Para uma abordagem de ensino em Educação Musical: entrevista com Jos Wuytack e Graça Boal-

Palheiros

Os Wuytack nasceu em Gent, Bélgica, em 23 de março de 1935. Formou-se em Música (Composição,

Piano, Órgão) e Pedagogia no Lemmens Institute, Universidade de Louvain, onde mais tarde se tornou
Professor de Pedagogia Musical. Ele também lecionou no Instituto Superior de Música de Namur, Bélgica,
no Conservatório de Música de Tilburg, Holanda, e no Instituto de Música de Métodos Ativos de Lyon,
França. Jos Wuytack também foi professor convidado da University of Southern California, Los Angeles,
EUA.

Ao longo de sua carreira internacional como educador musical, Jos Wuytack desenvolveu uma abordagem
ativa e criativa para a educação musical baseada nas ideias de Carl Orff, que reconheceu Wuytack como
uma figura de destaque nessa abordagem. Frequentemente convidado por universidades europeias e
americanas, ministrou mais de mil cursos e workshops para professores de música, em 50 países diferentes.
tentativas na Europa, África, América, Ásia e Austrália.

Graça Boal-Palheiros é Professora Catedrática da Escola Superior de Educação do Politécnico do Porto,

Portugal, onde leciona na licenciatura e mestrado e coordena o Mestrado em Educação Musical. Ela recebeu
um ph.d. em Music Psychology pela University of Surrey Roehampton, Londres, um m.a. em Educação
Musical pelo Institute of Education, University of London, a b.a. em Pedagogia Musical, pelo Lemmens
Institute, University of Leuven, e licenciada em Psicologia pela Universidade do Porto. Graça é membro da
International Society for Music

Conselho e Executivo da Educação, presidente da Comissão do ina e co-presidente da Comissão de

Investigação do isme (2008-2016). Ex-presidente da apem – Associação Portuguesa de Educação Musical
(2006-2012) foi editora da revista apem durante nove anos.
Co-fundadora e presidente da Associação Wuytack de Pedagogia Musical, ela coordena o Centro de
Formação de Professores, bem como projetos editoriais e musicais. Co-fundadora do cipem (Centro de
Investigação em Psicologia da Música e da Educação Musical) e ex-membro do ciec (Centro de Estudos da
Criança da Universidade do Minho). Atualmente é investigadora integrada e diretora do cipem/inet-md
(Sucursal do Politécnico do Porto), onde coordena o grupo de investigação Educação e Música na
Comunidade. Publicou em vários países, apresentou-se em conferências nacionais e internacionais e
lecionou em universidades na Bélgica, Brasil, Canadá, Japão, Espanha e Reino Unido.
A entrevista foi realizada por Sergio Álvares, Professor Titular de Educação Musical da Universidade
Federal do Rio de Janeiro, Brasil, em horário pós-laboral durante um Curso de Formação de Professores
oferecido pela Associação Wuytack de Pedagogia Musical, em uma bela noite de pôr do sol de verão no
Porto, Portugal , em 31 de agosto de 2016. Os temas foram diversidade cultural, conceito de totalidade,
educação formal e informal, contexto escolar, metodologia de ensino e formação de professores.

Tema 1: Diversidade cultural

SERGIO ÁLVARES: Professores Wuytack e Boal-Palheiros, qual foi a importância de morar em tantos
países, com muita diversidade cultural, para sua percepção sobre o ensino de música?
JOS WUYTACK: Desde a minha juventude, eu me interessei pela música de diferentes povos e culturas. Na
Bélgica, temos diferentes culturas: francesa, flamenga e alemã. Falamos línguas diferentes e isso nos deixa
abertos a nos sentir bem com músicas de diferentes países, o que é muito interessante. Quando eu estudava
pedagogia musical, descobri que o Folclore era uma forma muito importante de observar e conhecer melhor
o coração de diferentes culturas. A cultura é o coração da expressão de sentimentos, emoções, amor e
abertura das pessoas. Esse foi realmente o começo. Então, tive meus professores que me trouxeram para
Orff, e ficamos bons amigos: fui aluno de Orff. Claro que Orff construiu instrumentos de diferentes partes
do mundo: da Ásia, os metalofones; da África, os xilofones; da Europa, os glockenspiels; e das Américas, a
percussão de diferentes culturas. Dentro do pensamento de juntar esses instrumentos, tive a ideia de abrir o
escopo. Comecei a dar aulas na França e a trabalhar com canções francesas e isso foi fabuloso. E eu também
ensinava flamengo em Flandres (Bélgica), que é o meu país. Ao ministrar cada vez mais cursos, fui me
interessando por um repertório e estratégias mais amplos. Nos anos de 1965-70, viajei muito. Eu estava
interessado em culturas de todos os lugares e colecionei muitos instrumentos musicais. Meu interesse era
principalmente juntar as pessoas e acho que uma forma de juntar as pessoas é ir até elas e estar aberto para
entender o que elas têm a dizer. A maioria das pessoas estuda música porque esse é o coração de sua fala. O
contato com culturas diferentes foi muito interessante porque você pode ir muito fundo no coração das
pessoas e através da arte você pode fazer as pessoas se sentirem felizes e bem, e isso é importante. Eu
mesmo colecionei mais de 2.000 canções pentatônicas, não só em meus cursos e visitas, mas também nos
livros. Descobri que a pentatônica é universal e é por isso que agora, depois de todos esses anos, ainda
acredito que a pentatônica é um elemento comum a todos os meus cursos. É muito interessante ver que na
maioria das culturas da Europa Ocidental, a pentatônica raramente é encontrada. Na Europa, você tem que ir
à Hungria e aos Bálcãs para encontrá-lo. Na América, há muitas canções pentatônicas. Nos Estados Unidos,
você tem o afrodescendente. Também na América do Sul: o Peru tem muita música pentatônica, fantástico...
Estive nas Filipinas, e na Indonésia, e lá você encontra a pentatônica por toda parte. A minha ideia é que um
trabalho muito importante pode ser feito usando a pentatônica, porque a pentatônica é muito fácil, não tem
harmonia. As crianças podem usá-lo de forma muito simples e você pode ensinar os professores a fazer
melodias naturais em um ambiente alegre.

GRAÇA BOAL-PALHEIROS: Ao ensinar pessoas de outras culturas, fazendo música da sua cultura e
aprendendo canções da cultura delas, as pessoas aprendem umas com as outras. Por exemplo, quando Jos
está ensinando uma música folclórica portuguesa nos EUA, os professores americanos aprendem sobre
Portugal e a cultura portuguesa também. Através dos diferentes materiais musicais de diferentes países, os
professores abrem os seus horizontes e conhecem melhor a música de outros países porque a fazem, cantam,
tocam e dançam, vivem-na e não a veem apenas num livro ou numa vídeo. Há uma troca cultural. Muitos
professores e alunos, como eu, participavam dos cursos e, naquela época, não sabíamos como soavam as
músicas da Indonésia ou do Senegal. Ao criar a atmosfera da música, não só cantando a melodia, mas
também tocando da maneira como os africanos tocam os xilofones ou produzem diferentes timbres, você
consegue entender aquela música de uma forma muito profunda, eu acho.
J.W. Isso é verdade, sempre foi o destaque da minha pedagogia, destaque dos cursos que ministrei, nos quais
usei tantos materiais internacionais. Eu gosto das danças da África. Muitas das músicas que uso nos cursos
são músicas que ouvi e anotei. Não todos eles, mas muitos deles. Eu usei um repertório tradicional que é
realmente universal. É interessante porque assim você abre o espírito das pessoas, você abre o espírito dos
professores. Os professores devem estar abertos e não apenas usar suas próprias cantigas ou suas próprias
peças, mas estar abertos e ajudar os alunos a se abrirem para outras pessoas e a respeitar e compreender as
outras pessoas.

Tema 2: Totalidade
S.A. Quando você ensina a música de outras culturas que você vivenciou e quando você esteve lá, você se
envolveu não só pelo som, mas também por todo o sentimento, toda a atmosfera. Você tenta ensinar não
apenas o som e o silêncio, mas também o movimento, as cores e os estilos? Vejo que, em suas aulas, você
utiliza muitos recursos do teatro, da fala, do movimento e da imaginação. Na ufrj, desenvolvemos uma
pesquisa baseada na reunificação de saberes musicais fragmentados, denominada “Musicalidade
Abrangente”. Você poderia falar sobre como a unidade do conhecimento apresentado como um todo seria
muito mais importante, se você pensa assim, do que quando apresentado em partes ou fragmentos, e então
você poderia ter problemas em reuni-los mais tarde?
J.W. Inicialmente, parto do princípio pedagógico da totalidade. Quando você ouve música, você tem uma
totalidade. No final da peça, não no começo, você tem sua totalidade. Quando você ensina, você tem uma
totalidade, porque você tem que ensinar o ritmo, a melodia, a harmonia, a forma e o timbre. Você tem que
ensinar os cinco elementos de forma ativa, criativa e em relação com a comunidade, onde todo o grupo
trabalha junto. A educação musical não é uma educação individual. A educação musical é sempre em grupo.
Você não pode fazer educação musical individualmente com um computador, você precisa de um grupo.
Não se trata de um indivíduo que está sentado ali e diz: eu faço música, eu sei fazer uma melodia: isso não é
educação musical. A educação musical é uma totalidade, praticar em grupo, e fazer música é a sensação de
estar bem com outras pessoas. Outra perspectiva do princípio da totalidade é, por exemplo, quando ensino
uma música, a gente escuta a música toda. Eu mesmo cantarei a música. Primeiro elemento: o professor
canta a música. Para começar, é isso que ele fará. Então, depois disso, da totalidade, vou para a
diferenciação. Por exemplo, podemos começar com o ritmo ou com a melodia, isso é possível. Eu ensino a
melodia através da imitação. Se posso dizer, depois de todos esses anos, cheguei à ideia de que solfejo é
teoria e imitação é uma forma natural de aprendizado. Esse é um ponto muito importante, depois de todos
esses anos.
S.A. Entendo.
J.W. No começo, eu também ensinava notas de leitura e todas essas coisas. Agora, eu digo para as crianças
“imitar”, e funciona. Eu digo: imite esta pequena melodia. Então, vem o ritmo. Apenas batendo palmas, não
diga: “ta-ta-ti-ti-ta”, “ti-ti-ti-ti-ta”. Faça o ritmo de forma criativa. Deixe as crianças dizerem o texto de
várias formas, com diferentes expressões, alegres, com humor, e aí você pode fazer o que quiser: alto,
baixinho... Junte as coisas e você já ensinou ritmo e melodia, ou melodia e ritmo. Agora você diz: vamos ter
um pouco de acompanhamento, e você toca alguma harmonia com eles. Aí você fala: a gente vai fazer
primeiro isso, depois a gente improvisa um pouquinho. Essa é a parte b, então você joga em um formulário.
Então você vai da totalidade para a diferenciação. Então, a partir deste ponto, diferenciação, você chega à
apreciação. E você agradece: não é bom? Oh, isso é divertido, vamos fazer isso mais uma vez! Essa é a
reação das crianças. Essa é a apreciação. A partir da valorização, você volta para a totalidade, e isso é o que
chamamos de reintegração. Você volta para sua totalidade que não é mais uma totalidade desconhecida, mas
é uma totalidade que você sente tanto com sua voz quanto com seu corpo. Esse é o princípio da totalidade.
Lá você encontrará todos os elementos. Não acho que o solfejo seja a maneira de ensinar as crianças. Você
começa de maneira ativa e, às vezes, pode ensinar as notas. Vamos cantar com as notas, é simples, e aí tem
um jogo para ensinar as crianças, sempre em forma de jogo. Da mesma forma, não se deve ensinar a mesma
atividade por muito tempo, mas fazê-la sempre com variações. Se a música tiver quatro versos, tente
primeiro ensinar dois versos e fazer coisas diferentes com eles e juntar as coisas. Esse é o verdadeiro
começo da pedagogia. Eu quero insistir nisso. Para mim, a melhor forma de ensinar é por meio da imitação.
Isso é o mais natural. Olhe para o menino de um ano que não pode falar. O que a mãe diz? Diga papai. O
menininho diz: papai. Ele imita, e é assim que você aprende a língua. Por que poderíamos aprender o idioma
dessa maneira? Aprender a linguagem da música é semelhante. É importante, também, que não separemos
disciplinas na escola. Devemos ser mais flexíveis e juntar as coisas S.A. Integrar?
J.W. Sim, integrá-los. Isso deve ser muito melhor para uma educação para futuros professores de música.
Aqui tem educação musical: tem que aprender a tocar um instrumento; então você tem que aprender a
ensinar as crianças; então você tem a história da música; e assim por diante. Isso não é bom, não é uma
totalidade. As disciplinas curriculares devem estar todas juntas de maneiras diferentes: alternadas
-los, variá-los, ser criativo, use sua imaginação GBP. A ideia de desempenho em uma totalidade também é
importante. Quando você dá uma aula, você tem várias partes da aula e depois faz a soma de todas as partes
em um concerto final, como fazemos no coral nos cursos de Jos. Então sempre temos a plena satisfação de
alcançar os resultados
Na verdade, o concerto final é mais do que isso. Também é fazer música. Realizar concertos é o que os
músicos fazem. Você faz um show para você, para o seu grupo, para a sua turma, e aí, no final, você tem um
momento diferente, que é como a aula em forma de show. A aula de coro que temos nos cursos tem a forma
de concerto, porque no final executamos as diferentes peças. Assim, você tem a sensação de representar, fica
totalmente absorvido por essa experiência quando está representando e tem a verdadeira satisfação de
representar. Esta é também a ideia de totalidade. Assim, as crianças se preparam para atuar, para fazer algo
importante para outras pessoas. Isso é, novamente, música em comunidade como forma de comunicação
com os outros.

Tema 3: Educação formal e informal

S.A.: Como você vê as diferenças que temos nos ambientes formais de aprendizagem, como faculdade ou
universidade, versus o aprendizado que temos em um ambiente informal ambiente? A educação vem antes
da escola. As pessoas são educadas por seus famílias, amigos, colegas, a comunidade, e não necessariamente
precisa ir para escola para aprender música, especialmente nas sociedades modernas com tecnologia e
ensino à distância. Como você acha que os alunos de educação musical de hoje poderia estar ciente disso, e
como os professores de educação musical poderiam ajudar para melhorar a educação de seus alunos?
J.W. Temos a tradição, e a tradição continua. Nós não tem aulas onde você pode trabalhar em seu próprio
nível, mas você pode fazer o seu própria velocidade. Na universidade, você vai para a aula e depois vai
embora.
Essa não é a melhor forma de aprender, porque para aprender bem você tem que ser interessado. Então, hoje,
eu gostaria de fazer um treinamento de piano. Então, eu não deveria cantar ou tocar outro instrumento. Hoje,
eu gostaria de fazer ginástica, mas faça isso de uma forma dançante. Você deve tentar desenvolver essa ideia
no ensino.
Os professores devem conhecer bem sua classe. Às vezes você verá que hoje não é o dia de ensinar uma
música, porque os alunos estão muito nervosos. Faça ritmo e treine-os para o ritmo e esqueça aquela música.
No outro dia, você sente que está um dia lindo e fala “vamos cantar uma música linda”, e pronto. É assim
que bons professores de música devem ministrar suas aulas. E também ensinar não a teoria, mas a prática.
Vá para a prática e depois ensine um pouco de teoria, não muito. Porque, para as crianças em sala de aula
(nas escolas gerais), é necessário que elas saibam solfejo? Não, é necessário que saibam cantar. E, como já
disse, podem cantar por imitação. É necessário que eles saibam o que é semínima ou mínima?
S.A. Na verdade não.
J.W. Bem, eu diria que eles já aprenderam fazendo. É só depois que eles executam que você pode dizer:
você vê isso? Isso é o que os grandes chamam de meia nota. As crianças devem estar interessadas em
aprender dessa maneira. Você deve começar com a criança. Você deve ir para o que é interessante neste
momento. Acho que um bom professor de música deve saber também de história, história da música e tocar
um instrumento. Se você tem uma boa voz, pode usar sua voz como instrumento. Eu diria: você deveria
tocar um instrumento, e saber muito de psicologia. A educação na universidade é muito teórica. Você
deveria ter mais experiências na formação para ser professor de música, não é? Fiz isso na Bélgica, já em
1965. Pedi aos meus alunos que fossem comigo a uma sala de aula para praticar o ensino com as crianças.
Desde o primeiro ano, estamos na sala de aula e eles ensinam. Depois, discutimos juntos sobre sua prática
docente. Veja, isso é muito importante. Alguns professores sabem muita teoria, mas não sabem ensinar. Se
você não pode ensinar, não ensine educação musical. Um bom professor de música também deve se
interessar, como já disse, pela psicologia, também pelas relações humanas. As crianças que estão na sala de
aula são diferentes, até de culturas diferentes. Você deve estar aberto a isso e deve tentar descobrir as
culturas em sua sala de aula. Você deve saber sobre a música nativa no Brasil, ou sobre a música negra no
EUA. Como disse no início, isso é estar aberto a diferentes culturas, o que o torna interessante. Há também
outras pequenas coisas. Se alguém tiver um instrumento especial, como um instrumento do Brasil, você deve
mostrar para as crianças. Veja, é um instrumento do Brasil, e você vai abrir os olhos das crianças. Você
deveria ser mais pedagogo. Você deve abrir sua visão do mundo inteiro. Isso é o que eu acho.

Tema 4: Contextos escolares

S.A. A questão da educação formal versus informal é bastante complexa. A música está presente em todos
os lugares do mundo, totalmente integrada na sociedade ou como o coração de uma cultura, como você
mencionou, e esse coração pulsa com toda a paixão, beleza, tristeza e todos os sentimentos humanos como
um todo. Quando você vai para um ambiente formal, a educação pode se tornar muito rígida com portas e
paredes que fragmentam todo o conhecimento em disciplinas. J.W. Sim.
S.A. Quando o professor de música recém-formado for para sua primeira sala de aula, encontrará a música
fragmentada em disciplinas, como no ambiente universitário, ou a música como um todo, como no ambiente
comunitário com, provavelmente, uma grande diversidade entre as crianças? O que poderíamos fazer para
construir uma ponte para conectar essas configurações? Será que um professor que leva seus alunos para um
estágio é como um pai que leva seu filho para passear de mãos dadas?
J.W. Exatamente.
GBP. A experiência fora da universidade é muito importante para nossos alunos. Para os futuros professores
de música, os estagiários, é fundamental que frequentem uma escola onde conheçam cenários reais como
dizias, para que percebam como as crianças reagem e se comportam. Eles entendem como ser professor
ensinando e veem o que funciona melhor ou não tão bem. Eles observam e podem refletir depois. Eles
podem observar seus colegas tentando ensinar e aprendendo a ensinar. Por exemplo, eu achava que
funcionava assim, mas não funciona, é o contrário... Claro que quando eles participam de um treinamento,
onde eles veem a música de verdade funcionando, eles conseguem entender com mais facilidade e de
repente, as coisas ficam claros porque eles entendem como isso é acessível para as crianças. Acho que a
experiência fora da universidade é sempre essencial. Por outro lado, como professor, você nem sempre pode
ir a lugares fora da escola. Por exemplo, você pode levar seus filhos a um concerto em uma sala de concertos
na cidade, mas não em uma pequena vila. Mas você sempre pode viajar através da música. Você pode
estimular seu conhecimento, sua curiosidade sobre o mundo partindo daquele cancioneiro ou daquela dança,
se quiser, claro, se estiver motivado. Às vezes as pessoas não fazem isso porque não pensaram nisso.
Depende da sua própria experiência. Se você nunca foi a um museu para ver um quadro ou nunca caminhou
cinco minutos para observar os quadros, por exemplo, como pode ensinar o amor pela arte às crianças, se
você mesmo não o experimentou?
S. A. Sim.
GBP. Por que a formação de professores é importante? Porque você mesmo experimentou, eu acho. Quando
um aluno nosso durante sua prática de ensino ensina uma música dançante da Turquia, o professor da escola
primária pega o globo ou mapa-múndi, depois de executar a dança as crianças ficam curiosas para saber
mais, pois sabem que é uma forma de dança Peru. Onde fica a Turquia? Nunca vi, não sei, não faço ideia...
Eles observam o mapa e descobrem. Essa é a integração na escola primária que as crianças podem fazer e
compreender, claro, se forem estimuladas e você lhes disser para serem curiosas. No Music Listening, posso
ensinar sobre diferentes culturas, música tradicional ou erudita, se cantam uma melodia ou se conhecem
aquela melodia… quem é o compositor, de que período... As crianças nem sempre têm noção do tempo e da
história, porque são muito pequenas para compreender o mundo. Mas são muito curiosos e muito
interessados em aprender, ao contrário do que dizem alguns professores. Estou falando de crianças em
escolas públicas, em bairros pobres e todos esses contextos. Eles estão interessados se você mostrar a eles os
caminhos e estimulá-los.
J.W. Você tem que. GBP. Então agora, todos os seus alunos do seu curso [Jos'] vão sair, e vão ensinar coisas
diferentes, e de um vão para o outro. É assim que você ajuda as pessoas a se integrarem, eu acho. Os
professores da Primária, por exemplo, não devem ter medo de ensinar coisas diferentes que já sabem. Os
jovens professores sabem alguma coisa, sabem de uma determinada música, mas esquecem-se que podem
ensiná-la à turma. De repente, eles pensam: podemos fazer isso com as crianças da sala de aula. Esse é um
ponto de integração. A experiência de ir para uma escola primária e estudar o programa da escola primária
seria interessante, porque quando você conhece muitas coisas, pode integrar a maioria delas com seus
alunos.
J.W. Há um problema se você ensinar os professores a ensinar música. Quando comecei em 1965, não havia
uma sala de música em nossa escola na Bélgica. S. A. Não?
J.W. Não, isso não existia. Você fazia música em sala de aula normal, com carteiras e bancos... Não dava
para cantar em pé. Por isso acho que me interessei tanto pelo movimento nos meus cursos.
S.A. Ah…
J.W. O que fizemos foi levantar de nossos bancos, ficar de pé no corredor e fazer movimento no corredor.
Isso foi em 1965. Você não pode esquecer o quanto tudo mudou. É o que eu falo agora... Acho que a maioria
das escolas tem uma sala de música e você pode mexer, usar instrumentos, o que for. Você sempre tem que
se adaptar à situação concreta. Agora, aqui no curso que estou dando, tenho que me adaptar. Por que?
Porque a sala não é grande o suficiente. Normalmente estamos numa sala grande, e eu estava habituada
àquela sala grande… Agora, nesta pequena sala, às vezes penso: o que posso fazer? Então, mudei tantas
estratégias, porque, como eu disse, você sempre tem que se adaptar à situação concreta onde você trabalha.

Tema 5: Metodologia de ensino

J.W. Acho que não falamos sobre o mais importante no meu ensino: é que eu uso a ideia de Confúcio.
Porque isso é muito importante para mim. É tão importante que conheçamos todo o campo pedagógico que
Nós planejamos. Se você ensina isso aos professores, deve dar a eles um plano. Meu plano é isso e aquilo e
aquilo… e para tudo farei o mesmo procedimento. Então, você tem um método. Isso não é algo que você faz
apenas nesta ocasião. Você segue sempre a mesma estrutura e, assim, as crianças aprenderão mais rápido.
Porque eles sabem o que se seguirá. Se você ensinar isso por três meses, no quarto mês será muito mais
rápido e você terá coberto muito mais material. Este ditado atribuído a Confúcio é: “Diga-me, eu esquecerei;
mostre-me, eu me lembrarei; me envolva, eu vou entender”. Essa é realmente a essência do ensino.
Primeiro, o professor diz, e todas as crianças estão envolvidas com o intelecto e estão mentalmente
preparadas para fazer as outras atividades. Em segundo lugar, o professor sempre deve mostrar como fazer.
Se for uma melodia, você deve cantá-la primeiro. Se for um movimento, você deve executá-lo primeiro.
Cada vez, o professor dá o exemplo. Então, quando estiver mentalmente claro, as crianças poderão vê-lo
porque ver é mais fácil do que apenas ouvir. A visualização ajuda a experiência auditiva. Depois eles fazem,
o que é importante, porque cada criança é independente. O que acontece às vezes na prática docente? A
professora canta com as crianças. Como o professor é tão bom, ele quer ajudar as crianças. Mas deveria ser
exatamente o oposto. O professor não deve cantar com as crianças porque as crianças têm que cantar
individualmente, têm que mostrar que entendem e se tornam independentes. Há algo que eu quero
compartilhar com você também.
S. A. Obrigado.
J.W. Se você cantar simultaneamente com as crianças, não poderá ouvi-las.
GBP. Vejo muitos professores, mesmo experientes, tocando a flauta doce ao mesmo tempo. As crianças não
podem ouvi-los. O ponto importante do ensino, e não é só música, é a sua forma de ensinar. Jos, você ensina
os alunos a pensar primeiro e depois fazer. Se eles tiverem tempo para pensar no que estão fazendo, para
processar mentalmente, é claro, eles o farão bem. Quando os professores fazem ao mesmo tempo, eles têm
dois problemas: as crianças não podem saber o que vão fazer porque é ao mesmo tempo; e, se o professor
estiver ocupado tocando, ele não pode ouvir e não pode corrigir o crianças. Por isso é sempre melhor fazer
em um momento diferente, porque dá tempo de processar, e dá para envolver e ser envolvido e ser
independente. As crianças vão falar: eu consigo sozinha, viu? É o mesmo com os adultos. Eles sabem que
não estão esperando que você faça isso naquele momento. Eles já sabem porque foram treinados antes, e
então podem fazer isso de forma independente. Isso é aprender a se tornar independente do professor. Eles
sabem e podem fazer isso sozinhos, e podem desfrutar disso, porque sabem disso. É quando eles ficam
felizes. Se você não é independente do professor, naquele momento, você não sabe o que vai acontecer.
J.W. Tudo requer treinamento e isso também é algo que às vezes esquecemos, como professores. Treinar é
fazer a mesma coisa repetidamente. Quando você ensinar, não fique feliz com a melodia que você canta uma
vez só, mas cante com “o”, depois cante com “Iai”, cante a terceira vez com “ameixa”. Treinar é fazer a
mesma coisa. A apresentação musical é como um esporte!
Tema 6: Formação/ Treinamento de professores
GBP. Há muitas coisas diferentes que você pode aprender imensamente apenas observando um professor
que está indo bem. Esse é um ponto sobre a formação de professores. Na verdade, você aprende muito mais
coisas do que as atividades que está fazendo no momento. Eu reflito sobre isso em minha experiência.
Quando você é professor, se você forma jovens professores, para eles aquela pessoa que está diante deles é
uma referência em tudo. A atitude é muito importante. Jos, o jeito que você ensina, e você leva os
professores em formação para fazer algo que você deseja. Sua inspiração, até, seu jeito de fazer música, sua
musicalidade. Há tantas coisas das quais um jovem professor pode não estar muito ciente. Não apenas uma
música ou peça que está à sua frente, mas a dinâmica, a respiração, o fraseado, a articulação e todos os
aspectos que tornam algo musical. Um ponto importante para um estagiário ou para um professor é que você
pode ensinar as pessoas a serem mais musicais. Se você chamar a atenção, digamos, para o jeito de tocar das
claves: não “bum-boom-boom”, mas “tic-tic-tic”. Essas pequenas coisas, para mim, significam todo um
mundo de educação musical, todo um mundo de musicalidade, eu acho. Você pode dizer isso até para uma
professora de jardim de infância que pode não ter tanta experiência no ensino de música, mas ela vai
entender que isso faz diferença para desenvolver a musicalidade das crianças, não ter uma turma inteira
cantando e gritando . Algumas pessoas podem não saber disso, mas você pode desenvolver a musicalidade
através de pequenas coisas. Como professor de música, ao executar música, ao tocar flauta, é-lhe pedido que
preste atenção à sua respiração, ao seu corpo, à sua postura, ao seu rosto, à forma como se expressa e
comunica com as pessoas. Todos esses detalhes fazem a diferença para que o aluno-professor entenda como
é ser um bom professor de música, um professor de música musical. Acho que faz uma grande diferença.
J.W. Sim.

GBP. Quando você [Jos] explica os princípios, você os coloca em prática em seu ensino. O princípio da
comunidade, de incluir todos... ou todos se sentirem incluídos. Seja um triângulo tocando um “plim” curto
ou seja um xilofone baixo que está tocando no livro, como dizemos. O ponto de se sentir incluído é
importante. Outro ponto é relevante para todos os professores, não só para a educação musical, não
especialmente para qualquer abordagem. Sua maneira de ensinar é apelar diretamente para a inteligência dos
alunos. Impulsionando-os a serem mais ativos no aprendizado, mais envolvidos, a pensar, a analisar e a
sentir todas essas pequenas coisas, essa frase musical. Esta é a sua maneira de ensinar, eu acho. Coloque sua
inteligência para trabalhar, concentre-se. Existem pequenas coisas que você passa para a outra pessoa na sua
frente, para os professores na sua frente, no centro do seu ensino, que não estão escritas nos livros. Existem
atitudes, e é por isso que talvez as pessoas aprendam de maneiras diferentes e em níveis diferentes. Esse é
outro ponto, talvez, de ser tão universal, ao ensinar pessoas de diferentes países. Há algo muito humano em
seus relacionamentos.
J.W. Você está falando de mim?
GBP. Sim, claro, sobre o seu relacionamento, o que você faz com os professores de música, com os
humanos… Esse ponto é universal. Apelando para as pessoas inteligência e concentração, e todas essas
coisas. Fazendo você mesmo, você diz: me envolva, entendeu; mas você também está envolvido, não apenas
dizendo isso, mas fazendo você mesmo. Há muito conhecimento que as pessoas obtêm da prática. O
conhecimento prático que as pessoas aprendem que não está escrito, mas as pessoas aprendem com a prática
que você está fazendo. Eu acho que há muito que as pessoas aprendem com isso.
J.W. Obrigado. S.A. Obrigado a ambos.