um dia na vida
de quatro percussionistas. Sem quase recorrer às pa-
lavras a sucessão de scketches desenha aproximações
à mimodramática ou à pantomina, outras vezes roça
o absurdo e o surreal, ficando, noutros momentos,
ainda, pelo puramente musical. Toda a sequência vive
da interpretação dos quatro músicos em palco – e não
só – tem humor, tem lirismo, tem imaginação.
Um espectáculo que, especialmente destinado a públi-
cos de crianças e jovens, não deixa, porém, de seduzir
os adultos, com o seu humor cénico-musical
Espectáculo lúdico-musical-
teatral que nos cuenta la historia,
más o menos imaginaria, de un
día en la vida de cuatro percu-
sionistas. En serie de scketches,
sin casi darle uso a las palabras,
se diseñan aproximaciones a la
mimodramática o a la pantomima;
la obra roza lo absurdo y lo irreal,
quedando, en otros momentos,
por lo puramente musical. Toda la
secuencia vive de la interpreta-
ción de los cuatro músicos en
escena, y no sólo. Tiene humor,
tiene lirismo, tiene imaginación.
Un espectáculo que, siendo espe-
cialmente destinado a públicos
infantiles y juveniles, no deja, sin
embargo, de seducir a los adultos
con su humor escénico-musical.
A playful-musical-theatrical show
that tells us the sort of imaginary
tale of a day in the life of four
percussion players. In the suc-
cession of sketches, almost never
resorting to words, approxima-
tions to miming and pantomime
are drawn; the work touches the
absurd and the surreal, in other
moments having purely musical
parts. The whole sequence lives
through the performance of the
four percussion players on stage,
and more. It has humor, it has
lyricism, it has imagination.
A show that, although specially
designed for children or young au-
diences, also seduces the adults
through its scenic-musical humor.
 Second Construction, 1940 John Cage
Trio: Allegro, March and Waltz, 1936 John Cage
Credo in US, 1942 John Cage
Child of Tree, 1975 John Cage
Branches, 1976 John Cage
Living Room Music, 1940 John Cage
John Cage Musique de Tables, 1987 Thierry de Mey
Third Construction, 1941 John Cage
60 min. 4 intérpretes + narrador (com Jorge Castro Ribeiro) + vídeo
Constructions de John Cage
Partindo da música desafiadora de John Cage e de outros Partiendo de la música desafiante
de John Cage y de otros importan-
importantes compositores do século XX este concerto tes compositores del siglo XX,
explora de forma descontraída algumas das novas possibili- este concierto explora de forma
dades de fazer música que a criação contemporânea propõe. relajada algunas de las nuevas
posibilidades de hacer música
Uma delas é a relação e a cumplicidade entre intérpretes e propuestas por la creación
público, mas também a Espacialização, o Acaso, a Música contemporánea. Una de ellas es
Concreta feita a partir de objectos quotidianos…. la relación y la complicidad entre
intérpretes y público, pero tam-
bién la Espacialización, el Acaso,
Ouviremos música tocada numa enorme multiplicidade de la Música Concreta hecha a partir
instrumentos musicais de percussão, alguns convencionais de objetos cotidianos.
e outros que são objectos do dia a dia. Veremos mãos que La música es tocada con una
tocam e que dançam sobre mesas… multiplicidad de instrumentos de
percusión, algunos convenciona-
les y otros que son objetos del día
Haverá explicações e interacções com o público e teremos a día. Son manos que tocan y que
momentos musicais com humor subtil… Os sons rigorosos bailan sobre mesas…
da música provocadora de John Cage são a partida para a
Hay explicaciones e interaccio-
pergunta “o que é a música e o que é o silêncio?” nes con el público y momentos
musicales con humor sutil… Los
sonidos rigurosos de la música
provocadora de John Cage dan
entrada a la siguiente pregunta
“¿Qué es la música y qué es el
silencio?”
Constructions de John Cage Constructions of John Cage
Begining with the challenging
music of John Cage and other
important 20th century compos-
ers, this concert explores, in a
relaxed manner, some of the new
possibilities for making music
that are proposed by contempo-
rary creation. One of them is the
relation of complicity between
the musicians and the audience,
but there is also the Spatializa-
tion, Chance, and Concrete Music
made with everyday objects.
Music is played with a variety of
percussion instruments, some
of them conventional and some
other ones which are everyday
objects. They are hands that play
and dance on the tables...
There are explanations and
interactions with the audience
and musical moments of subtle
humour... The rigorous sounds of
John Cage’s provocative music
are the starting point for asking
“what is music and what is
silence?”
 Músicas para Kilangay, Tradicional País Bara Madagascar
Mkwajungoma, Tradicional Wagogo Tanzania (assessor Polo Vallejo)
Timbilas Chope, Tradicional Moçambique
El Grijalva (excerto), 1958/9 René R. Nandayapa (Marimba Mexicana, assessor Israel Moreno)
Marimba, 1989 Emmanuel Sejourné
Suite, 1990 Takayoshi Yoshioka (Marimba Japonesa)
Pulau Dewata (excerto), 1987 Claude Vivier (Gamelão)
Hook, 1991 Grahand Fitkin
60 min. 6 intérpretes + narrador (Jorge Castro Ribeiro) e projecção de vídeo
Vamos Marimbar
Chamamos marimbas aos instrumentos de lâminas Llamamos marimbas a los instru-
Vamos a Marimbar Let’s go Marimba-ing
mentos de láminas percutidas del
percutidas do tipo dos xilofones. tipo de los xilófonos.
Existem em muitas partes do planeta e com enorme Existen en muchas partes del
mundo y con una enorme diversi-
diversidade de formas. São utilizados em estilos musi- dad de formas. Son utilizadas en
cais variados para dançar, em rituais ou simplesmente variados estilos musicales, para
para entreter. Muitos povos com tradições riquíssimas bailar en rituales o simplemente
para entretener. Muchos pueblos
utilizam marimbas e instrumentos semelhantes. Uns con riquísimas tradiciones
simples e outros complexos. Às vezes em grupos ou- utilizan marimbas e instrumen-
tras vezes a solo. Às vezes muitos músicos tocam numa tos semejantes. Unos simples y
otros más complejos. A veces en
só marimba, outras vezes um músico só toca muitas grupos, otras veces solo. A veces
marimbas… muchos músicos tocan sólo una
marimba, otras veces sólo un
músico toca muchas marimbas…
No concerto vamos marimbar o espaço fica de pernas
para o ar. Com comentários e interacção com o público En el concierto “Vamos a Marim-
damos uma volta ao mundo em muitas marimbas e muitas bar”, el espacio acaba al revés.
Con comentarios e interacción
músicas… Umas quentes, a pedir dança, outras suaves para con el público damos una vuelta
meditar. Umas enérgicas, outras arrabatadas… al mundo en muchas marimbas y
muchas músicas. Unas calientes,
que invitan a bailar, otras suaves
África, Ásia, América e o cheiro de tantas terras no som dos para meditar. Unas enérgicas,
instrumentos… otras arrasadoras.
África, Asia, América y el olor de
tantas tierras se siente en el soni-
do de los instrumentos.
Marimba is what we call lami-
nated percussion instruments of
the xylophone type .
They exist in many parts of the
planet and their shapes are
greatly varied. They are used in
various musical styles, for dance
in rituals or simply to entertain.
Many peoples with very rich tradi-
tions use marimbas and similar
instruments. Some of them
simple, some others complex.
Sometimes in groups, sometimes
solo. Sometimes musicians play a
single marimba, some other times
a single musician plays many
marimbas...
In the “Vamos Marimbar” (Lets
go Marimba~ing) concert, space
gets turned upside down. With
comments and interaction with
the audience we go around the
world in many marimbas and
many songs. Some warm, begging
for dancing, other ones soft for
meditating. Some energetic, oth-
ers passionate.
 Le Livre des Claviers VI, 1987/8 Philippe Manoury
Hembulli, 2008 Rui Rodrigues
Seas of Steel, 2001 Michael Smetanin
Oil, 2001 Michael Weilacher
Sede, 2006 Carlos Paredes
Emotional Drumming, 2007 Lucas Palmeira
Mambo Marco, Tradicional arr. Lauren Ferle
60 min. 7 intérpretes + narrador
Música com Lata
De como o lixo industrial petrolífero se converteu numa Un narrador y pedazos de
historia. Historia de la música,
tradição musical de alcance global. historia de la gente. La historia
de cómo los residuos industriales
Percurso pela história do Steell Drum (ou Steell Pan) desde petrolíferos se convirtieron en
una tradición musical de alcance
a sua invenção nas ilhas das Caraíbas de Trindade, à sua global. Este es un recorrido por
expressão actual. Steel Drum, desde su aparición
en las Islas del Caribe hasta su
expresión actual. Con la ayuda de
Aproveitando os momentos da estória, que vai sendo una narrador y de otros soportes,
desfiada com recurso a um narrador ou a outros suportes, o “Drumming GP” interpreta un
Steel Drumming interpreta um variado programa que ilustra programa ecléctico que ilustra
musicalmente la invención
musicalmente a inventiva humana de transformar lixo humana al querer transformar
industrial e material de guerra, negligentemente deixados basura industrial y material de
ao abandono, num instrumento acústico que move massas, guerra, negligentemente dejado
al abandono, en un instrumento
pacifica bairros, aviva paixões e educa na convivência e no acústico que mueve multitudes,
espírito de colaboração. pacifica barrios, aviva pasiones
y educa en la convivencia y en
espíritu de solidaridad.
Reutilizar bidões de petróleo para produzir um instrumen- Reutilizar bidones de petróleo
to musical capaz de criar música viva constitui um belo para producir un instrumento
exemplo de esperança na raça humana. musical capaz de crear música
viva: este es un bello ejemplo de
esperanza para la raza humana.
Con narrador, porque hay histo-
rias dentro de la historia.
Qué Lata de Música Tin Music (with nerve!)
A narrator and pieces of (hi)
story. History of music, history of
people. The story of how garbage
from the oil industry became a
musical tradition with a global
reach. This is a route through
steel drum, from its appearance
in the Caribbean Islands up to
its current expresssion. Through
the presence of a narrator and
other formats, Drumming GP
performs]an eclectic program
that musically illustrates human
inventiveness through wanting
to transform industrial garbage
and war materials, negligently
left abandoned, into acoustic
instruments that can move the
masses, pacify neighbourhoods,
revive passions and educate in
conviviality and in a spirit of soli-
darity. Reusing bidões to produce
a musical instrument capable of
creating music that is alive: now
there is a good example of hope in
the human race. With a narrator,
because there are stories within
history.
 Coração, 2009 Rui Rodrigues
Drumming I, 1970 Steve Reich
Estudio para la Modulación Métrica, 2003 José Manuél López López
Thirteen Faces Formula (excerto), 2007 Riccardo Nova
Sonata 11 (Rondo “a la Turca”), 1778 W. A. Mozart
— Exemplo com, e sem ritmo —
ADKOM ( A Diferent Kind Of Measure, 1, 3, 5 ), 2001 Edmund Campion
Peaux (das Pléïades), 1978 Iannis Xenakis
58 min. 6 intérpretes
Concepção e direcção musical: Miquel Bernat; Comentador: Drumming

O que é o ritmo?

O primeiro som que sentimos antes de nascer é o ritmo
do coração da Mãe. Logo, ao caminhar, criamos outro
ritmo: a marcha. Vivemos constantemente rodeados
de ritmo; a nossa respiração, a noite e o dia, o ritmo
do espaço e dos elementos constituintes desta sala de
concertos.
Na música, o ritmo é a frequência de repetição, a
maneira como se organiza o tempo e se cria o pulso. A
¿Qué es el Ritmo? What is Rhythm?
Os percussionistas fazem deles a sua panaceia e muitas das
músicas desta família de instrumentos estruturam-se em
volta do ritmo.
Neste programa temos exemplos de:
— como se constrói um ritmo por subtracção e adição;
— fases nos ritmos;
— poliritmos;

nossa música clássica tem dado prioridade à harmonia — modulações métricas;

e à melodia, mas mesmo estas se constroem com o — ritmos construídos e manipulados por computador;
ritmo. Na dança, governam os movimentos do corpo. — o ritmo nas músicas Indianas (como os ritmos elabora-
Os instrumentos de percussão são geralmente os por- dos substituem a harmonia nesta música);
tadores do ritmo na música. — a influência africana, polirritmos e ritmos irracionais.

El primer sonido que sentimos
antes de nacer es el ritmo del
corazón de nuestra madre; luego,
al caminar, creamos otro ritmo:
la marcha… vivimos constan-
temente rodeados de ritmo;
nuestra respiración, la noche y el
día, el ritmo del espacio y de los
elementos que constituyen una
sala de conciertos
En la música, el ritmo es la
frecuencia de repetición, la
manera como se organiza el
tiempo y se crea el pulso. Nuestra
música clásica ha dado prioridad
a la armonía y a la melodía, pero
estos elementos también están
construidos con el ritmo.
En la danza, gobiernan los movi-
mientos del cuerpo.
Los instrumentos de percusión
son generalmente los portadores
del ritmo en la música. Los
percusionistas hacen de ellos su
panacea y muchas de las músicas
de esta familia de instrumentos
se estructuran alrededor del
ritmo.
En este programa tenemos
ejemplos de:
— cómo se construye un ritmo
por substracción y adición.
— fases en los ritmos
— polirritmos
— modulaciones métricas
— ritmos construidos y manipu-
lados por computador
— el ritmo en la músicas Indias
(cómo los ritmos elaborados
sustituyen la armonía en ésta
música)
— la influencia africana, polirrit-
mos y ritmos irracionales.
The first sound ever we listen to is In this program we have examples
the rhythm of our mother’s heart. of:
Later, when we start to walk, we
create another rhythm: the march. — how to form a rhythm by sub-
We live constantly surrounded by traction and addition;
rhythm: our breathing, night and — phases within the rhythms;
day, the rhythm of the space and — polyrhythm;
the elements that constitute this — metrical modulation;
concert hall. — computer-created and - ma-
nipulated rhythms;
In music, rhythm means the — the rhythm of Indian music
frequency of repetition, the way (how elaborated rhythms
we organise time and create the substitute harmony in this kind
pulse. Our classic music gives of music);
priority to harmony and melody, — African influences, polyr-
but even these are built up with hythms and irrational rhythms.
rhythm. In dance the movements
of the body are governing. The
instruments of percussion usually
are the carriers of rhythm in the
music.
Percussionists turn them into
their panacea and many of the
musical pieces of this family
of instruments are structured
around rhythm.